Eduardo CONTRERAS SOTO (Ciudad de México, 1965- ) es dramaturgo (Sonata para dos actores, La chispa del vodevil, Falcón, un sueño que danza, Novelas para dramas), director teatral (La cena del Rey Baltasar de P. Calderón de la Barca, Pedro de Urdemalas de M. de Cervantes, Los Argonautas de S. Magaña) e investigador musical en el INBA, con libros sobre música de concierto mexicana, y numerosos artículos sobre teatro y sobre música. También ha sido catedrático teatral en varias escuelas teatrales profesionales, y ha preparado ediciones de textos teatrales.

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La Orquesta Filarmónica de la CDMX  ha interpretado con frecuencia repertorio de la música clásica que se produce en México, interpretando obras de grandes compositores mexicanos para orquesta sinfónica como: Concierto del sur- Manuel M Ponce, Huapango- José Pablo Moncayo, Sones de mariachi- Blas Galindo, Sinfonía india- Carlos Chávez, Danzón No. 2- Arturo Márquez, La noche de los Mayas- Silvestre Revueltas, entre muchas otras.

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Un grupo de compositores de talento, a más de excelentes intérpretes instrumentistas, fueron los responsables de esta floración de los géneros folclóricos, que no ocasiones fue algo más que una mera transposición o urbanización; los casos de Andrés Huesca, de Nicandro Castillo y Elpidio Ramírez son ejemplares en ese sentido, ya que muchas de sus creaciones son indistinguibles de los más puros estilos de sones jarochos o huapangos.

Guerrero

En el estado de Guerrero se pueden distinguir con claridad dos grandes estilos que se desarrollan con amplitud en dos diferentes zonas geográficas: los sones de la Tierra Caliente que colinda con Michoacán y los sones de la Costa Chica que abarca desde Acapulco a Oaxaca inclusive.

En la Tierra Caliente predominan los sones y los gustos. Éstos últimos, derivados al parecer de los sones y jarabes antiguos, tienen un ritmo lento y hacen uso de coplas de carácter lírico o pintoresco en tanto que el son es más rápido y de carácter bailable.

La mayoría de los sones y los gustos hacen referencia a la actividad ganadera y a los vaqueros denominados “cuerudos” por el abrigo de gamuza que utilizan. Otros sones y gustos describen las bellezas y la fauna de la región. Existe en algunos casos cierta semejanza con la chilena guerrerense autóctona, al grado que muchos son sones interpretados al ritmo de chilena o viceversa.

La Costa Chica: La chilena

La chilena que se practica en la Costa Chica desciende directamente de la lejanísima cuenca chilena. La azarosa historia del género en México se inició a mediados del siglo XIX, durante la fiebre del oro en California, cuando grupos de mineros chilenos viajaron hacia el norte deseando participar en la explotación del ansiado metal. Algunos de ellos hicieron prolongada escala en Acapulco, dejando el recuerdo de sus atractivos cantos y bailes.

La chilena se adaptó en Guerrero, no sin sufrir algunas transformaciones que la convirtieron en una aproximación de son mexicano con baile de parejas y zapateado. Al igual que la cuenca, cuyo nombre proviene de la adjetivo clueca, la chilena guerrerense es un baile que emite el cortejo del gallo y la gallina y se baila con un pañuelo en la mano, y es un baile de tarima al igual que los sones y huapangos.En Ometepec, Cuajinicuilapa, la tarima es llamada artesa o canoa, se hace de un solo tronco y sirve para una sola pareja.

Las coplas se refieren generalmente asuntos amorosos, pero suele también a ver coplas de descripción de regiones. Por lo común utilizan cuartetos octosílabos con asonancia Entre la segunda y la cuarta líneas, lo cual se presta magníficamente para la improvisación. Generalmente se canta en primera persona y siempre con declinación masculina, aunque lo cante una mujer. Al igual que muchos sones mexicanos, se alteran versos en estribillo y se termina con un verso de despedida. Su instrumentación más común incluye, además del arpa, un violín y una jarana chica que podía ser de cinco, ocho o diez cuerdas. En algunas ocasiones se usaba una percusión que podía ser la misma caja del arpa, una caja de madera o una tabla sobre un hueco en el piso percutida con la mano o un palo. A esto se le llama tamboreo; habría que señalar que tanto el tamboreo como el pañuelo durante el baile son elementos andinos. En la instrumentación actual, poco a poco se ha ido excluyendo el arpa, ya que los artistas se están acabando en la región.

Las más de las veces se utiliza una guitarra sexta y un requinto, aunque también suele interpretarse con una orquesta de aliento, formada por clarinetes, saxofones, trombones, tambora y platillos. Por lo general, después de bailarse una chilena, se ejecuta un son de ritmo más enérgico.

La chilena se trajo a la Ciudad de México por los años 40 y aunque hubo intentos de comercializarla, cómo sucedió con el huapango y los sones, logró permanecer casi incontaminada.

El compositor Álvaro Carrillo compuso en su juventud tres hermosas chilenas de un estilo purísimo y que se difundieron ampliamente: Con cuidadito, La yerba buena y Pinotepa nacional.

José Agustín Ramírez fue también fiel a la tradición de Guerrero al componer canciones chilenas con temática geográfica y de gran fama como: Caleta, Ometepec, Camino de Chilpancingo, La sanmarqueña, Por los caminos del sur y Cajita de Olinalá.

Fuente: Moreno Rivas, Yolanda. Historia de la música popular mexicana, Alianza Editorial Mexicana, 1979.

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El conjunto huasteco se compone de violín, jarana, una guitarra “huapanguera” de ocho o diez cuerdas y una guitarra ordinaria de seis cuerdas. Diferencias de ejecución crean variantes dentro del estilo huasteco; es así que los huapangos de Hidalgo y San Luis Potosí son por lo general más lentos que aquellos del norte de Veracruz y el sur de Tamaulipas.

