La Ópera de París estaba preparando el reestreno de Castor et Pollux de Rameau, y el ensayo general tuvo lugar el 21 de marzo de 1918, por la tarde, ya que se temían avisos de ataques aéreos durante la noche. Fue una de las últimas cosas que le apenó perderse, ya que no pudo ir. Cuando me vió partir, trató de sonreír y susurró: “¡Dígale bonjour a Monsieur Castor!”  Dos días más tarde comenzó el bombardeo sobre París. En sus últimos días escuchaba el lúgubre ruido de las explosiones y su sufrimiento concluyó el lunes 25 de marzo; tenía 55 años.

Louis Laloy, La musique retrouvée, París, 1928.

Debussy quería que lo enterraran en el cementerio de Passy porque consideraba que era menos lúgubre que otros cementerios parisinos. Descansaría, dijo, entre los árboles y los pájaros. Pero los Debussy no tenían una parcela allí. Así que el ataúd fue llevado primero a Pere-Lachaise. Un año más tarde, Mme. Debussy, André Caplet y yo lo llevamos de Pere-Lachaise al cementerio de Passy, donde descansa actualmente.

Pasteur Valléry-Radot, “Claude Debussy: souvenirs”, Revue des Deux Mondes, CVIII, 1938.

Fuente: Roger Nichols, El mundo de Debussy, Buenos Aires, Adriana Hidalgo editora, 2000.

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Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, dirige Sergio Cárdenas

Chapultepec (1934) pertenece a la cuarta etapa creativa de Manuel M. Ponce. A partir de 1933 al regreso del músico de París, en donde radicó durante un buen período, Chapultepec es compuesta en el periodo más nacionalista de su producción, y según el músico y crítico Adolfo Salazar: “…la última, decisiva etapa de la carrera de Ponce. En ella se encuentra el momento de su plenitud…” En algunos casos se ha dicho que Ponce escribió casi siempre bajo la influencia de la música francesa, aunque también es notoria la enorme carga nacionalista que lleva su música en la médula. Estos dos factores son evidentes en Chapultepec, un tríptico sinfónico que denota el enorme gusto de Ponce por el impresionismo francés, y el culto y reverencia que siempre guardó por las obras del máximo exponente de esa tendencia artística: Debussy. De tal suerte que Chapultepec ha sido llamada como parte fundamental del “impresionismo musical mexicano”. Ponce le tuvo siempre un cariño especial a Chapultepec, como obra y como bosque, de hecho, desde 1917, al ilustrar la portada de su primer libro de «Escritos y composiciones musicales», el autor escogió un sencillo apunte de una partitura de orquesta como imagen de su obra, como el icono gráfico que le representaba. Se trataba de un compás que luego aparecerá en Chapultepec.

Nocturno

Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, dirige Sergio Cárdenas

De esta obra, hay una versión anterior, realizada en 1922 y estrenada en 1929 por la Orquesta Sinfónica de México (dos meses más tarde es dirigida por el propio Ponce en los Festivales Sinfónicos Iberoamericanos de Barcelona). Los títulos de las tres partes que la componían eran: Hora matinal, Paseo diurno y Plenilunio fantástico. Posteriormente el compositor la modificó quedando totalmente terminada hasta 1934, y siendo la nueva denominación de sus movimientos: Primavera, Nocturno, Canto y danza. Esta última versión fue estrenada en ese mismo año por la Orquesta Sinfónica de México bajo la dirección de Carlos Chávez. Cada movimiento presenta elementos folclóricos: en el primero, que evoca el ambiente del (tan famoso) bosque, figura un motivo pentáfono, basado en los sonidos que puede producir una flauta prehispánica, recordándonos que el famoso parque existía en tiempos de los aztecas. En el Nocturno surge la canción mestiza Marchita el alma; y en el tercer movimiento, aparece en primer lugar la vieja melodía conocida bajo el nombre de Canto de la Malinche y en la danza que sigue, alternan dos temas de carácter opuesto, uno primitivo y el otro popular… (que) crea un ritmo fascinante; se antoja como una referencia a las romerías del pueblo indígena y mestizo en días festivos.

