Gershwin, la vida en azul es un espectáculo multidisciplinario que rinde homenaje a la vida y obra del compositor estadounidense George Gershwin, uno de los grandes genios del siglo XX. Bajo la dirección artística de Alondra de la Parra, esta puesta en escena combina música sinfónica, jazz, teatro y danza para transportar al público a la atmósfera vibrante de los años 20 y 30 en ciudades como Nueva York y París. A través de una narrativa visual y sonora, el espectáculo reconstruye el universo íntimo y creativo de Gershwin: su hogar, sus escenarios, sus relaciones y, sobre todo, su música.

Miércoles 29 de abril de 2026, 20:00 Hrs.
Jueves 30 de abril de 2026, 20:00 Hrs.
Viernes 1 de mayo de 2026, 18:00 Hrs. y 20:30 Hrs.
Sábado 2 de mayo de 2026, 18:00 Hrs. y 20:30 Hrs.
Domingo 3 de mayo de 2026, 12:00 Hrs. y 16:00 Hrs.

Teatro de la Ciudad Esperanza Iris
Donceles 36, Centro Histórico, Centro, 06000 Centro, CDMX

Costo: Luneta $1,100. Primer Piso Central $950, Primer Piso Lateral $750, Anfiteatro $550 y Galería $450.

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El festival creado y dirigido por la reconocida directora de orquesta, Alondra de la Parra con el patrocinio de GNP Seguros, tendrá una duración de 12 días, en los que más de 100 artistas de talla internacional se darán cita para deleitar al público con más de 30 espectáculos que incluyen nuevos formatos. Entre ellos, un concierto a la luz de las velas, dos galas de ballet, una gala de ópera e incluso un concierto masivo completamente gratuito para que el público de la región pueda disfrutar de la magia de este festival.

En conferencia de prensa, la directora compartió que poder llevar a cabo este concierto gratuito conocido como “Sinfonía Familiar GNP por Xcaret” era para ella “importantísimo desde la fundación de este festival, que pueda llegar a toda la gente y que quien quisiera acercarse a la cultura de la música pudiera tener acceso y me da mucho gusto que gracias a la colaboración de GNP Seguros, que creyó en esto y en querer llevar la música a todos, y a la colaboración con Grupo Xcaret, vamos a dar este concierto gratuito en El Gran Tlachco en Parque Xcaret”. Se espera una asistencia de 5000 personas a este concierto gratuito en el que se presentará La Orquesta Imposible junto a destacados solistas del festival y bailarines de Xcaret.

En esta conferencia, Alondra estuvo acompañada por el trompetista venezolano Pacho Flores, el cuatrista venezolano Leo Rondón, la violista española Sara Ferrández y el guitarrista francés Thibaut Garcia. Todos ellos músicos solistas en diferentes programas del festival, quienes compartieron con los medios de comunicación detalles de las presentaciones que realizarán para disfrute del público asistente, además de exaltar las bondades que un festival de esta naturaleza representa para ellos como músicos.

Fuente: cionoticias.tv

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La directora de orquesta Alondra De la Parra y la artista clown Gabriela Muñoz, “Chula the Clown”, crearon Silence of Sound, un espectáculo poético-musical y multimedia desprovisto de etiquetas en el que resuenan disciplinas como la ópera, el teatro, la danza y el arte clown, sin encasillarse en ninguna.

Tras siete años de trabajar en esta propuesta, Silence of Sound, tras estrenarse en el Festival Paax de la Riviera Maya, arrancará gira por el País, junto a la Orquesta Sinfónica de Minería, el 6 de septiembre en Ciudad de México, Palacio de Bellas Artes para presentarse después en Guadalajara. Sam Luis Potosí y Monterrey.

“No existen muchas obras, al menos que yo conozca, en la que hagamos una introducción al lenguaje del repertorio sinfónico para cualquier público. Lo han hecho piezas como Fantasía, Pedro y el lobo, El carnaval de los animales o la Guía de la orquesta, pero algo actual de los últimos 30 años, no conozco; me atrevería a decir que nada (hay) de este nivel”.

“Lo que yo quería”, explica De la Parra, “era crear una herramienta para que cualquier persona, conocedor o conocedora de la música sinfónica, o alguien que no ha estado cerca, tuviera una manera de entrar en ese mundo de fantasías, de historias, de posibilidades que nos da el idioma de la orquesta”.

