The Habsburg Project

El motete Caecilia virgo gloriosa de Jacobus Clemens non Papa (1510/15 – 1555/6) fue impreso por primera vez por Tielman Susato en Amberes en 1547 en el “Liber Quartus Sacrarum Cantionum Quatuor Vocum”. Más tarde, en 1559, apareció otra impresión, por Pierre Phalese en Lovaina en el “Liber quartus sacrarum cantionum […] quatuor vocum”. Esta fue la edición en la que se basó el pintor flamenco Michiel Coxcie (1499-1592) para pintar en su Santa Cecilia hacia 1569. Coxcie era uno de los pintores favoritos de la rama española de la familia Habsburgo. El cuadro, que se encuentra actualmente en el Museo del Prado (Madrid), fue encargado a Coxcie por Felipe II de España, quien lo envió al Monasterio del Escorial en 1574. Para dar la posibilidad al espectador de leer las notas de la partitura pintada, Coxcie no reproduce fielmente la versión de la partitura de Clemens de 1559. En cambio, el pintor hizo un “acercamiento” al copiar sólo una parte de la música, sin embargo conserva muchos detalles del escrito original.

Fuente: The Habsburg Project, texto que acompaña el video.

The post Motete a Sta. Cecilia, patrona de los músicos appeared first on Música en México.

Kavakos es reconocido en todo el mundo como un violinista y artista de rara calidad, aclamado por su técnica inigualable, su arte cautivador y su soberbia musicalidad, así como por la integridad de su interpretación. Trabaja con las mejores orquestas y directores del mundo y actúa como recitalista en las principales salas de recitales y festivales del mundo. 

Los tres mentores más importantes de su vida han sido Stelios Kafantaris, Josef Gingold y Ferenc Rados, con quien sigue trabajando. A los 21 años, Leonidas Kavakos ya había ganado tres grandes concursos: el Concurso Sibelius en 1985, y los concursos Paganini y Naumburg en 1988. Este éxito le llevó a grabar el Concierto para violín original de Sibelius (1903-04), la primera grabación de esta obra en la historia, y que obtuvo el premio Gramophone Concerto of the Year en 1991.

Kavakos es ahora un artista de grabación exclusivo de Sony Classics. Su grabación de 2019, lanzada en todo el mundo en previsión del 250 aniversario del nacimiento de Beethoven en el 2020, incluyó el Concierto para violín de Beethoven, que dirigió e interpretó con la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, junto con el Septeto de Beethoven, interpretado con miembros de la orquesta. En el año del aniversario, Kavakos tocó y dirigió el Concierto para violín de Beethoven con orquestas de toda Europa y EE.UU. También tocó el ciclo completo de Sonatas para violín de Beethoven en Shangai y Guangzhou, Milán y Roma, y dio varios recitales individuales de Beethoven en varias ciudades, en el Wigmore Hall de Londres, en Barcelona, Parma y Copenhague.

En el 2007, por su grabación de la integral de las Sonatas de Beethoven con Enrico Pace, Kavakos fue nombrado Instrumentista del Año de Echo Klassik. En el 2014, Kavakos fue nombrado Artista del Año de Gramophone.

Otros reconocimientos llegaron en el 2017, cuando Kavakos fue galardonado con el prestigioso Premio Leonie Sonning, el más alto honor musical de Dinamarca, que se otorga anualmente a un compositor, director de orquesta, instrumentista o cantante reconocido internacionalmente.

En las últimas temporadas, además de los conciertos con las principales orquestas de Europa y Estados Unidos, Kavakos se unió de nuevo a Yo-Yo Ma y Emanuel Ax para ofrecer recitales en el Carnegie Hall con tríos y sonatas de Beethoven. Ha realizado dos giras asiáticas, primero como solista con la Sinfónica de Singapur y la Filarmónica de Seúl y en recital en el NCPA de Pekín, y ha actuado con la Filarmónica de Hong Kong y la Orquesta Sinfónica Nacional de Taiwán, antes de tocar los Ciclos de Sonatas de Beethoven en Shanghai y Guangzhou con Enrico Pace.