Canto y danza

Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, dirige Fernando Lozano

Todo este tríptico sinfónico transporta el oído, la mente y el corazón al maravilloso bosque, plasmando en los sonidos de la orquesta la atmósfera natural y metafísica de este lugar lleno de evocaciones, sobre todo de aquellas películas de la época dorada del cine mexicano.

Según Ricardo Miranda: “La afortunada evocación del ‘bosque sagrado…de viejos ahuehuetes y la orquesta alada de sus pájaros cantores’, como la describiera Luis G. Urbina, representó un éxito para Ponce, tanto que Leopold Stokowski dirigió esta obra en el Carnegie Hall de Nueva York ese mismo año con la Orquesta de Filadelfia”.

Fuente: lecturaymusicaparaelalma.blogspot.mx

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Por: José Antonio Palafox

Enemigo de las formas tradicionales y la rigidez academicista, Debussy hizo de la exploración tímbrica parte fundamental de sus composiciones. Además, desvinculó a la armonía de la melodía y dotó a esta última de una hasta entonces inusual libertad por medio de sencillos motivos que parecen surgir de la nada y se van entrelazando y repitiendo con pequeñas variaciones a lo largo de cada composición.

Aunado al uso de las muy peculiares sonoridades de las escalas pentatónica, octatónica y de tonos enteros, que crean atmósferas de tintes oníricos, el efecto integral de las audaces indagaciones de Debussy es la percepción de una “ausencia” de inicio y final propiamente dichos, ya que sus obras parecen surgir gradualmente de una bruma sonora imprecisa a la que vuelven de la misma ambigua manera.

Ya sea que el amable lector quiera acercarse por primera vez a la fascinante música de Claude Debussy, o que el avezado melómano simplemente desee completar su colección, Música en México le ofrece una breve selección de grabaciones que consideramos esenciales dentro de la abundante discografía del compositor.

1.- La mer / Claude Debussy / Orquesta Sinfónica de Montreal, dirige Charles Dutoit, Decca Classics

Este espléndido disco incluye cuatro de las obras más conocidas de Claude Debussy: el voluptuoso poema sinfónico Prélude à l’après-midi d’un faune, que es considerado por muchos como la piedra angular de la música moderna, los sutiles “bocetos” sinfónicos que forman La mer, el poderoso tríptico Nocturnes y el complejo ballet Jeux. Charles Dutoit hace una refinada lectura de las composiciones, enfatizando el aura de misterio y sensualidad que las envuelve. Bajo su batuta, la Orquesta Sinfónica de Montreal alcanza niveles de un virtuosismo sin igual, y la grabación es impecable.

2.- Piano works / Claude Debussy/ Pascal Rogé (piano), Decca Classics

Con un fraseo deliciosamente fluido y una elegante lectura de las partituras, Pascal Rogé es uno de los intérpretes que mejor han logrado captar la esencia de la música para piano de Debussy. La selección de obras que forman este álbum doble no podía ser más atractiva, y resulta ideal para sumergirnos en las mágicas sonoridades del impresionismo musical: las cuatro piezas de la Suite bergamasque (donde sobresale la bellísima Clair de lune), las seis piezas que forman El rincón de los niños, los dos libros de Imágenes, los dos Arabesques, las doce piezas del libro I de los Préludes (entre las que destaca La catedral sumergida), la suite Pour le piano, las breves Estampes, L’isle joyeuse y la encantadora Rêverie. Aunque las piezas no están ordenadas cronológicamente, este álbum nos brinda un excelente panorama de la evolución creativa de Debussy.

3.- Pelléas et Mélisande/ Claude Debussy / Elisabeth Söderström, George Shirley, Donald McIntyre, Yvonne Minton, el Coro y la Orquesta de la Royal Opera House, dirige Pierre Boulez, Sony Classical