Son innumerables los compositores e intérpretes que contribuyeron a esta modificación y urbanización de la música regional. Entre quienes merecen un lugar preponderante por la buena calidad de sus obras, habría que mencionar a Álvaro Carrillo de Oaxaca y José Agustín Ramírez por su fina utilización de la chilena guerrerense; A Pedro Galindo, Elpidio Ramírez y Nicandro Castillo como profundos conocedores de la tradición y especialistas en sones huastecos, así como a los Cuates Castilla, Lorenzo Barcelata, Andrés Huesca, Víctor Huesca, Lino Carrillo, Severiano Briseño y tantos otros que dieron brillo a los sones jarochos, huastecos y huapangos.

José Agustín Ramírez tiene una importancia especial pues contribuyó a enriquecer con sus canciones el género de chilena de Costa Chica dándole giros melódicos adoptados de la música urbana. Su inspiración incursionó también por otros estilos como huasteco, jarocho, jalisciense e istmeño, reteniendo de todos ellos su frescura y esencia originales.

El “nuevo huapango”, también llamado huapango lento o canción huapango, es en realidad una canción huapangueada que conserva el ritmo del son original. La canción huapango fue resultado de la mezcla de son huasteco, canción mexicana del campo y canción ranchera comercial y podría considerarse como un género independiente, ya que redefine el estilo. El nuevo huapango tiene similitud con la chilena por su ritmo lento, pero predominan en él los acordes menores y usa falsete en los finales de frase como herencia del son huasteco. En cuanto a la temática, será la misma que la canción ranchera de origen urbano.

Fuente: Moreno Rivas, Yolanda. Historia de la música popular mexicana, Alianza Editorial Mexicana, 1979.

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Orquesta Sinfónica Nacional, dirige Carlos MIguel Prieto

La obra orquestal mexicana más conocida y celebrada desde su composición en 1941. Su famoso ritmo en 6/8 basado en la hemiola es reconocible desde los primeros compases. Moncayo logró una genial hibridación de distintas melodías populares del sureste mexicano, como El gavilancillo, con los recursos colorísticos de la orquesta sinfónica.   

2. Tierra de temporal, poema sinfónico

Orquesta Sinfónica de Xalapa, dirige Miguel Salmon Del Real

“Tierra de temporal” es un cuento de Gregorio López y Fuentes sobre la triste historia de unos campesinos sujetos a los caprichos del tiempo. El poema sinfónico cumple con la trama que se desarrolla en el texto literario, pero con una gran diferencia. Si bien, Moncayo pudo valerse de la creación de López y Fuentes, los finales difieren; mientras el cuento concluye con un tono irónico, el final del músico es más desolador, lo cual remonta a los problemas que sobrelleva el campesino.

3. Sinfonietta para orquesta

Orquesta Juvenil Universitaria Eduardo Mata, dirige Iván López Reynoso

La Sinfonietta fue terminada en julio de 1945 y estrenada el 13 de julio del mismo año, por la Orquesta Sinfónica de México dirigida por el compositor. Una obra muy breve, que apenas llega a los diez minutos. Escrita en su peculiar estilo nacionalista integra todas sus secciones en un movimiento único. Después de un Allegro como primera parte con dos temas contrastados, la sección lenta ocupa la parte central de la partitura con un tema lírico y sentimental. Continúa con una danza animada de carácter folclórico con influencias de Copland, que nos lleva a la coda final.

4. La mulata de Córdova, ópera en un acto

(Escena 1)

Orquesta Sinfónica Juvenil Carlos Chávez, dirige Juan Carlos Lomónaco

Se trata de una ópera de corte sinfónico donde la orquesta (a dos pero con la inusual adición del clavecín) tiene un claro tratamiento expresionista; en todo momento los instrumentos acompañan la escena y la enriquecen a través de dos diáfanas labores: intensificar los sentimientos de los personajes y explorar lecturas que el libreto de Agustín Lazo y Xavier Villaurrútia propone sutilmente.

5. Muros verdes para piano solo

Jorge Eduardo, piano

La producción para piano de Moncayo no es extensa, sin embargo, Muros verdes es una pieza imperdible en el repertorio mexicano. Tiene rasgos del Moncayo más genuino, un diatonismo enigmático, un tratamiento melódico evocador y una fantasía rítmico-métrica siempre atractiva.

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Con la llegada de los españoles, los indígenas adoptaron instrumentos como el violín, la guitarra, el salterio y el arpa para la interpretación de sus bailes y danzas. Cabe destacar que, en la música ritual de las comunidades de la Huasteca potosina, el arpa se desempeña como intermediaria entre los hombres y la naturaleza, por lo que se le considera un instrumento “de respeto” y su construcción, interpretación y cuidado exigen rituales especiales.

Desde el reinado de Axayácatl (sucesor de Moctezuma I y padre de Moctezuma II) y hasta la llegada de los españoles, gran parte del territorio de San Luis Potosí estuvo dominado por los mexicas, por lo que en esta entidad es común encontrar las famosas danzas aztecas, donde los participantes se visten con penachos y taparrabos para rendir homenaje, al ritmo de instrumentos como conchas, sonajas y teponaztli, a sus costumbres y visión cosmogónica.

Música tradicional de Durango

El sincretismo en las danzas de la región

Una de las danzas representativas de San Luis Potosí —y en la que hay un fuerte sincretismo con las costumbres españolas— es la Danza de los xochitines, también conocida como Danza de las flores (recordemos que Xóchitl significa flor en náhuatl) o Danza de tres colores (por el blanco, el verde y el rojo que adornan las vestimentas de los danzantes). Este baile es interpretado por tres personajes, dos de los cuales —el Cuatiltic y la Maringilla— son encarnados, cada uno, por una sola persona, mientras que el tercero —los Xochitines— es un grupo de personas, siempre en números pares. El Cuatiltic, que representa al conquistador español,  va vestido de color negro, con un sombrero en el que relucen los tres colores que dan uno de sus nombres a la danza, y lleva un machete en la mano derecha. Lo sigue a todos lados la Maringuilla, un hombre vestido de mujer que representa a la Malinche o Malintzin. Lleva blusa y falda de color rojo, adornadas con listones de colores, y porta los mismos elementos de utilería que llevan los xochitines. Estos últimos, que representan a los indígenas, van  vestidos con calzón y camisa de manta, con una franja de tela roja bordada con diversos diseños cruzada en el pecho, huaraches, una varita, una sonaja y una corona de colores. Al inicio de cada uno de los sones que forman la danza, los xochitines se colocan en dos líneas paralelas y desarrollan su coreografía siguiendo las indicaciones del Cuatiltic. Una vez terminada cada pieza, regresan a su formación inicial. Este baile es ejecutado únicamente por participantes del sexo masculino, acompañados por un violín, una jarana huasteca y una guitarra huapanguera que interpretan sones huastecos como La primavera, Señorita, El borracho, El caballito, Nepantik, El remolino, La monja, El jilguero, El gallito y El conejo.