Muñoz definió esta obra como una invitación a sentir la música a través del personaje que interpreta, “Chula The Clown”, desde una búsqueda creativa libérrima.

La directora de orquesta destacó, además, “el lenguaje universal del clown, que, al prescindir de palabras, puede trascender idiomas y culturas”. 

“La idea es que la gente se vaya con una probadita de la música sinfónica y de diferentes estilos, con una propuesta de historia”, detalló De la Parra, y precisó que buena parte del repertorio musical presentado corresponde al siglo 20: Debussy, Bartók, Sibelius, Stravinsky, Prokofiev, Federico Ibarra.

The Silence of Sound – Alondra de la Parra y Chula, the Clown

Martes, 6 de septiembre, 2022, 5:00 pm, Palacio de Bellas Artes, CDMX.

 Guadalajara: Conjunto Santander, 9 y 10 de septiembre;

San Luis Potosí: Centro Cultural Universitario Bicentenario, 13 de septiembre; Monterrey: Show Center, 15 de septiembre. 

Boletos estarán a la venta en cada sede.

Fuente: Yanireth Israde, en Reforma.

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En pleno Jubileo de Platino de la Reina Isabel II de Inglaterra, la novela de Laura Esquivel revive en una memorable adaptación para ballet de la Royal Opera House bajo la batuta de Alondra de la Parra. 

Treinta y tres años han pasado de su primera publicación, entre múltiples traducciones, reediciones e incluso una exitosa adaptación al cine. Sin embargo, Como agua como para chocolate parece estar más viva que nunca: su fuerza evocativa, su capacidad de reinventarse y atraer nuevos públicos más allá de los fieles adeptos al mundo del realismo mágico siguen sin agotarse. Like water for chocolate, una nueva producción del ballet de la Royal Opera House de Londres, lo acaba de demostrar exitosamente a todos aquellos que ya habían puesto el libro en la repisa de su casa seguros de que ya nada nuevo podía surgir de la novela de Laura Esquivel. 

Tres años de trabajo

Todo inició antes de la pandemia, en 2019, cuando Christopher Wheeldon, coreógrafo y director británico, comenzó a buscar nuevas ideas para un nuevo ballet. La novela Como agua como para chocolate cautivó inmediatamente su atención: la mezcla única entre pasión, represión y liberación, así como la presencia de figuras femeninas fuertes en un desierto revolucionario permeado de realismo mágico parecían ofrecer los ingredientes necesarios no solo para cuestionar y actualizar el significado simbólico de su historia sino también para reinterpretarlo a través del cuerpo y su movimiento en el escenario. El proyecto fue claro desde un principio, como cuenta Judith Mackrell del Guardian: ‘Wheeldon sabía que no quería aguacates danzando en el escenario. Para él, la comida en la novela de Esquivel era simplemente una puerta para descubrir el mundo interior de Tita. Más que coreografiar su magia culinaria, así como aparece en el escenario, Wheeldon buscó traducir su esencia en una danza más abstracta y poética’. Y así fue. 

México abstracto

Los doce capítulos que el libro original identifica con meses y platillos de la tradición mexicana permanecieron intactos perdiendo, sin embargo, su carácter evocativo y culinario. Lejos de querer reconstruir o imitar el mundo mexicano de la novela de Esquivel con una actitud pictórica, Like water for chocolate intenta evocarlo poéticamente con referencias alegóricas y minimalistas. Lo esencial y más ‘típico’ permanece, desde el día de los muertos con sus calaveras y su papel picado (la memoria de Coco sigue viva como referencia inevitable) hasta los sombreros y la artesanía local que, con sus hermosos espacios de color, rompe con gusto y discreción la calurosa monotonía del desierto de Piedras Negras, (sensacionales los vestidos de Nacha y auténticamente casera la mesa con sus sillas azules). Sin embargo, todo se coloca en una dimensión escenográfica abstracta y hierática que parece ignorar la sabia cotidianidad de lo mágico – el carácter espiritual y emocional del folklor culinario – para celebrar su esencia atemporal y simbólica. 