Pelléas et Mélisande, la única ópera que Debussy completó, es una de sus obras más complejas e innovadoras: temáticamente, rehúye los acontecimientos más importantes de la narración y se centra en situaciones aparentemente intrascendentes que, a través de su contenido altamente simbólico, revelan lo más importante de la trama; musicalmente, se da más importancia al texto declamado que al acompañamiento orquestal, el cual no cuenta con una evolución climática y se limita a subrayar el contenido emocional de las situaciones. Aunque en el momento de su estreno, en 1902, suscitó un gran escándalo y duras críticas —como la de Richard Strauss, quien dijo: “Esto no es música. No escucho nada de música aquí”—, lo cierto es que Pelléas et Mélisande es una de las óperas más importantes del siglo XX y cuenta con grabaciones memorables, como la de Herbert von Karajan (1978) y la de Claudio Abbado (1991). Nosotros elegimos la de Pierre Boulez (1970) porque su meticulosa interpretación hace sonar a Debussy como lo que realmente es: un compositor contemporáneo que descubrió un lenguaje musical totalmente nuevo. Además, aunque no francófono, el reparto es de primerísimo nivel, y su desempeño, inmejorable. La Mélisande de Elisabeth Söderström es admirablemente pura y etérea, mientras que el timbre oscuro y misterioso de la voz de George Shirley da como resultado un Pelléas singularmente atractivo. Por su parte, el Golaud de Donald McIntyre es óptimo, y la voz firme y madura de Yvonne Minton resulta perfecta para el papel de Geneviéve. ¿Qué más se puede pedir?

4.- Cuarteto para cuerdas op. 10, Trío para piano, Dos danzas, Rêverie / Sioned Williams (arpa), Jean-Efflam Bavouzet (piano) y el Cuarteto Brodsky, Chandos

En este disco se reúnen algunas obras que nos permiten conocer la evolución estilística de Debussy. El Trío para piano es una sentimental obra de juventud compuesta cuando el músico tenía 18 años, más propia para una velada familiar que para escandalizar buenas conciencias en las salas de conciertos. Por su parte, el Cuarteto para cuerdas op. 10 —único cuarteto compuesto por Debussy— posee una estructura cíclica de melancólica sonoridad en la que ya se encuentra presente la ruptura con la rigidez armónica tradicional. En las Dos danzas, el compositor explora —con su lánguido y sensual sonido característico— las posibilidades expresivas del arpa. Completa el disco la breve Rêverie para piano, en un arreglo para cuarteto de cuerdas. Las interpretaciones del Cuarteto Brodsky y de los solistas sobresalen por su delicadeza y sensibilidad, y la calidad de la grabación es inmejorable.

5.- Images inédites, Estampes / Claude Debussy / Alain Planès (piano), Harmonia Mundi

En este álbum doble se reúnen obras tempranas (que hasta en los títulos —Nocturno, Mazurka, Vals romántico, Balada eslava— revelan la admiración del joven Debussy por maestros “de antaño” como Chopin y Tchaikovsky) y otras escritas por encargo (Morceau de concours, para una revista de música; Le petit nègre, pieza didáctica para un método de piano; un Hommage à Haydn solicitado para conmemorar los 100 años del fallecimiento del compositor austriaco) de las que Debussy renegaría años después por considerarlas convencionales y sujetas a las limitaciones de la tradición compositiva. Sin embargo, en estas 20 piezas para piano solo ya se encuentran presentes de una u otra manera su elegancia característica, un refinado tratamiento de la armonía y una discreta expresividad que solo por momentos estalla en apasionados crescendos. La interpretación de Alain Planès es sutil y serena, con lo que consigue hacer de ésta una grabación íntima y muy personal.

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6.- Chansons de Bilitis, Sonata para flauta, viola y arpa, Syrinx / Claude Debussy / Ensamble Viena-Berlín y Catherine Deneuve (recitante) / Deutsche Grammophon

En 1915, Debussy inició la composición de una serie de seis sonatas de cámara para diversas combinaciones de instrumentos. Sin embargo, solo pudo concluir tres, de las que en este disco encontramos la segunda: la hipnótica Sonata para flauta, viola y arpa, una pieza “tremendamente triste” en palabras del propio compositor. Además, se incluyen Les chansons de Bilitis, un conjunto de doce piezas para recitante, dos arpas, dos flautas y celesta que busca recrear la voluptuosa atmósfera de la imaginaria Grecia antigua que sirve como marco al libro del mismo nombre escrito por Pierre Louÿs, y Syrinx, una brevísima pieza para flauta sola que debía interpretarse al final de Psyché, drama en verso escrito por Gabriel Mourey. El cuadro impresionista se completa con tres piezas de Maurice Ravel: Introducción y Allegro, la Pavana para una infanta difunta en un bello arreglo para arpa y flauta, y la Sonata para violín y violonchelo, y los integrantes del Ensamble Viena-Berlín llevan a cabo una memorable interpretación llena de melancólica sensibilidad.

