Wigmore Hall, la legendaria sala de conciertos en Londres es la sede más destacada del recitalismo y la música de cámara internacional. Mientras que permanecen cerradas las salas de concierto en todo el mundo, los conciertos de la Wigmore Hall siguen su curso y ahora pueden disfrutarse gratuitamente NO SE LOS PIERDA.

Fuente: Wigmore Hall

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La programación alterna entre la música de cámara (años impares) y el repertorio pianístico (años pares) y, con una filosofía similar a la de festivales más veteranos como los de Lockenhaus o Kuhmo, o del mucho más reciente fundado por Leif Ove Andsnes en Rosendal, otro paraíso noruego, se fomenta una estrecha convivencia entre todos los músicos, que viven en modestas casas o cabañas, muy cerca unos de otros, y desayunan, comen y cenan juntos en un sencillo comedor habilitado por el festival. 

En Lofoten la lógica de los auditorios y las salas de concierto pierde por completo su sentido. El público está integrado en su mayor parte por los noruegos que viven aquí, apartados del mundo, aunque la voz ya ha empezado a correrse y es también habitual ver a personas que han viajado hasta las islas con la intención prioritaria de disfrutar de los conciertos, aunque sin renunciar, por supuesto, a completar la oferta con la inmersión en una naturaleza que aquí campa a sus anchas. De hecho, los conciertos se celebran en iglesias enclavadas en parajes naturales únicos, que al final acaparan también por ello buena parte del protagonismo.

La gran estrella, probablemente a su pesar, de la programación de este año ha sido el pianista húngaro András Schiff, que ha deparado a su vez muchos de los mejores momentos musicales de estos días. El primero, junto a su mujer, la violinista japonesa Yūko Shiokawa, que sigue tocando admirablemente a los 73 años, sin un solo movimiento o gesto innecesario, con una asombrosa economía de medios y un sonido terso y de altísima escuela. Su Sonata K. 526 de Mozart fue un modelo estilístico que debería enseñarse en los conservatorios: no se miraron durante toda la interpretación, pero después de cuarenta años juntos no lo necesitan pues parecen tocar y sentir como una sola persona. Al final de ese mismo concierto, en la iglesia de Vågan en Kabelvåg (conocida popularmente como la catedral de Lofoten y la iglesia construida enteramente con madera más grande de Noruega), Schiff tocó Bach, una de sus grandes especialidades, en concreto la Fantasía cromática y fuga, una secuela perfecta del previo Cuarteto núm. 3 de Johannes Brahms, ya que fue una de las piezas predilectas del compositor hamburgués, que la incluía frecuentemente en sus recitales pianísticos. Sin apenas pedal, con una pulsación límpida y precisa, con la libertad necesaria en la fantasía y la claridad imprescindible en la fuga, Schiff arrancó tantos aplausos y generó tal entusiasmo entre el público que tocó la única propina que ha sonado aquí estos días: el Intermezzo op. 118 núm. 2. De Johannes Brahms, por supuesto.

Cerró sus actuaciones el viernes con otro de los músicos que lo han acompañado siempre: Franz Schubert. La Sonata D. 850, una de las menos ortodoxas del compositor, volvió a encontrar a un intérprete ideal en Schiff, que la interpretó con mucho más fuego de lo que en él es habitual. Su versión del originalísimo segundo movimiento, Con moto, marcó, quizás, el momento interpretativo más alto de toda la semana de festival. Antes, el jueves por la noche, había tocado en la iglesia de Stamsund el Quinteto con piano de Brahms junto con el Cuarteto Engegård, fundado al calor de este festival en 2006, y liderado por Arvin Engegård, un violinista que, en su condición de director artístico del festival, es también en gran medida responsable de sus bondades. Es un violinista sobrado de recursos, con un talento natural y sólidos fundamentos técnicos aprendidos con el gran Sándor Végh, maestro también en Salzburgo de Yūko Shiokawa. Sin embargo, es enormemente desigual y solo raras veces toca a su mejor nivel, que fue el que sí alcanzó en la obra de Brahms, gracias sin duda a las constantes oleadas de inspiración que llegaban desde el teclado (Schiff no falla ni se desconcentra nunca) y a que la interpretación se adivinaba preparada y ensayada con mucho más cuidado. No fue un Brahms juvenil y fogoso, sino clásico, equilibrado y, por momentos, casi seráfico, como en el Trío del Scherzo.