También en diversos municipios de la entidad se baila la tradicional Danza de los matlachines (o matachines), que también se encuentra en Aguascalientes, Coahuila, Jalisco y Zacatecas. En la versión potosina, los participantes van ataviados con faldilla y chaleco de color rojo adornados con figuras de aves, flores o mariposas bordadas con lentejuelas y con flecos de carrizo. Sobre sus cabezas portan unos llamativos penachos elaborados con plumas de colores y bordados con chaquiras y lentejuelas. En una mano llevan una sonaja, en la otra un arco de madera con una flecha, y en ocasiones algunos danzantes llevan en el antebrazo izquierdo un escudo de hojalata en cuyo centro colocan un espejo rodeado con grecas de estilo prehispánico o sobre cuya superficie pintan una imagen de la Virgen María. Todos calzan huaraches con suela de lámina, con cuyo ruido marcan el ritmo de la danza dando fuertes pisadas en el suelo mientras el “viejo de la danza” (que porta una máscara de madera o cartón con larga barba) hace lo propio con su látigo. En San Luis Potosí, los matlachines se hacen acompañar con flauta y tambora, aunque en algunas zonas se utilizan violín y guitarra. Entre los sones interpretados en esta danza se encuentran El pavo, Los Reyes Magos, La remolina, La rosa, El premio y La huichola.

Cosmovisión teenek y pame en la música de San Luis Potosí

Los principales grupos indígenas que habitan en San Luis Potosí son, por mayoría, los teenek (o huastecos) y los pames (o Xi’oi). Estos pueblos han integrado a su cultura el son o huapango (huasteco, el primero; arribeño, el segundo), que interpretan en sus fiestas, aunque en sus ceremonias solemnes aún prevalecen danzas con un fuerte sentido prehispánico porque para ellos la música es una forma de comunicación con la naturaleza y con sus ancestros, además de una manera de expresar su cosmovisión. Entre sus tradiciones musicales, los teenek tienen danzas características como el Tzacamsón o Danza pequeña, que se ofrece a los Cuatro Vientos y a la Madre Tierra. En ella, los participantes portan listones de colores colgando de la cabeza y un espejo en la frente, van descalzos y en la mano derecha llevan una sonaja adornada con listones, la cual agitan mientras bailan sones como El murciélago, El gallo y El maicito, interpretados por dos músicos: uno con un rabelito (especie de violincito de dos cuerdas) y el otro con una pequeña arpa de 29 cuerdas que da su nombre a la danza. Gemela del Tzacamsón es la danza llamada Puliksón, o Danza grande, que está dedicada al Sol y en la que los sones son interpretados con un arpa de 31 cuerdas (llamada “grande”) que desarrolla la melodía, y un rabelito que marca el ritmo.

Música tradicional de Aguascalientes

Otros bailes teenek son la Danza de las varitas y La Malinche. En la Danza de las varitas, los participantes (solo hombres; las mujeres forman un grupo aparte y se limitan a marcar el paso) se agrupan alrededor de un músico que toca al mismo tiempo una flauta de carrizo de tres agujeros y un tambor de doble parche. Van descalzos y llevan en las manos un cuchillo de madera y una varita adornada con listones de colores, además de cascabeles en ambas rodillas. En la cabeza portan un gorro cónico de color negro con franjas blancas, rematado en un abanico rojo. La danza exige movimientos rápidos por parte de los bailarines, quienes deben imitar las actitudes de diversos animales. Por su parte, La Maliche es una danza que contiene un simbolismo cosmogónico y se baila en honor a Pijchal, la serpiente de los siete colores del cielo, que es la protectora del pueblo teenek. Es interpretada por 14 danzantes, quienes simbolizan la semana solar del calendario agrícola huasteco (con sus días y sus noches). Van vestidos con ropas blancas, y portan coronas o penachos multicolores que representan la fertilidad. Cada corona lleva también cuatro espejos que representan los cuatro puntos cardinales, y siete listones de colores. Los acompañan un bailarín vestido de negro que representa el mal y un hombre disfrazado de mujer al que se le llama “la marica” y que representa a la Malinche. Otra danza teenek es El rey colorado, en la que hombres y mujeres bailan en dos círculos concéntricos, desplazándose uno en sentido contrario del otro. En el centro de los círculos baila el rey colorado, un hombre vestido de rojo que sostiene en sus manos dos paliacates del mismo color y que porta un llamativo collar en el pecho. El rey colorado cubre su cabeza con un manto anaranjado, sobre el cual lleva una corona forrada de papel metálico azul y rojo. Es una danza asociada al ciclo agrícola, y suele interpretarse en algunas festividades católicas que coinciden con ese ciclo, por ejemplo en las fiestas de San Isidro Labrador y de San Miguel Arcángel. Entre los sones que se interpretan con esta danza están La azucena, La media noche, La madrugada, El venado, El tigre y El tlacuache. 