7.- Música para piano a cuatro manos / Claude Debussy / Jean-Pierre Armengaud y Olivier Chauzu (piano), Naxos Records

Verdadera sorpresa para el conocedor, en este disco se incluyen rarezas compuestas y/o adaptadas para piano a cuatro manos por el propio Debussy. Empieza con una encantadora interpretación de la conocida Petite Suite, a la que siguen la versión original de la Marche écossaise sur un thème populaire, curiosa obra compuesta por encargo, y los Six épigraphes antiques, evocativa reelaboración para dos pianos de algunos temas incluidos en Les chansons de Bilitis. Pero sin duda el plato fuerte es la Première Suite d’Orchestre, cuya partitura integral para piano a cuatro manos fue apenas descubierta en el 2008. El sonido es inmejorable, y Armengaud y Chauzu consiguen imprimir a su interpretación una delicadeza pocas veces escuchada en este tipo de combinación instrumental, lo que hace de éste un álbum altamente recomendable.

8.- Le martyre de Saint Sébastien / Claude Debussy / Sylvia McNair, Ann Murray, Nathalie Stutzmann, Leslie Caron (narración) y la Orquesta y el Coro London Symphony, dirige Michael Tilson Thomas, Sony Classical

Aunque es más conocido en su arreglo como suite orquestal en cuatro movimientos, siempre vale la pena escuchar el majestuoso drama sacro Le martyre de Saint Sébastien, una de las composiciones más hermosas de Claude Debussy y su única colaboración con el poeta italiano Gabriele D’Annunzio, en su versión integral. De entre las grabaciones que existen en el mercado, la de Michael Tilson Thomas (1991) destaca por el intenso sentido de religiosidad que otorga a la partitura. Su dirección es precisa, y logra equilibrar con acierto los elementos descriptivos del texto de d’Annunzio con las figuras evocativas de la música de Debussy. Casi todo el peso de esta exquisita obra recae sobre las cuatro voces femeninas, por lo que el excepcional desempeño de las solistas —sobre todo Leslie Caron, que evita la típica declamación teatral y opta por una narración natural— hace que esta grabación sea aún más disfrutable.

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9.- Fantasía para piano y orquesta, Rapsodia para clarinete, Rapsodia para saxofón, Danzas sacra y profana / Claude Debussy / Aldo Ciccolini (piano), Guy Dangain (clarinete), Jean-Marie Londeix (saxofón), Marie-Claire Jamet (arpa) y la Orquesta de la Radio Nacional Francesa, dirige Jean Martinon, DTS Entertainment

Jean Martinon fue uno de los directores que mejor entendió la esencia de la música de Claude Debussy, dotando sus lecturas de las partituras del compositor con un fraseo desenvuelto y dando un sutil énfasis a la textura sonora de la orquesta. Como prueba, este magnífico disco donde da cuenta de tres de las obras menos interpretadas de Debussy: la temprana Fantasía para piano y orquesta, donde las intervenciones del piano preludian las posteriores audacias impresionistas del compositor y que fue estrenada un año después de su muerte, la Rapsodia para clarinete y orquesta, originalmente escrita para clarinete y piano y luego orquestada por el propio Debussy, y la Rapsodia para saxofón y orquesta, donde explora las posibilidades tímbricas del entonces todavía novedoso instrumento y que también fue estrenada un año después de la muerte del compositor. Completa el disco una vibrante interpretación de las Dos danzas para arpa y orquesta. El sonido de la grabación es cálido, y el desempeño de la orquesta y de los solistas resulta, como era de esperarse cuando Martinon estaba a la batuta, de primerísimo nivel.