Han sonado multitud de obras diferentes cada día, con constantes colaboraciones entre los músicos y, forzosamente, con pocos ensayos, lo que, lejos de ser un obstáculo, en un festival como este puede convertirse en acicate para que salten chispazos de emoción inesperados en mayor medida que en los conciertos al uso, a menudo dominados por la rutina o la repetición. Como el protagonista que cuenta su historia al narrador del cuento de Edgar Allan Poe, ante semejante vorágine de conciertos no hay que precaverse, sino, al contrario, dejarse arrastrar por ella y bucear en su interior. Estos días, el Maelström musical se ha producido en tierra, no en el agua. Pero, en las Lofoten, el mar nunca queda muy lejos.

Fuente: Luis Gago para El País

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Por Mauricio García de la Torre

Los niveles más altos en la ejecución de un instrumento se alcanzan cuando el artista antepone su visibilidad para entregar talento, conocimiento y sensibilidad al servicio de la música.

En esos casos ocurre una verdadera re-creación, el trance en que toda obra musical, desde las más veneradas hasta las menos conocidas, parece mostrar por primera vez su rostro, como si de pronto brotara de las manos que le dan aliento. Sin embargo, no basta el respeto ascético hacia los autores, hace falta que el intérprete descubra su verdadera voz en el compositor que más se hermana con su visión del mundo.

Uno de esos encuentros afortunados es la música de Johann Sebastian Bach en las manos de András Schiff.    

El sábado 12 de agosto los asistentes al Palacio de Bellas Artes presenciamos una verdadera proeza, la ejecución íntegra del 1er libro del Clave bien temperado BWV 846-869 de Bach por el pianista húngaro. Hay mucho que decir sobre el significado histórico de la obra –en sus dos tomos– para la teoría musical y para la pedagogía de los instrumentos de teclado, pero aquí sobresale la magnitud de la empresa interpretativa: tocar en un solo programa, sin interrupciones, los veinticuatro preludios y fugas –doce mayores y doce menores– de extraordinaria variedad y complejidad como si fuera un ciclo así planeado. En efecto, Bach se propuso con El clave un reto compositivo relacionado con la novedad de hacer preludios y fugas para cada tonalidad mayor y menor posible en el sistema temperado; pero nunca fue la intención que esta fuera una obra integral como, por ejemplo, las famosas Variaciones Goldberg.  

Escuchar este repertorio con András Schiff da la sensación de ser un viaje irrepetible. Se trata de un pianista esencial, distinto de sus colegas actuales, que imprime en Bach un sello personalísimo basado en una filosofía interpretativa propia y una técnica implacable.

Como otros grandes re-creadores de Bach, pensamos en Leonhardt o Gould, Schiff pone su extraordinario virtuosismo en los momentos justos, control absoluto de la textura polifónica, claridad impresionante de articulación y contrastes de color fantásticos.

De forma meticulosa, fue capaz de construir un carácter particular para cada eslabón de la serie. Por ejemplo, después de fugas monumentales como las de do sostenido menor o fa menor, el contraste hacia los preludios en mayor refrescaron la escucha y el espíritu de los presentes, quienes comprendimos en esos enlaces la dimensión del diseño interpretativo.   