Leonidas Kavacos

En los últimos años, Kavakos ha logrado construir un sólido perfil como director de orquesta y ha dirigido la Orquesta Sinfónica de Londres, la Filarmónica de Nueva York, la Sinfónica de Houston, la Sinfónica de Dallas, la Orquesta Gürzenich, la Orquesta del Festival de Budapest, la Sinfónica de Viena, la Orquesta de Cámara de Europa, la Orquesta dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, el Maggio Musicale Fiorentino, la Filarmónica Teatro La Fenice y la Orquesta Sinfónica Nacional de Dinamarca. En las próximas temporadas, volverá a dos orquestas con las que ha establecido estrechos vínculos como violinista y director de orquesta: L’Orchestre de la Suisse Romande y L’Orchestre Philharmonique de Radio France. También ha tocado/dirigido la Filarmónica Checa, la Deutsches Symphonie-Orchester de Berlín y la Orchestra Sinfonica Nazionale della RAI.

Nacido y criado en una familia de músicos en Atenas, Kavakos dirige una clase magistral anual de violín y música de cámara en Atenas, que atrae a violinistas y conjuntos de todo el mundo y refleja su profundo compromiso con la transmisión de conocimientos y tradiciones musicales. Parte de esta tradición es el arte de la fabricación de violines y arcos, que Kavakos considera un gran misterio y un secreto no revelado hasta el día de hoy. Toca el violín Stradivarius “Willemotte” de 1734 y posee violines modernos fabricados por F. Leonhard, S.P. Greiner, E. Haahti y D. Bagué. Intermusica representa a Leonidas Kavakos en todo el mundo.

Fuente: laphil.com

The post Leonidas Kavakos en México appeared first on Música en México.

Fuente: DW Euromaxx

Jóvenes prodigios musicales | DW Euromaxx

The post Niños músicos de hoy appeared first on Música en México.

Universidad Panamericana Campus México / Auditorio
Augusto Rodin No. 498, Insurgentes Mixcoac, Benito Juárez, 03920 Ciudad de México

Escuela de Bellas Artes de la Universidad Panamericana
Augusto Rodin No. 507, Col. Insurgentes Mixcoac, CP 03920, Del. Benito Juárez, Ciudad de México

Centro Cultural Juan Rulfo
Campana 59, Insurgentes Mixcoac, Benito Juárez, 03920 Ciudad de México

Mayores informes:
Renata Ruenes mruenes@up.edu.mx
Teléfono: 55 5482 1600 ext. 6657

The post 2o Festival de Música Contemporánea “Convergencias” de la EBA-UP appeared first on Música en México.

Schola Cantorum de Basilea, dirige René Jacobs

La Pasión según San Juan de Alessandro Scarlatti fue la primera puesta de la Pasión escrita en Italia en el siglo XVII. Hasta hace poco no se sabía cuándo Scarlatti compuso esta Pasión. Se suponía que fue escrita en Roma y que Scarlatti había tomado como modelos dos versiones de la Pasión de Vincenzo Amato de Palermo, su tío paterno. La Pasión se ha conservado en dos manuscritos, ambos de Nápoles. Recientemente, el musicólogo Benedikt Poensgen afirmó que uno de ellos, que data aproximadamente de 1685, es un autógrafo. Hay alguna evidencia adicional para esta datación y la suposición de que fue escrito para Nápoles. Existe una fuerte similitud estilística entre la Pasión y dos conjuntos de Lamentaciones del mismo período, uno de ellos también de la pluma de Scarlatti y el otro escrito por su colega Gaetano Veneziano (1665-1716). Los dos compositores eran rivales por el puesto de maestro di cappella de la Real Cappella; Scarlatti fue designado para ese cargo en 1683.