Música tradicional de Chihuahua

La Malinche también se cuenta entre las danzas de los pames, al lado de la Danza de Tsuk’ uus y la Danza Matlaczinga (estas últimas tradicionales del municipio de Ciudad del Maíz). Asimismo, en Semana Santa y en las fiestas patronales se interpreta la Danza de los caballitos, donde una cuadrilla de bailarines —que llevan en la cintura llamativos caballos hechos con una armazón de carrizo y adornados con espumillón de colores— realizan alegres evoluciones al ritmo de sones arribeños interpretados por dos violines, una jarana y una guitarra quinta huapanguera. Los acompañan un torito y una mulita, esta última cabalgada por un enmascarado que hace las veces de “loco de la danza”. Los pames también llevan a cabo una danza propiciatoria de la lluvia conocida como la Danza del mitote, donde hombres y mujeres bailan, cubiertos con capotes de paja, al son de una flauta de mirlitón (admirable instrumento elaborado con un tubo de carrizo y una hoja de maíz, cuya boquilla está hecha de la parte central de un pluma de gavilán o guajolote y se une al tubo con cera negra. La flauta tiene cuatro orificios de obturación y un agujero adicional cubierto con una membrana de tela de araña, cuya función es la de modificar el sonido por medio de la vibración, lo cual a su vez también hace vibrar la hoja de maíz). Esta danza se lleva a cabo en el atrio de la iglesia o en la plaza del pueblo, y se trata de una ofrenda tanto al Dios católico como a los dioses del pueblo. Entre los sones que se bailan en la Danza del mitote se encuentran Un paso por delante un paso por atrás, El león, El zopilote, La ardilla, La mosca, La palomita, El lucero de la mañana, Dos pasos por delante dos pasos para atrás, La zorra, El puerco, El tirante, La víbora, El sapo, El brillo, Tres pasos por delante tres pasos por atrás, La mariposa, El tigre y La maroma.

De especial interés son dos de las danzas emblemáticas de las comunidades indígenas de la Huasteca potosina: la Danza de los voladores y la Danza de los huehues. La Danza de los voladores es un ritual agrícola fuertemente arraigado en Puebla, Veracruz y San Luis Potosí, donde recibe el nombre de Bixom T´iiw (Danza de los gavilanes). Se lleva a cabo en la comunidad de Tamaletom, en el municipio de Tancanhuitz, y en ella los danzantes adoptan los atributos del gavilán para acompañar al sol en su recorrido de oriente a poniente. El vuelo en sí forma parte de un ritual más complejo formado de distintas etapas, que inicia con la búsqueda de un palo de más de 15 metros y lo más recto posible, el cual servirá como mástil. Una vez encontrado, se lleva a cabo una ceremonia para pedir al espíritu del árbol permiso para cortarlo. Luego lo bendicen, le quitan las ramas y lo llevan al lugar donde se realizará la danza. Los voladores van descalzos y visten pantalón y camisa de manta de color blanco, con una franja de color verde (la naturaleza) y otra de color amarillo (el sol) atravesadas sobre el pecho en forma de cruz. En la cabeza llevan un gorro cónico forrado con plumas de color rosa. Cuando los músicos empiezan a interpretar sones al ritmo de flautas y tambores, el palo se convierte en el centro del universo. A su alrededor, un grupo de mujeres danza en círculo con pasos cortos. Todas llevan un petob (colorida corona hecha con madejas de estambre sobrepuestas) en la cabeza y, encima de la blusa, un dhayemlaab (también llamado quechquémitl), que es un manto blanco donde —bordados con estambres de colores rojo, rosa, naranja y verde— están plasmadas las cuatro estaciones del año y el animal que representa al espíritu de la portadora de la prenda. Una vez terminada la danza de las mujeres, los voladores se acercan y caminan alrededor del palo sagrado, deteniéndose en cada uno de los puntos cardinales para hacer una breve oración de petición y agradecimiento a la vez que esparcen humo de copal, lanzan buches de aguardiente y hacen sonar un caracol. A continuación, los cinco participantes suben a la cima del mástil. Aquél que se desempeñará como capitán se coloca de pie en el centro del palo, donde tocará un tambor (la voz de los dioses) y un silbato o flauta de carrizo (la voz de las aves) a la vez que baila en dirección a los cuatro puntos cardinales. Los otros cuatro voladores descienden desde lo alto, cabeza abajo, atados de la cintura con una larga cuerda y con los brazos extendidos. En cada mano sostienen un racimo de plumas atado con cintas para asemejar el vuelo de las aves. Cuando tocan tierra, cada uno de los cuatro voladores ha dado trece vueltas (el número de meses del calendario indígena) al mástil, lo cual suma un total de 52 vueltas, que es el número de semanas del año. En la Danza de los gavilanes se interpretan nueve piezas musicales, las cuales están relacionadas con los nueve movimientos que realizan los voladores a lo largo del rito. A su vez, estos nueve movimientos representan los nueve meses de gestación. Las piezas musicales son las siguientes: entrada (Otzélk‟anilab), subida (K‟adalk‟anilab), enredo (Malimtalaab), amarre (Wik‟antalaab), cuatro puntos (Tz‟aabnedomtalaab), salida de los voladores (Kaalelwiplomtalaab), bajada (Pa‟ilk‟anilab), desamarre (Wilomtalaab) y salida (Taaltalaab).