10.- The Edgar Allan Poe Operas: La chute de la maison Usher & Le diable dans le beffroi / Claude Debussy / William Dazeley, Eugene Villanueva, Virgil Hartinger, Lin Lin Fan y la Orquesta Sinfónica de Göttinger, dirige Christoph-Mathias Mueller, Pan Classics

Aunque Pelléas et Mélisande es considerada la única ópera de Debussy, lo cierto es que el compositor hizo en el género otros intentos que nunca completó: Rodrigue et Chimène, basada en Las mocedades del Cid de Guillén de Castro, y La chute de la maison Usher y Le diable dans le beffroi, basadas en los textos del mismo nombre de Edgar Allan Poe. Rodrigue et Chimène fue terminada por el compositor ruso Edison Denisov y estrenada en 1993, mientras que La chute de la maison Usher fue reconstruida en tres versiones distintas, primero por la musicóloga Carolyn Abbate (1977), luego por el compositor chileno Juan Allende-Blin (1977) y finalmente por el musicólogo Robert Orledge (2013), quien también completó Le diable dans le beffroi. Estas últimas son las que se encuentran en este disco, que podríamos llamar de contrastes radicales: por un lado, las sombrías atmósferas de La chute de la maison Usher, conseguidas por Debussy mediante un sabio entrelazamiento de las sonoridades producidas por las cuerdas, los vientos y los metales; por el otro, la luminosidad cómica de Le diable dans le beffroi, que —al haber quedado interrumpida en un estado muy inicial— tiene más de las conjeturas de Orledge que de Debussy. La conducción de Christoph-Mathias Mueller es intensa y rigurosa, y los cantantes pasan de la lobreguez de una ópera a la sátira de la otra de manera convincente, tanto musical como dramáticamente. La grabación es en vivo, pero el sonido es excelente.

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En mayo del 2019 el sello discográfico Naxos Records lanzó al mercado una nueva grabación de El amor brujo y El retablo de Maese Pedro, dos de las obras más representativas de Manuel de Falla (1876-1946), considerado el compositor español más importante de la primera mitad del siglo XX.

Este lanzamiento no puede pasar desapercibido ni para el escucha neófito ni para el melómano avezado, sobre todo porque, en el caso de El amor brujo, se trata de una reconstrucción (hecha en 1986 por el musicólogo Antonio Gallego) de la versión original compuesta en 1915 y porque, juntas, ambas obras encarnan las dos principales vertientes que conforman el corpus creativo de Manuel de Falla: por un lado, un nacionalismo fuertemente inspirado en el folclore andaluz, y por el otro, las búsquedas estilísticas de las vanguardias contemporáneas (sobre todo el impresionismo y el neoclasicismo).

Compuesta originalmente para un pequeño grupo de 15 instrumentos y una cantaora de flamenco, El amor brujo (1915) es una “gitanería” de marcada estructura nacionalista con abundantes evocaciones del cante jondo que recrea, no sin cierta carga romántica, el áspero y pasional mundo de los gitanos que tanta fascinación había ejercido en compositores como Georges Bizet (Carmen), Antonín Dvořák (Melodías gitanas, Op. 55), Johann Strauss (El barón gitano) y Johannes Brahms (Canciones gitanas, Op. 103). El amor brujo surgió a petición de la cantaora Pastora Imperio, y consta de trece escenas —algunas instrumentales, otras narradas y otras cantadas y bailadas— en las que se narra una historia tomada del repertorio tradicional gitano: el ritual que debe seguir la joven y bella Candela para librarse del fantasma de su antiguo amante, un impetuoso gitano infiel y celoso. Sin embargo, a pesar de su colorida orquestación que incluye delicados toques impresionistas, enérgicas fanfarrias, sensuales danzas y las siempre cautivantes inflexiones y ornamentos propios del cante jondo, la obra no fue bien recibida por la crítica, que la consideró “poco española”. Ante este recibimiento, el compositor agregó más instrumentos, redujo la duración y eliminó prácticamente en su totalidad la parte vocal. En 1916 estrenó la obra en su versión de concierto, pero continuó haciendo cambios, supresiones y reordenación del material hasta 1925, año en que volvió a estrenar El amor brujo, ahora en su versión definitiva como ballet. Esa es la versión más conocida y grabada hoy en día, pero el argumento y la estructura de la “gitanería” son distintos a los del ballet, lo que hace que en realidad sean obras distintas, aunque las ideas musicales de la última están contenidas en la primera.