Scarlatti utiliza el Evangelio según San Juan, capítulo 18, versículos 19-37. La Pasión no está formalmente dividida en secciones. Los distintos roles se asignan a voces solistas. La parte del Evangelista está compuesta para un alto, al igual que el papel de Pilato. La parte de Cristo es para bajo, las de Pedro y Judas están para tenor. Las turbae son a cuatro voces. El papel del Evangelista se establece de manera declamatoria, y es básicamente silábico. Sin embargo, existen algunas excepciones notables. El primero es el título: “La Pasión de nuestro Señor Jesucristo, según San Juan”. El Evangelista cierra la obra de la misma manera, cuando cita las Escrituras: “Mirarán al que traspasaron”. Ambos son melismáticos y, de este modo, estos dos pasajes se utilizan como marco. Además, en ambos casos Scarlatti incluye una sexta menor, ya sea ascendente (en la frase inicial) o descendente. Un tercer pasaje melismático en la parte del Evangelista es el anuncio de la muerte de Jesús. Scarlatti destaca las referencias a profecías del Antiguo Testamento planteándolas de manera arioso. Lo mismo ocurre con la parte de Cristo, que está acompañada por las cuerdas y el bajo continuo.

Fuente: Johann Van Veen para musica-dei-nomun.org

The post Pasión según San Juan de Alessandro Scarlatti appeared first on Música en México.

Mixedchoir

Terminada en 2010, el Gloria de Karl Jenkins es una puesta extendida del texto homónimo de la misa en latín. En este caso el texto del Gloria aparece en tres movimientos y es interpolado con dos movimientos con otros textos, el Salmo 150 en hebreo y una canción derivada de versos bíblicos en inglés. También son parte de la composición pasajes hablados de textos sagrados de cuatro religiones distintas. 

Jenkins es conocido por emplear estructuras simples, gestos multiculturales amplios y una interpretación particular de las texturas de la música de banda británica antigua. El compositor estructuró su Gloria en movimientos contrastantes, algunos tienen grandes secciones de metales, con armonía cuartal, otros son más silenciosos, en los que el coro gira alrededor de un núcleo de tres o cuatro notas. Las inserciones de lecturas breves de las escrituras hindúes, budistas, taoístas e islámicas y las percusiones étnicas asociadas vagamente con estas religiones sugieren un ecumenismo sincero por parte del compositor.

The post Gloria de Karl Jenkins appeared first on Música en México.

Mittwoch vor Ostern

El motete sacro Passionsgesang op. 90, 1 de Arnold Mendelssohn es una obra conmovedora tanto por su belleza musical como por el mensaje que tiene su texto:

¿Qué has logrado, oh niño bendito, Jesucristo, que estabas tan condenado?
¿Qué has hecho, oh bondadoso joven?
¿Por qué te han tratado tan mal y miserablemente?
¿Cuál es tu delito o fechoría?
¿Cuál es tu culpa, cuál es la causa de tu muerte?
¿Cuál es la pérdida de tu condenación?
¡Yo soy la causa de la plaga de vuestro sufrimiento!
¡Soy la deuda de tu ejecución!
Soy el mérito de tu muerte, el vicio maldito,
¡Has sido vengado así!
Soy la apertura de las heridas de tu cuerpo,
¡El miedo de tu tormento!
¡Oh, hijo de Dios, hasta dónde ha caído tu humildad!

Arnold Ludwig Mendelssohn (1855-1933) es un miembro menos conocido de la célebre familia. Fue el hijo de un primo del gran Félix Mendelssohn. Estudió para abogado antes de dedicarse a la música, luego fue director de coro y profesor en Darmstadt. Paul Hindemith fue uno de sus alumnos. Después de su muerte, sus obras fueron prohibidas en la Alemania nazi debido a su herencia judía.

The post Passionsgesang op. 90, 1 de Arnold Mendelssohn appeared first on Música en México.

The Gesualdo Six

Francisco Guerrero (1528-1599) fue uno de los polifonistas del renacimiento español. Alumno de Cristobal de Morales, fue un compositor  que trabajó en las catedrales de Málaga y Sevilla. Aunque no vivió fuera de su país, su cultura musical fue enriquecida por varios viajes realizados como músico de la corte de Maximiliano II. La mayoría de su producción es de música sacra: en ella se encuentran 106 motetes, utilizados especialmente en festividades religiosas, 18 misas a cuatro y cinco voces, dos Magnificat, varias pasiones y libros de salmos e himnos.