Cuerpos en el escenario

Este es el espacio en el que viven los cuerpos de Tita y Pedro junto a los demás personajes. El afán simbólico de Wheeldon cobra vida en una coreografía que define el cuerpo como máxima fuerza descriptiva y expresiva en el escenario. Like water for chocolate supera el reto de contar una historia sin palabras magistralmente con una gestualidad que comunica con claridad, pero sin obviedades, hechos y emociones de la historia incluso a quienes asistieron sin haber leído el libro o visto la película. Pero Wheeldon va más allá buscando una abstracción poética total en donde el cuerpo se libera de su esencia carnal para alcanzar dimensiones metafísicas, tanto en lo sensual – véase la elevación de Gertrudis al probar la comida de Tita – como en lo espiritual – en el final, cuando Pedro y Tita, ya mayores, se unen en una danza final que los lleva a trascender el reino mortal. 

Leitmotiv a la mexicana

El compositor Joby Talbot acompaña la historia con una música que, como bien dijo Alondra de la Parra, ‘tiene un sonido atemporal que no pertenece a ningún espacio geográfico, pero logra inmediatamente despertar memorias de nuestra región’. Talbot, gracias también al apoyo musical de la directora mexicana, recupera sonidos e instrumentos de la tradición folclórica y los coloca, coherentemente con el proyecto escenográfico de Wheeldon, en una dimensión profundamente simbólica: cada instrumento se transforma en un leitmotiv asociándose a personajes específicos como canal expresivo de su mundo emotivo (la guitarra para Pedro, la ocarina para Tita, las campanas y las percusiones para Mamá Elena). De la misma forma, también los ritmos de la música folclórica aparecen en la partitura de Talbot en momentos de mayor significado emotivo como el danzón cuando Gertrudis se deja conquistar por la fuerza sensual de la cocina de Tita, o los joropos cuando las tropas revolucionarias de la misma Gertrudis danzan en círculo alrededor de un fuego. Alondra de la Parra se acerca a la partitura de Talbot con un increíble gusto teatral exaltando tanto los momentos de fuerte carácter rítmico como los de gran lirismo y trascendencia poética.  

Al final el público de la Royal Opera House, que hasta ese momento había seguido el espectáculo con compostura británica, explotó en un gran y merecido aplauso para todos los protagonistas de Like water for chocolate, cómplices de haber hecho historia en un capítulo memorable en el camino de una novela sin tiempo. 

Por Francesco Milella. Enviado especial

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Era un programa arriesgado, pero con mucho elementos en común, que provocaron el asentimiento de una gran mayoría del público ante la música que surgía de la batuta de la mexicana.

Una de las ovaciones más sentidas fue cuando interpretó el Homenaje a Federico García Lorca, de Silvestre Revueltas, en una orquestación compleja, en el que no hay violas ni violonchelos y en el que brilla con especial sutileza el contrabajo, más por sus agudos que por sus graves.

De la Parra tuvo que adaptarse a las circunstancias y preparar un programa para una orquesta mediana, sobre todo por las exigencias de la propia Orquesta Nacional de España, que todavía tiene muchas limitaciones para sus conciertos, además de dirigirla con una mascarilla y con el ritual de la limpieza de las pantallas de metacrilato que estaban tan presentes en el escenario como los instrumentos de los músicos.

Además del Homenaje a Federico García Lorca también incluyó obras de Aaron Copland (Primavera apalache) y Darius Milhaud (El buey sobre el tejado), con la intención de evocar a las músicas de América Latina y Europa pero desde los ritmos y arte populares complementados con las vanguardias y toques modernistas. En El buey sobre el tejado hay un conjunto de melodías populares brasileñas –tangos, machichas, sambas y catiras– que se mezclan con las habituales técnicas politonales de la música del compositor francés. Pero sin duda fue la pieza de Silvestre Revueltas la que despertó más emoción en el público, en parte por la propia historia de la obra, en la que hay desde evocaciones al cante jondo que guiños a la música popular mexicana.

El público respondió al programa, tan original como poco habitual en el Auditorio madrileño, con un cerrado y largo aplauso, similar al que tuvo en su debut hace dos años, en el que logró que se pusiera en pie todo el teatro durante más de diez minutos. En esta ocasión, por las propias restricciones de la pandemia, el aforo estaba limitado y se desalojó al público poco a poco, pero nada más terminado el concierto para evitar aglomeraciones y respetar las limitaciones horarios impuestas por las autoridades.

