Una coproducción entre La Monnaie / De Munt, Royal Opera House, Opera Australia y Göteborgsoperan
CAVALLERIA RUSTICANA
Santuzza Eva-Maria Westbroek
Lola Josè Maria Lo Monaco
Turiddu Teodor Ilincai
Alfio Dimitri Platanias
Lucia Elena Zilio
———————-
PAGLIACCI
Nedda Simona Mihai
Canio Carlo Ventre
Tonio Scott Hendricks
Peppe Tansel Akzeybek
Silvio Gabriele Nani
Coro La Monnaie Coro
Orquesta Sinfónica La Monnaie
Música Mascagni / Leoncavallo
Libreto Giovanni Targioni-Tozzetti y Guido Menaschi / Ruggero Leoncavallo
Concertador Evelino Pidò
Escena Damiano Michieletto
Escenografía Paolo Fantin
Vestuario Carla Teti
Iluminación Alessandro Carletti
Dir. de coro Martino Faggiani
Entrevista con Damiano Michieletto (Director de escena)
Usted creó esta puesta en 2015 para Covent Garden en coproducción con La Monnaie / De Munt. ¿Qué inspiró el concepto para su puesta en escena?
DM: Quise presentar personajes creíbles y crear un entorno en el que puedan cobrar vida. Me parece evidente que estas dos historias no reflejan mundos opuestos, y quería sumergir a la audiencia que conviven en un universo paralelo. Estas obras se llevan a cabo en la misma región, al sur de Italia, y ambas se basan en un triángulo amoroso. Además, la presencia de la religión y los roles sociales de las mujeres son comparables, y las intrigas de ambas historias se vuelven drama … también podemos observar similitudes musicales entre las dos óperas, por ejemplo, ambas son notables por tener un intermezzo sinfónico.
¿Entonces fortaleció la conexión entre las dos historias?
Mascagni y Leoncavallo nunca hubieran anticipado que sus óperas se convertirían en un díptico inseparable. Y, de hecho, es una elección personal presentar estas óperas como si fueran una sola historia, a fin de ofrecer una experiencia teatral más sólida. Cavalleria Rusticana comienza, por ejemplo, con la llegada de un grupo de actores que interpretarán Pagliacci, y así las dos historias se entremezclan.
¿Dónde está la fuerza en estas óperas aparentemente sencillas?
La intriga en Cavalleria no es tan potente, sin embargo, precisamente esta simplicidad otorga fuerza a las óperas en este tipo de verismo, que es todo menos conceptual y simbolista. El tipo de “realismo” que se ve aquí evoca el cine. Por ejemplo, considere el comienzo de Pagliacci, donde el personaje del prólogo inmediatamente deja en claro que esta ópera trata sobre personas reales de carne y hueso. La historia de Pagliacci es más compleja porque tiene lugar en dos niveles. Pero se aplica a una situación análoga a la de Cavalleria, y una muerte violenta también proporciona el desenlace. Este es otro gran parecido entre las dos obras: la presencia de una violencia visceral.
¿Qué significa el término verismo para usted como director?
Como forma de arte, la ópera está muy alejada de la realidad: contar historias el uno al otro a través del canto es cualquier cosa menos realismo. Sin embargo, la esencia de la ópera consiste en transmitir emociones a través del canto y la música. El verismo en la música está vinculado al verismo literario de autores como Giovanni Verga, que se hizo famoso gracias a sus cuentos simples pero poderosos. Para mí, el verismo trata de historias extraídas de la vida real y de personajes humanos creíbles, interpretados por cantantes que entran en la historia mientras transmiten emociones.
¿Esto también se traduce en un muy elaborado diseño de escena?
Nuestra escena contiene varios detalles “realistas”, pero fue concebida teniendo en cuenta los cambios rápidos, presentes en ambas óperas, entre escenas multitudinarias y escenas íntimas. Nuestra historia tiene lugar en la plaza de una ciudad pequeña. Gracias a un escenario giratorio, podemos hacer una especie de zoom in o zoom out dramático. En el centro, tenemos la panadería de Mamma Lucia, un personaje más viejo. Me imagino que ha vivido situaciones paralelas durante su vida, también aquellas en las que hubo violencia… es un lugar con muchos recuerdos asociados, un lugar muy “humano”, donde uno trabaja con las manos. Se puede usar el interior de la panadería, pero el exterior es igualmente importante, para las festividades o el paso de una procesión religiosa … es importante para mí que este espacio ayude a desarrollar la trama de la ópera.
Usted evoca la violencia inherente a esta historia. En general, ¿cómo retrata la violencia en el escenario?
No tengo reglas para eso … simplemente intento contar la historia honestamente. A veces optamos por subrayar la violencia si eso es algo que se ajusta al concepto de la actuación. Si pensamos en Pagliacci desde una perspectiva contemporánea, Canio debería estar en prisión. Él es un monstruo: ¡ha matado a una mujer por celos! Sin embargo, en este caso, mi objetivo no es mostrar este asesinato; por el contrario, quiero trabajar en las relaciones humanas y la tensión que surge entre las vidas de los actores y la pieza que están interpretando: lo que se precipita en el espíritu de Canio, y cómo esto lo vuelve loco.
¿Qué significa para usted remontar esta producción con dos nuevos elencos?
Muchos elementos ya están predeterminados, pero como estaba diciendo, este repertorio exige que los cantantes puedan transmitir emociones auténticas. Por lo tanto, es importante que los cantantes y el nuevo director musical tengan la libertad de aportar algo personal a la producción, algo en lo que creen. Yo mismo trato de descubrir nuevos aspectos a través de sus personalidades, su imaginación, su aspecto físico… a partir de ahí, es posible un intercambio creativo, y es exactamente este intercambio uno de los elementos de esta profesión que más disfruto.
Fuente: Opera Vision, entrevista transcrita por Marie Mergeay
Comentarios