In Passione positus Iesus es un motete a cinco voces compuesto alrededor de 1555, y refiere al momento en que Cristo está en la cruz antes de morir, cuando dice las palabras:

Dios mío, Dios mío, ¿por qué me has abandonado?

En tus manos, oh Señor, encomiendo mi espíritu. Está hecho.

The post In Passione positus Iesus de Francisco Guerrero appeared first on Música en México.

Elisabeth Schwarzkopf, soprano

Es posible rastrear una importante tradición de grandes solistas mujeres desde siglo XIX hasta nuestros días, en particular en instrumentos como el piano, el violín, el cello y, desde luego, en el canto operístico. Pianistas como Clara Schumann, Teresa Carreño, Myra Hess, Clara Haskil y Alicia de Larrocha; violinistas como Marie Soldat-Roeger, Ginette Neveu, Isolde Menges e Ida Haendel; y cellistas como Flavie Van den Hende, Beatrice Harrison y Jacqueline du Pré, fueron instrumentistas de primerísima línea que alcanzaron renombre mundial. En el canto operístico la lista es enorme. Leyendas como Kirsten Flagstad, Joan Sutherland, Elisabeth Schwarzkopf y María Callas han iluminado los escenarios operísticos con sus maravillosas dotes vocales. Todas estas mujeres, y muchas otras maestras, han dejado un legado importante para las generaciones actuales y futuras.

Midori, violín

Las intérpretes de fama mundial que se encuentran en activo al día de hoy son igualmente numerosas y de calidad incuestionable. Quizá debemos comenzar nombrando a las solistas consagradas de la actualidad como las ya legendarias pianistas Martha Argerich, Mitsuko Uchida y Maria João Pires; las violinistas Anne-Sophie Mutter, Viktoria Mullova o Midori; las cantantes Joyce DiDonato, Renée Fleming, Anne Sofie von Otter, Cecilia Bartoli, Anna Netrbko y Elina Garanca.

Las generaciones recientes tienen entre sus filas a insignes representantes, cuya vitalidad y talento llenan los escenarios. Yuja Wang, Khatia Buniatishvili, Valentina Lisitsa y Seong-Jin Cho son pianistas  que gozan de tremenda popularidad. Lo mismo puede decirse de las violinistas Hilary Hahn, Nicola Benedetti, Janine Jansen y Julia Fischer. Otras instrumentistas como Alison Balsom (trumpeta), Lucie Horsch (flauta de pico), Camille Thomas, (violoncello), Bárbara Hannigan (directora/cantante) y Ana Vidović (guitarra) son líderes indiscutibles en su respectivo campo.

Lucie Horsch, flauta de pico

Acaso encontramos en la dirección orquestal un área de la música clásica en donde las mujeres no tienen todavía la presencia suficiente, Marin Alsop es la decana de esta especialidad, siguen sus pasos directoras como Ariane Matiakh, Laurence Equilbey, Mirga Gražinytė-Tyla y JoAnn Falletta.

No podemos olvidar a las mujeres mexicanas que han estado en los grandes escenarios del mundo. Recordamos a Ángela Peralta, Angélica Morales, Oralia Domínguez, Irma González, Gilda Romo Cruz y María Teresa Rodríguez. Finalmente, hay reconocer la trayectoria exitosa de exponentes de la música mexicana actual como Alondra de la Parra, María Katzarava, Rebeca Olvera, Shari Mason, Irasema de Andrade, entre muchas otras. 

Alondra de la Parra, directora

Es claro que las mujeres compositoras no han sido mencionadas. Ellas merecen un texto aparte, por su calidad y por el impacto que han tenido cuando menos en los últimos 150 años. Sin embargo, el presente recuento busca hacer un repaso orientado al campo de la ejecución musical. Aunque es imposible hacer justicia a todas las representantes de esta especialidad, sirva esta breve revisión para reconocer la aportación de cada una de ellas.