Música tradicional de Colima

Por su parte, la Danza de los huehues (también conocida como Danza de las huehuadas) es uno de los bailes más antiguos que existen en México. La palabra huehue proviene del náhuatl y significa “anciano”. Esta danza se interpreta en el Xantolo, que es como se conoce a la celebración del Día de Muertos en la Huasteca (región que abarca el norte de Veracruz, el sur de Tamaulipas, el sureste de San Luis Potosí, el norte del Puebla, el este de Hidalgo y algunas zonas de Querétaro y Guanajuato). En esta danza los participantes, que son únicamente varones, utilizan máscaras de madera blancas y negras, talladas y pintadas por ellos mismos. Los personajes más importantes son el Diablo, que se encarga de molestar a los espectadores y se mete en las casas o negocios que encuentra durante su recorrido, y el Huehentzi (“el más viejo”), que porta una máscara con barba larga y se encarga de guiar los pasos de las cuadrillas de huehues. El baile inicia con el Diablo haciendo sonar su látigo para abrir el portal que divide el mundo de los vivos y el de los muertos. Los ancestros “renacen” y entran en el cuerpo de los vivos para bailar una vez más, al ritmo de diversos sones ejecutados con violín, guitarra huapanguera y jarana huasteca. Así, los huehues recorren las calles del pueblo bailando hasta llegar frente al altar donde se les han colocado las correspondientes ofrendas del Día de Muertos. La Danza de los huehues se interpreta principalmente en municipios como San Vicente Tancuayalab, Tanquián de Escobedo y Tampamolón Corona, mientras que en los pueblos de Santa María Picula y Rancho Nuevo, que se encuentran en el municipio de Tamazunchale (dentro de la zona náhuatl de San Luis Potosí) y en Coyolo, municipio de Tampacán, se interpreta un baile muy similar, conocido como Danza de los Xexos. Los xexos son los viejos o abuelos, y representan a los difuntos que vienen a disfrutar las ofrendas que se les ponen el 1 y 2 de noviembre. Los personajes principales de esta danza son el koli mayor (el abuelo), la zizi (la abuela), el huihui (el ahijado, también llamado “el mudo”) y la ahijada, quienes recorren las casas del pueblo para bailar frente a los altares familiares. Por supuesto, el koli dirige al grupo y es el encargado de pedir permiso a los dueños de las casas para entrar, lo cual hace con letanías en náhuatl. El koli también lleva en la mano un carrizo lleno de semillas, que al ser agitado produce un sonido similar al de la lluvia. Este sonido es el que marca el inicio y el final de las piezas que se bailan, las cuales son conocidas como vinuetes y se interpretan con un violín, una jarana y una guitarra huapanguera. En franca contradicción con su aparente origen, el minué, que es un baile festivo europeo, los vinuetes son piezas lentas y solemnes cuya ejecución está restringida al ámbito de lo sagrado, particularmente a los rituales de culto a la muerte. Entre los vinuetes potosinos tradicionales están Flor de abril, Una estrella y Tres velas.

Tradición musical de jarabes, huapangos y sones

A partir del siglo XVIII, la música de San Luis Potosí San Luis Potosí empezó a desarrollarse dentro de una tradición representada por jarabes, huapangos y sones. Formado por varios sones que se interpretan uno tras otro, el jarabe potosino es un baile de cortejo donde, con un constante zapateado, la mujer coquetea con su acompañante, aunque al mismo tiempo se las arregla para evadirlo con gracia y agilidad. Por su parte, los huapangos y sones pueden ser huastecos (interpretados en la zona huasteca del estado) o arribeños (interpretados en la región media). Los huapangos huastecos son ejecutados por un trío de guitarra quinta huapanguera (instrumento de cinco u ocho cuerdas, con un cajón de resonancia más grande que el de una guitarra normal), jarana (instrumento de cuerda con forma de guitarra, de tamaño más pequeño que la guitarra huapanguera) y violín. Los dos primeros instrumentos llevan el ritmo y la armonía de cada pieza, mientras el último marca la armonía. Por su parte, en el son arribeño la alineación está formada por cuatro instrumentos: guitarra huapanguera, jarana y dos violines, que en este caso son los que marcan el ritmo. Cuando es cantado, el huapango lleva coplas improvisadas y se interpreta a dos voces. Los cantantes se turnan los versos de cada copla (la primera voz canta los primeros dos versos y la segunda los repite, o responde con dos versos distintos). Cada que intervienen las voces (que además usan falsete), el violín calla y el zapateado disminuye de intensidad. Originalmente, los huapangos eran piezas con letra fija y los sones eran piezas abiertas a la improvisación, pero hoy en día ambos términos se utilizan indistintamente. Entre los sones y huapangos representativos de San Luis Potosí se encuentran Las mariposas, La zorra, La víbora, La huasanga  y Las moscas, aunque quizá los más famosos sean El llorar y El querreque, este último acreditado a Pedro Rosas Acuña (1931-1963), originario de Xilitla. Actualmente, uno de los principales exponentes del huapango arribeño —con más de 20 discos grabados— es el médico Elías Francisco Naif Chessani (1949), nacido en Rioverde, quien cambió el estetoscopio por la guitarra huapanguera y es conocido artísticamente como Dr. Chessani.

Pero donde se puede admirar la máxima expresión del huapango arribeño, de la música de San Luis Potosí en conjunto con jarabes, décimas y valonas, es en una muy particular manifestación literario-musical popular conocida como “topada”. Las topadas son enfrentamientos musicales entre dos poetas-trovadores “de aporreón” (llamados así porque el aporreón —o bravata— es la más importante de las cuatro partes que forman cada duelo) que llegan a prolongarse durante 10 o 12 horas y en las que se combinan música, poesía y baile. Con antelación se prepara un espacio de aproximadamente dos metros de altura llamado tarango o tablado, el cual consiste en dos bancas de madera, colocadas una frente a la otra a cierta distancia. De cada lado sube un grupo de músicos, formado por dos violines, una guitarra quinta huapanguera y una jarana huasteca o vihuela. El organizador de la topada propone el tema a desarrollar; así, por ejemplo, si se trata de una boda, los músicos interpretarán su repertorio de “toñitas”, que son temas dedicados a los novios. También hay un reglamento de cortesía no escrito que indica, por ejemplo, que el grupo visitante es el que iniciará el duelo y decidirá en qué tono y cuál será el repertorio de sones y jarabes a interpretar. Además, como se trata de una conversación entre amigos, ninguno de los participantes puede abandonar el tablado. Generalmente el intérprete de la guitarra huapanguera es también el trovador, que debe escribir y memorizar (hasta con dos meses de anticipación) las letras que va a cantar, además de estar atento para saber improvisar y responder con ingenio a su contrincante. Por si fuera poco, la estructura poética que debe utilizar cada trovador es la décima (estrofa de diez versos que puede tener entre ocho y doce sílabas). Pero el duelo no se da solo entre los poetas de aporreón, sino que se extiende a los violinistas —quienes hacen gala de un admirable virtuosismo competitivo— y en ocasiones hasta a los jaraneros, que si saben improvisar también le echan leña al fuego. Cada topada está formada por el saludo (que puede ser un texto ya preparado), el desarrollo (que es donde se da rienda suelta a la improvisación  y donde cada décima o valona termina con un son o jarabe con zapateado), el aporreón o bravata (que es donde prácticamente se decide cuál de los contendientes será el triunfador) y la despedida. Entre las décimas y valonas más interpretadas se encuentran A las casadas, Yo no estoy tan pobrecito, El zas zas, Vamos, niña, conmigo a los mares, Del tren pasajero, Lloro por mi amor perdido y Ay qué caramba es el miedo.