Las condiciones de escucha de esta generación –la pérdida de la riqueza acústica en las grabaciones en MP3, las micro-bocinas que utilizamos para reproducir música y la engañosa perfección de las interpretaciones gracias a la efectividad de la edición de audio digital– han deformado nuestra percepción musical y por ende nuestras expectativas.

Escuchar a Schiff reafirma lo valioso de la experiencia de la música viva y hace hincapié en lo increíblemente frágil que incluso un pianista de esta categoría puede ser ante Bach.

Schiff pareció un poco incierto en algunos pasajes del inicio y el final del concierto –incluso decidió repetir la fuga en si bemol mayor para asegurarse de ofrecer una versión correspondiente con su calidad y jerarquía–, pero en el tránsito intermedio conectó la serie de forma brillante. Lo revelador de este hecho fue la manera en que resolvió tales imperfecciones. Cualquiera que haya tocado alguna de estas obras sabe que son laberínticas, que un solo error te hace “perder el hilo” y que recuperarse es muy complicado.

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Con enorme aplomo y claridad, Schiff supo recorrer el laberinto sin perder el sentido musical y encontrar la salida de las complejas estructuras fugadas cuando lo requirió, para ello convocó a sus mejores aliados, la musicalidad, la memoria auditiva, el canto interno, el tono prístino de su pianismo.

La audiencia, más atenta y respetuosa que nunca, valoró con calidez haber estado en presencia de un artista de estirpe como pocos en el panorama internacional, quien en retribución regaló la más hermosa joya de la música bachiana, el Aria de la Variaciones Goldberg. ¡Qué afortunados fuimos!

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Schiff es uno de los miembros más destacados de pianistas húngaros nacidos en años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, junto con tales artistas como Zoltán Kocsis, Dezso Ránki y Jenö Jandó. De este grupo excepcional, Schiff es el que ha alcanzado el más alto reconocimiento internacional, no solo por su decisión de desarrollar su carrera fuera de Hungría sino también a su singular sensibilidad y una memoria impresionante que le permite presentar en conciertos y grabaciones, partes significativas de la obra de grandes compositores.

Schiff nació en Budapest en 1953 donde estudió con el compositor Pal Kadosa y Ferenc Rados (maestros también de Kocsis y Ránki), y con el clavecinista inglés George Malcolm. Hizó su debut a los 19 años, seguido de una exitosa gira europea y en los Estados Unidos. Su reputación fue creciendo con participaciones ganadoras en la Competición de Moscú en 1974 y Festival de Leeds en 1975. Su asociación con el Festival de Salzburgo lo llevó a una larga y fructífera colaboración con el maestro, violinista y director Sándor Vegh, con quien Schiff grabó todos los conciertos para piano de Mozart. También tocaron en dúo. En 1989, Schiff formó un ensamble propio, Cappella Andrea Barca, en Salzburgo, para tocar todos los conciertos para piano de Mozart a lo largo de siete años.

El estilo de Schiff, que combina una rara sensibilidad en el toque con una alta percepción de claridad contrapuntística, le ha convertido en uno de los mejores intérpretes de Bach. Ha grabado toda la obra para teclado de Bach así como la de Schubert, cuya música introspectiva para piano va muy acorde al temperamento de Schiff. En 2009 concluyó un ciclo de todas las sonatas de Beethoven. En 2011 recibió el premio Schumann por la interpretación y difusión de la música de Schumann. La música del siglo veinte y veintiuno no ha escapado al estudio e interpretación de la obra de Bartók, Janácek y Kurtag, que figuran de manera destacada en su repertorio. Schiff está casado con la violinista Yuuko Shokawa, profesora en el Mozarteum de Salzburgo.

Fuente: Mark Satola, en www.allmusic.com

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En tiempos de ciegos academismos musicales y de verdades filológicas cada vez más rígidas, es necesario a veces volver a una idea práctica de la música, una idea en donde el gusto y el placer de escuchar sigan siendo la prioridad frente a cualquier otra reflexión histórica o hermenéutica. Esta idea, lejos de promover una dimensión ingenua y remilgada del mundo musical, nos ayuda a ver la música como algo más vivo y dinámico, libre de abstractas elucubraciones. Un ejemplo lo dice todo: András Schiff.