The post Mujeres en la música: las solistas de ayer y hoy appeared first on Música en México.

Historia de l canción Love of My Life de Freddie Mercury

Freddie Mercury la compuso para Mary Austin, su pareja en 1975, como una declaración pública de su cariño por ella. Un año después, Mercury le revelaría sus preferencias sexuales, lo que provocó su rompimiento, aunque siguieron siendo amigos y confidentes por toda la vida.

La canción forma parte de “A Night at the Opera”, el icónico álbum que fusiona distintos estilos: el glam rock, hard rock, folk anglófono y diversos elementos del mundo de la música clásica y la ópera. El caso de “Love of my Life” es digno de mención en este sentido.

Análisis musical de Love of My Life

La pieza comienza con una elegante introducción de piano que bien podría relacionarse con matices de la música para teclado del siglo XVIII, particularmente en el periodo clásico: la progresión armónica, el motivo del piano en una suerte de “acompañamiento de Alberti”, el elegante trino que aparece en la segunda frase y los acordes arpegiados del arpa en el cierre de la introducción, son algunas características vinculadas con aquel estilo.

Otro aspecto de la canción que muestra la calidad de músico que era Mercury es el diseño melódico.

Desde el primer verso escuchamos un contorno fluido y a la vez variado, en donde el uso de saltos en la voz llama la atención. En general, los versos de una canción convencional tienen melodías más neutrales o incluso “habladas”, porque una melodía demasiado angulosa usualmente no permite la fácil asimilación de las palabras. Pero este no es el caso en “Love of my Life”, que cuenta desde el inicio con una melodía bien definida, en donde el texto se entiende perfectamente. 

La voz inicia con un bordado inferior sobre do, que de inmediato salta una quinta arriba para enunciar el título de la canción. Este antecedente encuentra respuesta estable en el registro medio (“…you’ve hurt me”). Conforme avanza esta lógica de pregunta-respuesta, la voz hace saltos ascendentes cada vez más amplios, hasta llegar a un registro agudo cuya cima es un la5. Después, en una muestra de un instinto melódico impecable, inicia un franco descenso al registro medio (“…don’t take it away from me, because…”) hasta que hallamos un arpegio que sorpresivamente nos devuelve a la cima, a una cadencia auténtica-perfecta que termina la primera sección.

La forma de la canción cuenta con dos materiales principales. El verso ya descrito que tiene una repetición y una parte de contraste (“…Who will remember”). Ambos son intercalados por secciones instrumentales derivadas de la introducción “clásica” del piano. También hay un solo de guitarra acompañado por el Alberti, que deviene en un clímax hecho con las características armonizaciones de la guitarra de Brian May. Después del solo reaparece la frase de cierre de la primera sección que nos lleva hacia el final, un outro que invoca el título de la canción dos veces, acompañado por las armonías de una cadencia plagal.

La banda tocaba en vivo una versión un tanto distinta a la grabación, sin piano, sólo Mercury en la voz y May con una guitarra acústica de 12 cuerdas. De hecho, la introducción de May no intentaba emular los gestos clásicos de la versión en el álbum, sino que adaptó el material final de la pieza anterior a “Love of my Life”, “The Prophet’s Song”, cuyo final de guitarra acústica transitaba sin pausa hasta el piano de Mercury, una suerte de introducción de la introducción.

La versión en vivo cobró un sentido propio, ya que la gente que llenaba los estadios donde tocaba Queen cantaba la canción a pulmón abierto, como una suerte de karaoke masivo dirigido por Freddie. En especial, esto ocurrió durante los años ochenta, en los legendarios conciertos de Rock in Rio, Live Aid, y la gira “A Kind of Magic”.   

Letra completa y traducción al español de Love of My Life

Fuente: Mauricio García de la Torre para Música en México

The post Queen – Love of my Life: letra completa, traducción e historia de la canción appeared first on Música en México.