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Desafortunadamente, la versión presentada en el video ilustrativo no coincide con la letra completa del Himno a Querétaro, pero es la única interpretación que pudimos encontrar. Disculpe el amable lector esta incongruencia que escapa a nuestro alcance.

Himno a Querétaro

Coro

Querétaro, hacia el progreso, hacia el triunfo, hacia el honor;
Querétaro, tenemos fe en tu grandioso porvenir.
Querétaro, unidos todos trabajamos para ti;
El futuro está en nuestras manos para hacer esta tierra feliz.

Estrofa I

En la paz tú tendrás progreso y bienestar,
Unidad, hermandad para todos por igual.
Querétaro, rica herencia de cultura y tradición;
Querétaro, surgió tu historia bajo el sol del Sangremal.
Querétaro, aquí nació la independencia nacional;
En tu suelo murió el Imperio, y se firmó nuestro pacto federal.

Estrofa II

Tierra fiel a nuestra gran nación,
Nobleza y patriotismo son tu honor;
Siempre serás tesoro de identidad,
Baluarte firme de México, de su libertad.
Querétaro, hacia el progreso, hacia el triunfo, hacia el honor;
Querétaro, tenemos fe en tu grandioso porvenir.

Coro

Querétaro, hacia el progreso, hacia el triunfo, hacia el honor;
Querétaro, tenemos fe en tu grandioso porvenir.
Querétaro, unidos todos trabajamos para ti;
El futuro está en nuestras manos para hacer esta tierra feliz.

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Las etnias que, antes de la llegada de los españoles, habitaron el territorio de lo que actualmente es el estado, dejaron huella de su actividad con instrumentos como ocarinas, silbatos, sonajas y teponaztlis en lo que hoy conocemos como la música de Querétaro.

Sin embargo, con el inicio de la época colonial, los frailes encargados de evangelizar a los nativos introdujeron en la región el canto llano, la escritura musical, los instrumentos de fabricación europea y nuevos conceptos de religiosidad que, en conjunto, tuvieron como resultado el inevitable sincretismo cultural y religioso plasmado en los cantos y bailes rituales que hoy en día podemos encontrar, sobre todo, entre las comunidades asentadas en la Sierra Gorda (región que abarca los municipios de Arroyo Seco, Jalpan de Serra, Landa de Matamoros, Pinal de Amoles y San Joaquín).

Los concheros: danza ritual y sincrética

Una de las expresiones culturales más antiguas y representativas del estado de Querétaro es la tradicional danza de carácter ritual interpretada por los concheros, quienes deben su nombre a una especie de guitarra o mandolina cuya caja de resonancia está elaborada con un caparazón (o concha) de armadillo.

Música tradicional de hidalgo

En esta danza se aprecia de forma interesante el sincretismo arriba mencionado, porque las vestimentas de los participantes (majestuoso penachos de plumas, vistosos pectorales, muñequeras y tobilleras elaboradas con ayoyotes, taparrabos para los hombres y huipiles para las mujeres), los instrumentos utilizados (conchas, caracoles, sonajas, flautas y teponaztlis) y la temática de los bailes (que gira en torno a los elementos de la naturaleza, el ciclo de la vida y la cosmovisión prehispánica) buscan plasmar de la manera más fidedigna posible la grandeza de nuestros antepasados, pero la danza se interpreta durante los festejos de la Santísima Cruz de los Milagros (en mayo), la Virgen del Sagrario (en septiembre) y la Virgen de Guadalupe (en diciembre), además de que el guía porta un estandarte con la imagen de Cristo crucificado y —de tanto en tanto— los danzantes se arrodillan y levantan los brazos hacia el cielo a la vez que exclaman a todo pulmón: “¡Él es Dios!”. La danza de los concheros suele interpretarse en el atrio del templo de la Santa Cruz, ubicado en el cerro de Sangremal.

Danzas dedicadas a la fertilidad y a las deidades

Otros de los bailes tradicionales de Querétaro son la Danza de la Shaja (o Xaha) —que se baila en el municipio de Tolimán y es una danza dedicada a la diosa otomí de la fertilidad: la tortuga. En ella, las mujeres portan una sonaja en la mano derecha y llevan colgando un morralito de tela; los hombres llevan camisa de manta, sombrero de palma y una faja de la que cuelga un cántaro.

Música tradicional de Durango

También participan cuatro canasteros, que llevan cestos llenos de ofrendas, y un tortuguero, que porta la imagen de una tortuga—, la Danza de los Baltazares —interpretada sobre todo en Amealco y en la que los “baltazares” (o diablos) llevan pantalones cortos adornados con cascabeles de latón, camisa negra, roja, verde, rosa o de todos estos colores combinados, un paño rojo con el que se cubren la cabeza, un tridente con cinco puntas y una impresionante máscara de color rojo o negro con cejas y bigotes de pelo, una larga lengua de tela roja y sendos cuernos de chivo.