Nacido en Budapest en 1953, András Schiff es hoy considerado uno de los más grandes pianistas del siglo, fabuloso intérprete de las obras de Schumann, Schubert, Mozart y Bartók, y gran promotor de la cultura. Pero Schiff no fue y no es un pianista cualquiera: detrás de su gloriosa trayectoria artística, de los innumerables discos publicados y de sus triunfos concertísticos, se esconde una identidad musical que, después de casi cuarenta años, sigue siendo revolucionaria.

Concierto para teclado BWV1052

Protagonista absoluto de esta identidad revolucionaria es la música de Johann Sebastian Bach. Desde 1982, año en que Decca publicó las Variaciones Goldberg, András Schiff ha logrado crear una complicidad única y formidable con el gran compositor alemán, transformándose, en pocos años, en su representante más noble, elegante y al mismo tiempo controvertido.

Los ochenta fueron los años del triunfo de la filología, de las historically informed performances: las cuerdas de tripa, los cuernos naturales y el clavecín dejaron de ser un éxotico testigo del pasado para convertirse en el fundamento de una ley interpretativa cada vez más rígida y difusa. Obviamente András Schiff, con su Bach en piano de cola, comenzó a despertar las iras de todos aquellos que veían en aquel instrumento el enemigo número uno para alcanzar la verdad hermenéutica en la música barroca. ¿Cómo era posible – decían – tocar su música en un instrumento que Bach nunca había conocido y que incluso había rechazado?

Pero Schiff hizo como si nada: «yo creo que se puede adecuar a Bach a los instrumentos de hace 20 años y tocarlo con conocimiento profundo de su época. Los dogmáticos de la corriente auténtica o históricamente bien informada no pueden ejercer de policías y establecer sus normas para todos. Entiendo que surgiera esta corriente, sobre todo después de la gran influencia que tuvo Herbert von Karajan en el siglo XX con su sonido Hollywood para todo lo que hacía, pero creo que muchos se están excediendo. Bach era un revolucionario: él mismo adaptó muchas de sus obras para instrumentos diferentes a los que fueron escritos; estoy seguro de que le hubiera gustado escuchar sus obras ahora en un piano moderno.»

Obertura en estilo francés BWV831

El Bach de András Schiff rebasa estas discusiones académicas y sus dogmas filológicos, alcanza una belleza pura y universal que trasciende el sonido mismo del instrumento. Así fueran las matemáticas y abstractas estructuras del Arte de la fuga, las amables melodías de las Suites francesas o la contagiosa energía de los conciertos para tecla, para Schiff la regla era y sigue siendo una sola: «Para Bach hay que usar colores puros, no mezclas ni pasteles propios del impresionismo y alejarse de los pedales. La sencillez es algo bueno, es profunda.»

El objetivo de Schiff y de sus numerosas grabaciones de las obras de Bach no es la reconstrucción de la verdad histórica de cada una de ellas, sino de la belleza y de la verdad superior que en ellas se esconde. Esta es la verdadera revolución de András Schiff: en un mundo de discusiones y falsas verdades, el pianista húngaro, sin olvidar las razones históricas y las necesidades interpretativas que la música de Bach necesariamente lleva consigo, nos propone volver a la sencillez para descubrir nuevamente la profundidad, la vitalidad y la dimensión mística y universal de uno de los más grandes genios de la música.