Tres años después de El amor brujo, Manuel de Falla inició la composición de El retablo de Maese Pedro, una obra musical para teatro de títeres basada en el capítulo 26 de la segunda parte del Don Quijote de Miguel de Cervantes Saavedra. También resultado de una petición hecha por una dama, en este caso Winnaretta Singer, princesa de Polignac (en cuyo salón se reunían artistas del calibre de Claude Monet, Isadora Duncan, Igor Stravinski, Maurice Ravel y Claude Debussy), la obra tardó cinco años en ser completada y con ella el compositor hizo entrega de una elegante fusión estructural entre pasado y presente: haciendo uso de una brillante orquestación que incluye instrumentos antiguos como el arpa-laúd y el clavecín, Falla entreteje un mosaico sonoro en el que se encuentran presentes desde la música andalusí medieval hasta los incisivos ritmos y las armonías disonantes propios del neoclasicismo contemporáneo (tomando sobre todo como modelo la obra de Igor Stravinski), pasando por discretas referencias al Siglo de Oro y el Barroco españoles, todo lo cual en conjunto permite al oyente transportarse de la época del romance narrado a la del Quijote, sin abandonar en ningún momento el marco estilístico de principios del siglo XX. Pero eso no es todo: el compositor también se permitió un audaz y delicioso final en una tonalidad “equivocada” que confirma la locura del Caballero de la Triste Figura.

El retablo de Maese Pedro es lo que hoy denominaríamos una ópera de cámara, tanto por su duración como por su reducida orquesta y la presencia de solo tres solistas: el trujamán (un niño que declama con una agresiva salmodia similar al sonsonete de los pregoneros todo lo que sucede en el retablo), Maese Pedro y Don Quijote. Notable reflexión sobre el teatro dentro del teatro que se subdivide en varios episodios muy breves protagonizados mayormente por títeres —en este punto conviene recordar que en esos años otros creadores también recurrieron a ellos en sus obras, por ejemplo el compositor alemán Paul Hindemith en Das Nusch-Nuschi (1920) o el escritor Ramón del Valle-Inclán en las farsas para títeres incluidas en El retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte (1926)— la trama de El retablo de Maese Pedro sigue fielmente la situación creada por Cervantes: Don Quijote y Sancho Panza observan como espectadores el espectáculo que maese Pedro, un titiritero, presenta en su retablo: la historia de la bella Melisendra, que se encuentra prisionera del rey moro Marsilio en una torre de la ciudad de Sansueña. Para rescatarla llega desde París su esposo, el valiente Gaiferos, por orden del emperador Carlomagno. Pero Don Quijote, gran conocedor de historias de caballerías, se inmiscuye en la narración para corregir los errores que, a su parecer, comete el trujamán. Cuando don Gaiferos consigue liberar a su mujer y es perseguido por una caterva de moros, Don Quijote se levanta exaltado y —dispuesto a ayudar a tan noble paladín— empieza a descabezar títeres a diestro y siniestro, para desesperación de maese Pedro y diversión de los demás espectadores.

Y es para deleite del escucha contemporáneo que Naxos Records editó este magnífico CD, donde el maestro Ángel Gil-Ordóñez y el Perspectives Ensemble, acompañados de un puñado de solistas de primerísimo nivel —la cantaora Esperanza Fernández (quien hace una verdadera creación personal del personaje de Candela), la soprano estadounidense Jennifer Zetlan como el trujamán, el barítono español Alfredo García como Don Quijote y el tenor mexicano Jorge Garza como Maese Pedro— nos ofrecen una vigorosa e inspirada interpretación de estas dos grandes obras de Manuel de Falla. A destacar particularmente la clara y equilibrada lectura de la esperada Danza ritual del fuego en El amor brujo, así como la absorbente atmósfera lograda a lo largo de El retablo de Maese Pedro. Como referencia inmediata tenemos la grabación que de estas mismas obras hizo en 1990 la Orquesta de Cambra Teatre Lliure de Barcelona bajo la dirección de Josep Pons con la cantaora Ginesa Ortega, el sopranista Joan Martin, el barítono Iñaki Fresán y el tenor Joan Cabero, la cual se encuentra editada bajo el sello Harmonia Mundi. Invitamos al lector a escucharlas ambas, porque en cada una encontrará distintos detalles que enriquecerán su percepción del genio creativo de Manuel de Falla.