La directora mexicana explicó en entrevista con La Jornada las claves de su concierto y las sensaciones que tuvo ante el reto de dirigir en Madrid la pieza de Revueltas para García Lorca, unas semanas después de que fuera ejecutado en un barranco de Granada por un pelotón de fusilamiento fascista.

De la Parra ha dirigido más de 100 de las orquestas más prestigiosas del mundo, incluyendo la Orchestre de Paris, London Philharmonic Orchestra, Tonhalle-Orchester Zürich, Bamberg Symphony, Swedish Radio Symphony Orchestra, São Paulo Symphony Orchestra, Berlin Radio Symphony Orchestra y la Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia. Además, fue la directora musical de la Orquesta Sinfónica de Queensland (2017-2019), convirtiéndose en la primera directora musical de una orquesta australiana y es embajadora cultural oficial de México.

—¿En el programa que preparó para Madrid hay compositores aparentemente muy dispares?

—Así es. A mí siempre me gusta programar contrastes y que las obras sean de estilos distintos. Y sin duda lo son, son tres obras de un periodo muy especial, entre los años veintes y los cuarenta del siglo XX y de tradiciones y composiciones multidisciplinarias. Y las tres tienen componentes de colaboración entre artistas más allá de la pura composición. Por ejemplo, la pieza de Milhaud, El buey sobre el tejado, está hecha para un ballet de Cocteau e incorpora elementos de la música brasileña. También para el baile de Martha Graham hizo Copland Primavera apalache, tomando elementos folklóricos de la comunidad religiosa shaker. Y eso conecta con la situación actual: en un mundo tan complejo, es un regalo ser simple. Y no somos muy libres.

—Y luego está la pieza de Silvestre Revueltas y su homenaje a Federico García Lorca, que imagino tocarla en España es importante para usted…

—Es la obra de un hombre de unas ideas socialistas muy profundas y sólidas y que quiso usar aquí muchas cosas folklóricas mexicanas. Pero efectivamente es sobre todo un homenaje de Revueltas al gran poeta, que siempre tuvo la ilusión de conocer y hay evidentemente una conexión con la literatura. De hecho Revueltas viajó a España durante la Guerra Civil y regresó muy angustiado de aquella experiencia, de hecho no pudo conocer a Lorca y al poco tiempo de regresar a México es cuando asesinan a García Lorca. Y la pieza habla de esa experiencia de fragilidad, de la convulsión del periodo de entre guerras. La pieza está cargada de dolor, de rabia y de terror, pero mezclado con una ovación a la inteligencia, al humor y a la alegría de García Lorca.

Además de que la música de Revueltas me gusta mucho. Creo que es nuestro gran compositor, está lleno de ideas, de armonías además de tener una conexión muy fuerte con lo popular y que tenía una destreza máxima del lenguaje orquestal. Además fue interesante volver a interpretar su homenaje a Lorca, que además lo llegó a dirigir el propio Revueltas en Madrid en uno de sus viajes a España.

—A pesar de que usted debutó en Madrid hace sólo dos años, pareciera que ha pasado una década desde entonces, con un confinamiento tan severo y una pandemia que también ha afectado al mundo de la música…

—Así es, porque nos han pasado muchas cosas en este tiempo. De hecho yo había preparado un repertorio para la Orquesta grande, pero se tuvo que adaptar a las circunstancias actuales. Y durante el confinamiento fue un momento para reflexionar y también para adentrarme más que nunca en el silencio que me otorgaba las propias circunstancias. Yo amo el silencio y fue una oportunidad para vivirlo más intensamente y más tiempo, además en unas condiciones que nos hacían más vulnerables que nunca, sin poder controlar lo que ocurría a nuestro alrededor. Yo creo que después de esta pandemia va a surgir un cambio muy interesante, yo personalmente ya lo siento dentro de mi y también lo percibo en colegas músicos que también coinciden en que ha sido un aprendizaje muy profundo.

—Fue su primer concierto con público desde hace tiempo, ¿qué sintió al respecto?