Durante el baile, determinado baltazar señala a algún espectador con su tridente para que los demás diablos vayan a “tentarlo”, pero al final todos deben seguir el mandato de la muerte, que es el jefe del baile, va vestido con ropajes de color negro sobre cuyos pecho y espalda lleva pintado un esqueleto y lleva una hacha de madera y un machete—, la Danza de las pastoras —que se baila en los festejos de la Candelaria, Semana Santa y Navidad de Santiago Mexquititlán y San Ildelfonso Tultepec y en la que solo participan mujeres, quienes van vestidas con blusas de manga larga adornadas con bordados de flores, enaguas largas de color blanco, un mandil rojo y rebozo.

Música tradicional de Chiapas

En la mano derecha llevan un báculo de madera y una cinta con cascabeles, y en la cabeza portan un sombrero repleto de flores de papel metálico y adornado con largos listones de colores que cuelgan hasta las enaguas—, la Danza de los xitales —propia del municipio de Tolimán e interpretada por cuatro bailarines que, vestidos con camisa y calzón de manta, sombrero de palma, morral cruzado desde el hombro izquierdo, una sonaja en la mano derecha y sendas máscaras de papel maché y pelucas blancas que los caracterizan como “viejitos”, se colocan en una formación en forma de cuadrado para bailar al ritmo de un violín y una tambora— y la Danza de los arcos —interpretada exclusivamente por hombres vestidos con calzón y camisa de manta que llevan una banda roja cruzada desde el hombro izquierdo, un pañuelo también rojo en el cuello y, en la mano derecha, un arco cerrado forrado con flores de papel metálico sobre el que se abre un arco más pequeño. El baile es dirigido por uno o dos mayordomos que cargan la figura del santo patrono o la Virgen a quien se dedica la ejecución—.

El huapango serrano o arribeño y el queretano

Propia de localidades como San Joaquín, Jalpan de Serra, Río Blanco, San Miguel Palmas, Camargo y Arroyo Seco, otra de las manifestaciones de la música de Querétaro es el huapango, que se encuentra presente en dos formas: el huapango serrano o arribeño y el huapango queretano.

Música tradicional de Guerrero

Más cercano a los huapangos hidalguense y potosino que al veracruzano, el huapango arribeño es un baile zapateado de ritmo rápido que se interpreta con acompañamiento de dos violines, guitarra huapanguera y jarana huasteca mientras un cantante (generalmente la persona que toca la guitarra huapanguera) da cuenta de breves e ingeniosas “poesías” (glosas de línea unidas a una estructura musical conocida como tonada) o “decimales” (cuartetas glosadas en décimas que implican una estructura musical llamada valona) que reciben el nombre de trovas, muchas de las cuales se improvisan en el momento de acuerdo al tema del festejo.

Las parejas que lo bailan no se tocan en ningún momento, y sus vestimentas características consisten en un colorido vestido con falda hasta debajo de la rodilla y blusa de manga larga con medio cuello alto, rebozo, dos trenzas tejidas con listones de colores, grandes arracadas doradas y zapatos negros para las mujeres, mientras que los hombres usan pantalón negro, camisa de colores brillantes, morral cruzado desde el hombro derecho, pañuelo anudado al cuello y sombrero serrano.

Música tradicional de Guanajuato

Por su parte, el huapango queretano también es un baile zapateado y cantado, pero interpretado por un trío huasteco tradicional, que está formado por un solo violín, guitarra huapanguera y jarana huasteca. Aquí la vestimenta de la mujer consiste en una blusa de manga corta cubierta por un quexquémitl (especie de blusa triangular con la punta hacia abajo) bordado, falda floreada, un delantal que llega hasta la rodilla, un tocado elaborado con estambres trenzados de colores que caen en semicírculos sobre la nuca y huaraches, mientras que los hombres van vestidos con calzón y camisa de manta, pañuelo rojo atado al cuello, huaraches y un sombrero de palma que llevan en la mano derecha y que colocan constantemente sobre su pecho mientras giran alrededor de su pareja.

Entre los huapangos representativos de Querétaro —muchos de los cuales también encontramos en otras regiones de la Huasteca, como el este de Hidalgo, el norte de Puebla, el sur de Tamaulipas y el sureste de San Luis Potosí— se encuentran El taconcito, El gusto, La azucena, Las seis huastecas, La soledad, El bejuquito y, por supuesto, El queretano, compuesto por Guillermo Bermejo y Ernesto Cortázar y cuya inspirada letra lo ha convertido en poco menos que el himno no oficial del estado.

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Himno al estado de Puebla

Coro

Compatriotas, un himno entonemos
Con mil notas que lleguen al cielo.
Hoy la patria bendita nos pide
Que entusiastas alcemos la voz.
En la patria es mi Puebla el estado
Que le hereda a sus hijos lealtad;
Cuna fue de valientes poblanos
Que le dieron la gloria inmortal.

Estrofa I

Hoy en Puebla se prende la antorcha
Del trabajo que marca el progreso,
Y el clarín hoy taladra el silencio
Y proclama una vida mejor.
El poblano hoy sostiene el arado
Y ha olvidado el sangriento fusil.
Hoy en Puebla florecen los campos
Con destellos de un gran porvenir.

Coro

Compatriotas, un himno entonemos
Con mil notas que lleguen al cielo.
Hoy la patria bendita nos pide
Que entusiastas alcemos la voz.
En la patria es mi Puebla el estado
Que le hereda a sus hijos lealtad;
Cuna fue de valientes poblanos
Que le dieron la gloria inmortal.

Estrofa II

Zaragoza en un mayo conquista
El laurel que le dio a la nación,
Los Serdán con su acción glorifican
A la patria invencible de hoy.
El escudo de Puebla levanta
Las palabras que dicen al mundo
Que justicia, unión y esperanza
Simbolizan amor fraternal.

Coro

Compatriotas, un himno entonemos
Con mil notas que lleguen al cielo.
Hoy la patria bendita nos pide
Que entusiastas alcemos la voz.
En la patria es mi Puebla el estado
Que le hereda a sus hijos lealtad;
Cuna fue de valientes poblanos
Que le dieron la gloria inmortal.