Manuel de Falla: Canción del fuego fatuo (El amor brujo) / Esperanza Fernández (cantaora) y el Perspectives Ensemble, dirige Ángel Gil-Ordóñez

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Liszt – Gnomenreigen

A los siete años, en 1910, recibió una beca del gobierno de Chile para estudiar música en Alemania, país donde residió durante once años; en Berlín tuvo como maestro a Martin Krause, uno de los últimos discípulos de Liszt. En sus años de formación ofreció recitales en diversas ciudades de Alemania, Reino Unido y Escandinavia. Antes de cumplir los veinte años había sido galardonado en dos oportunidades con el premio Liszt, y más tarde obtuvo el Grand Prix International des Artistes. Contrajo matrimonio con la cantante Ruth Schneider, con quien tuvo tres hijos.

Tras su retorno a Chile, en 1921, Arrau visitó Estados Unidos en 1924 y en ese país ofreció conciertos con las orquestas sinfónicas de Boston y Chicago. Ese mismo año regresó a Berlín, donde le fue ofrecido un cargo de profesor en el conservatorio local, pero prefirió continuar con sus giras y recitales. Su figura se hizo legendaria entre el público de Alemania y Austria debido a su conocimiento y dominio de las obras de los principales compositores de estos países, en particular de Ludwig van Beethoven.

Beethoven – Concierto para piano No. 4

En 1935 ofreció una serie de doce recitales en la capital alemana en los que interpretó el integral de piezas para teclado de Johann Sebastian Bach, haciendo lo mismo al año siguiente con las obras de Wolfgang Amadeus Mozart. Dos años más tarde, en una gira por Chile, Argentina y México, sus conciertos incluyeron las sonatas y conciertos para piano de Beethoven.

Arrau ya era un intérprete de fama mundial a fines de la década de 1930. El endurecimiento del régimen nazi lo llevó a abandonar Alemania y en 1941 se trasladó a Estados Unidos, fijando su residencia permanente en Nueva York, una ciudad que Arrau consideraba su hogar, aunque pasó gran parte de su vida viajando por el mundo, con una vitalidad asombrosa que le permitió realizar giras y recitales hasta después de cumplir ochenta años. A partir de 1941, en efecto, Arrau prosiguió su carrera en los escenarios cosechando éxitos y honores por todo el mundo.

Chopin – Scherzo No. 1  

Además de uno de los grandes pianistas del siglo, Arrau fue un sistemático estudioso de la literatura pianística del Clasicismo, el Romanticismo y el Impresionismo, de la que nos dejó grabaciones con frecuencia integrales (así de la música pianística de Chopin o Beethoven) que constituyen auténticos hitos de la interpretación. Fue también destacado intérprete de Bach desde su juventud, aunque un estudio detallado de la obra de Bach lo llevó a negarse a interpretarla en piano por considerar que el complicado contrapunto de cantor de Leipzig no quedaba suficientemente bien retratado en el sonido brillante y lleno de armónicos del piano moderno. Por esta razón impidió que se publicaran sus grabaciones, por demás magistrales, de El Clave Bien Temperado y los Ejercicios para Clave, que se dieron a conocer póstumamente.

Arrau se caracterizó siempre por lo poco ostentoso de su interpretación y por la hondura del sentimiento que transmite, para el que se vale en ocasiones de tiempos muy lentos que no

disminuyen la expresividad y que muestran su maestría técnica. Como parte de sus estudios musicológicos merece destacarse su edición de las Sonatas para piano de Beethoven, realizada para la editorial Peters. En 1967 creó los Fondos Claudio Arrau para ayudar a la formación de jóvenes músicos. De entre los honores alcanzados, es digna de mención la Medalla Hans von Bülow que le concediera en 1978 la Filarmónica de Berlín. En 1980 obtuvo el Premio Nacional de Arte de Chile. Sus restos descansan en su patria natal, en la ciudad de Chillán.