—Fue una emoción muy viva y que también se vio en los músicos de la orquesta. Creo que todos tenemos cierta humildad ante la oportunidad que tenemos de hacer arte. Así que lo he vivido con mucha emoción.

Fuente: Armando Tejeda, en El País

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La Sinfonía no. 2 “Las antesalas del sueño” fue compuesta en 1993. Es una partitura inspirada en el surrealismo, que como epígrafe contiene el siguiente verso de Xavier Villaurrutia.

Un ruido sordo
Azul y numeroso
Preso en el caracol
De mi oreja dormida

La obra es similar a su primera sinfonía ya que está compuesta en un solo movimiento. Empieza con un siniestro ritmo repetitivo en los primeros compases, acompañando a una melodía interpretada por el clarinete bajo. Ello conduce a una dramática sección que se detiene cuando aparecen unos revoloteos de la flauta. Sigue la tranquilidad en la parte intermedia, que nos llevará al final en forma de un violento Allegro. Un ritmo de características parecidas a los de la Consagración de Stravinsky ejerce de hilo conductor a esta parte,en la que el tranquilo sueño parece convertirse en pesadilla.

La Segunda sinfonía integra en sus diferentes movimientos un lenguaje poético-musical teñido de dramatismo que intenta describir pensamientos interiores del propio compositor. No es fácil separarla del poema sinfónico, especialmente en autores contemporáneos, muchos de los cuales no escriben sinfonías en el sentido tradicional del término, porque su forma coarta la libertad estética, pero escriben obras sinfónicas sin darles este nombre.

Fuente: historiadelasinfonia.es

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De la Parra se convierte en la primera mexicana en dirigir a la orquesta de la Ópera Estatal de Berlín, por la que han desfilado leyendas como Richard Strauss, Erich Kleiber, Wilhelm Furtwängler, Herbert von Karajan y Daniel Barenboim.

Se trata de una puesta en escena innovadora: “Es ver La flauta mágica a través de los ojos de un niño”, señala De la Parra. La puesta aprovecha todas las nuevas técnicas disponibles a raíz de una remodelación del teatro que duró ocho años. “Confío en mi relación con Mozart y con la música”, expresa Alondra de la Parra.

Fuente: Erika P. Bucio, en Reforma.

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“Es una obra que creo casi nadie conoce, escrita a los 16 años. Era, de alguna manera, una música incidental para una pieza medio teatral, coral, pero no es una ópera”

“Es una obra que creo casi nadie conoce, escrita a los 16 años. Era, de alguna manera, una música incidental para una pieza medio teatral, coral, pero no es una ópera”, define De la Parra. Como parte del programa de la Semana Mozart, en Salzburgo, que dirige el tenor mexicano Rolando Villaseñor, esta producción lleva el sello de la transgresora compañía escénica de España. “Siempre están empujando los límites de lo que puede ser un espectáculo clásico. Nunca se ha visto la ópera como lo han hecho ellos”, explica la directora. La obra, que incluye acrobacia, pirotecnia, videomapping, robots y danza, toma como base la partitura de Mozart y arias de sus óperas La flauta mágica y Zaide; se presentará 3 veces.

Otra parada mozartiana para De la Parra ocurrirá en abril cuando debute en el prestigioso Festival de Pascuas de Aix-en-Provence, con la misma Camerata Salzburgo. El programa está dedicado a Mozart con la interpretación de las sinfonías No. 20 y No. 34, así como el Concierto No. 3 y arias de las óperas Lucio Silla, Idomeneo, Don Giovanni y Mitrídates, rey del Ponto.

Este año es además importante para De la Parra porque concluirá su estancia como directora musical de la Queensland Symphony Orchestra. “Siento que, desde que empezamos a trabajar juntos hace cinco años, la orquesta ha crecido mucho. Hemos obtenido a nuevos miembros extraordinarios de la orquesta porque se hicieron muchas audiciones desde que llegué”, dice sobre su experiencia de tres años como directora y dos como invitada.

En el inicio de su temporada en febrero, en su sede de Brisbane, Australia, De la Parra programó continuar con el ciclo Mahler que ha llevado a cabo con la orquesta y, claro, un concierto con música de Mozart. El suyo será un año muy mozartiano.

Fuente: Francisco Morales V., en Reforma.

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