Variaciones Goldberg BWV988

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«Bach es la catástrofe de la música». No hay duda: de todas las frases que escritores, músicos, artistas y filósofos han dicho y escrito sobre Johann Sebastian Bach, esta sigue siendo la más elocuente y, en cierto sentido, fascinante. Quién la pronunció fue Johann Samuel Petri, insigne pedagogo de la Ilustración alemana, probablemente molesto con el genio alemán por haber derribado las estructuras sobre las cuales por años se había apoyado la música barroca. Tenía razón: Bach fue catastrófico para todos aquellos que por siglos vieron en la música un elemento tranquilizador y racional para educar el espíritu y la mente a las bellas artes.

No sabemos a cuál composición Petri hizo referencia al expresar tan contudente frase. Pero la verdad nos gustaría pensar que su juicio estuvo en cierto modo condicionado por lo que Alberto Basso definió «el desconcertante y desgarrador laberinto armónico» de la Fantasía cromática y fuga en re menor para tecla BWV 903, una de las composiciones más complejas y fascinantes de todo el catálogo bachiano.

Los datos que poseemos sobre esta obra son escasos y confusos: la primera edición oficial fue publicada en Leipzig en 1802, aunque sabemos que su partitura había comenzado a circular varios años antes en diversas ciudades de Alemania en veinte versiones diferentes. La más antigua, pero no por eso la más confiable filológicamente, lleva la fecha del 6 de diciembre de 1730. La versión original tristemente no ha llegado hasta nosotros, dejando a filólogos y músicos en una total incertidumbre: no ha sido posible hasta hoy recuperar la fecha o por lo menos el periodo de composición ni en archivos y bibliotecas, ni a través de un análisis de la partitura.

Con la Fantasía BWV 903, Bach nos transporta a una dimensión realmente catastrófica: la música pierde toda su racionalidad barroca, su estructura material para perderse en un mar de arpegios disonantes, cadencias cromáticas, escalas de terceras, trinos y mordentes repentinos como un flujo irracional de ideas e impulsos musicales sin referencias ni modelos. Las líneas musicales se mezclan entre ellas, dialogan con un lenguaje propio encontrando un equilibrio inexplicable para todos aquellos que traten de analizar esta partitura con las tradicionales categorías de la polifonía y del contrapunto. En las únicas pausas que Bach nos ofrece, la música baja su ritmo, decelera en un tono de recitativo al estilo italiano antes de que el dramático y liberatorio flujo de notas vuelva a acelerar y revolcarnos con su energía.

Bach acaba con todo, y no solo con la tradición de la fantasía, palabra que desde el siglo XVI se usaba para indicar obras cuya estructura no hacía referencia a ningún modelo fijo y cuyas intenciones eran las de impresionar al público oyente con las habilidades técnicas del intérprete. Bach acaba con la idea de armonía estirando y extendiendo la música hasta sus extremos tonales; acaba con la melodía que desaparece sofocada por tanta irracionalidad; y, finalmente, acaba con la idea de ritmo demasiado sólido y rígido para soportar una partitura tan líquida y libre.

El contraste al que nos abre la fuga siguiente es total y aún más desconcertante: volvemos a una creación musical odernada y geométrica, donde ritmo, armonía y melodía vuelven a dialogar entre ellos a través de categorías racionales. En realidad, es solo una sensación aparentemente: después de habernos abrumado con su mar de disonancias y cromatismos, Bach sigue alimentando el flujo irracional colocándolo ahora en una dimensión más racional. No pierde su fuerza, simplemente encuentra un nuevo orden, más claro y simétrico. Ahora podemos finalmente volver a respirar y observar, con las nuevas categorías que Bach nos ofrece en esta fuga, todo el proceso de esta maravillosa e irripetible composición. Un proceso definitivamente catastrófico, como catastrófico solía ser en la tragedia griega el episodio final antes de la catársis definitiva: un momento de extrema tensión teatral, de dolor y de liberación indescriptibles para cualquier autor, a través del cual el personaje principal abandonaba su racionalidad terrena para alcanzar una dimensión maravillosamente irracional, la única en donde la verdad era posible.

Piano: András Schiff

Clave: Trevor Pinnock

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