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Con una alineación formada originalmente por guitarra huapanguera, jarana y violín, el son huasteco se caracteriza por una base rítmica compleja (en la que el violín lleva un compás, el acompañamiento otro y el canto entra a destiempo, adelantándose al acompañamiento), una armonía sencilla y una línea melódica que se va alternando ágilmente entre el violín y el canto. Este último es a dos voces, y el violín deja de tocar mientras la primera canta los primeros dos versos y la segunda los repite o responde con dos versos distintos.

Música tradicional de Oaxaca

Originalmente los huapangos huastecos eran piezas con letra fija, mientras que los sones huastecos eran piezas donde se podía improvisar versos; sin embargo, con el tiempo a ambos se les empezó a llamar indistintamente sones huastecos. Entre los más populares en Puebla se encuentran La locomotora, El conejillo, La hueyapaneca, El apasionado, El palomo, Los enanos, La atolera, El durazno, El perico y El jorobado.

Improvisación y copleo en el jarabe poblano

Por otro lado, aunque el jarabe originario de Jalisco sea el más conocido a nivel internacional, Puebla es —junto con Guerrero, Michoacán, Nayarit, Oaxaca, Tlaxcala y Zacatecas— uno de los estados que posee el suyo propio. En este baile festivo formado por varios sones (como El guajito, Parianes, El perico, El durazno y El pulque) predominaba la improvisación tanto en el copleo como en los movimientos de los bailarines, pero con el tiempo terminó teniendo coreografías definidas.

El jarabe poblano era bailado tradicionalmente por el chinaco —cuyo atuendo fue antecesor del traje de charro— y la china poblana —cuya colorida vestimenta característica, que el dibujante costumbrista alemán Carl Nebel (1802-1855) ubicaba como de origen poblano, mientras que el escritor mexicano Manuel Payno (1810-1894) afirmaba que era de origen tapatío, se ha convertido en todo un símbolo nacional—.

Danzas y fiestas patronales

De indudable interés son también las danzas tradicionales. Éstas se interpretan en las fiestas patronales de las comunidades indígenas y mantienen vivos los rituales dedicados a los ciclos y elementos de la naturaleza —por ejemplo la lluvia, el solsticio de primavera y el inicio de la cosecha—. Debido a su colindancia, muchas de estas danzas son similares a las danzas típicas de Hidalgo, Tlaxcala, Morelos, Oaxaca y —sobre todo— Veracruz. Entre ellas se encuentran la Danza de los huehues, en la que se ridiculiza al conquistador español y donde los dos personajes más importantes son el Diablo (que se encarga de molestar a los espectadores) y el Huehuentzi (el abuelo sabio, que guía a los danzantes y utiliza una máscara con barba larga).

Música tradicional de Chiapas

La Danza de los tocotines, donde se representa la derrota de los aztecas a manos de los españoles y la posterior unión de los dos pueblos. La Danza de los quetzales, que está dedicada al sol y en la que los danzantes visten pantalón de raso rojo con listones de colores, camisa de manta blanca y dos capas triangulares —una forzosamente roja y la otra verde, azul o amarilla—, además de portar unas enormes coronas de colores con flequillos dorados que asemejan los rayos del astro rey.

Y la Danza de los negritos, representativa de la cultura afromexicana y en la que se narra la cacería de una víbora por parte de un grupo de danzantes que portan máscaras de color negro y un sombrero de paja forrado de tela negra y con espejos redondos en su parte delantera que simulan los ojos del animal. Los participantes hacen sonar castañuelas —que representan el cascabel del ofidio— con un taconeo rápido. Mientras tanto, van rodeando cautelosamente a la maringuilla, único personaje que puede manipular a la víbora. Se trata de un hombre vestido de mujer que porta una vasija o canasta donde lleva al peligroso animal, el cual está elaborado con 17 pequeñas piezas de madera.

Los voladores: tradición de la huasteca

Otras danzas representativas del estado de Puebla son la Danza de los tecuanes. En ella se representan las actividades cotidianas de dos comunidades y su posterior unión para cazar a un tigre que está acabando con sus rebaños. La Danza de los tejoneros, caracterizada por los coloridos vestuarios de los bailarines y muy popular en el municipio de Ixtepec (no confundir con Ixtepec, Oaxaca). Y la Danza de los voladores, ritual de la fertilidad representativo de las comunidades indígenas de la región huasteca, sobre todo en Puebla y Veracruz.

En ella, cinco danzantes ascienden a la punta de un palo de aproximadamente 25 metros de altura. Amarrados de la cintura, cuatro de ellos —que representan cada uno de los elementos generadores de la vida— giran en un cuadro de madera que representa los cuatro puntos cardinales. Mientras que el quinto —el maestro guía— toca una flauta de carrizo y un pequeño tambor a la vez que baila en una minúscula plataforma de aproximadamente 35 centímetros colocada en el centro del palo. Cuando el maestro guía se sienta en la plataforma, los cuatro voladores empiezan a descender, de cabeza y con los brazos abiertos. Antes de llegar al suelo, cada uno debe haber completado 13 vueltas alrededor del palo para así sumar los 52 años del ciclo solar mexica.

Música tradicional de Hidalgo

Mención aparte en la música de Puebla merece aquella con la que se rinde culto a la muerte. Sobre todo en la zona sureste del estado —por ejemplo, en San Gabriel Chilac—. Aquí, las oraciones y cantos fúnebres se acompañan con dúos de violín y guitarra o con armonios de fuelle, trombones, trompetas y saxofón. Por lo general se trata de piezas solemnes, pero si el difunto es un bebé o un niño se interpreta música alegre.

Qué chula es Puebla: el himno no oficial

Por otra parte, es menester recordar que el destacado profesor, compositor y musicólogo Vicente Teódulo Mendoza (1894-1964), gran estudioso de la música folclórica mexicana, nació en Cholula. Y que la canción ¡Qué chula es Puebla!, considerada como el himno no oficial del estado, fue escrita por el compositor puertorriqueño Rafael Hernández Marín (1892-1965), mejor conocido como El Jibarito, y el poeta español Bernardo San Cristóbal (1910-1974).

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