Fuente: biografíasyvidas.com

Claudio Arrau – Art Of Piano

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“En 1934, la Orquesta Sinfónica de México reestrenó Chapultepec…partitura que había traído a su autor triunfos importantes. La afortunada evocación del ‘bosque sagrado…de viejos ahuehuetes y orquesta alada de tus pájaros cantores’, que dijera Luis G. Urbina, de nuevo representó un éxito para el músico; tanto que Leopold Stokowski dirigió esta obra en el Carnegie Hall de Nueva York ese mismo año con la Orquesta de Filadelfia”.

Chapultepec será interpretada por la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México en su programa del sábado 21 de mayo (18:00) y domingo 22 (12:30), que incluye Dos melodías de Edvard Grieg y la 5ª. Sinfonía de Jean Sibelius. Dirige el director titular de la OFCM, Scott Yoo. Sala Silvestre Revueltas, Centro Ollin Yoliztli, Periférico Sur.

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En ocasiones se ha abusado de la palabra “romanticismo” y del adjetivo “romántico”. Romántico puede ser tanto el dulce murmullo de una buena orquesta de cuerdas como la suave luz de la luna de verano sobre lagos montañosos, pero esta definición moderna no se corresponde en lo más mínimo con lo que fue el Romanticismo en realidad: una época de cambios y revoluciones que se manifestó en todos los campos del pensamiento y la creación.

Los cambios motivaron transformaciones libres en la música y una impresionante ampliación (y final ruptura) de la armonía. Los colores de la orquesta fueron siempre más refinados, los argumentos de las óperas más “psicológicos”, y los elementos exóticos se reflejaron cada vez más claramente en la creatividad de los compositores.

Finalmente, no se puede olvidar que durante el “romántico” siglo XIX (de 1830 a 1900) surgieron diversos estilos nacionales que retomaron sus respectivos folclores, y en ese volver la mirada a su herencia cultural encontraron modos de expresión inconfundibles.

Compositores

De alguna manera existen elementos “románticos” en la música de todas las épocas. Algunos de los compositores más destacados del siglo 19 que se clasifican generalmente como “románticos” son Weber, Schubert, Schumann, Chopin, Liszt, Berlioz, Wagner, etcétera, en cuya música la expresión emotiva y los elementos pintorescos parecen ser más importantes que las consideraciones formales o estructurales. Así, el romanticismo se convirtió en la antítesis del clasicismo.

En literatura, las obras de Byron, Scott, Wordsworth, Goethe, Hugo, Gautier y Balzac fueron el corazón del movimiento romántico y esta literatura se reflejó musicalmente en obras como la Sinfonía Fantástica de Berlioz. Chopin, compositor esencialmente romántico, no fue influenciado por modelos literarios; por otro lado, muchos movimientos de obras de compositores “clásicos” como Haydn, Mozart, Beethoven y otros exhiben inclinaciones románticas.

Como en tantas ramas de la música, las distinciones entre una categoría y otra son borrosas y tan es así que el nacionalismo, el impresionismo y el posromanticismo,  todos tienen algo de romanticismo.

Fuentes: Eckhardt van den Hoogen, El ABC de la música clásica, México, Taurus, 2011; Michael Kennedy, The Oxford Dictionary of Music, Oxford, 1985.

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Scriabin nació en Moscú el 5 de enero de 1872 y murió allí el 27 de abril de 1915. Fue un impresionista místico, que usaba la música como los flagelantes medievales usaban el látigo hasta desahogarse en un éxtasis religioso.

Usó sus propias leyes que traducía a la música, especialmente en lo referente a armonía. Compuso muchas piezas sin una tonalidad fija. Apretó todas las notas posibles en un solo acorde. Sus acordes no solo son asombrosos sino absurdos. Él lo llamada “el acorde místico”, y lo usaba con suficiente frecuencia para que fuera particularmente suyo.

Siempre fue un soñador, apasionadamente enamorado de la música, algo que desarrolló sin mayor interferencia de una tía y su abuela, que lo criaron. Cuando lo enviaron a la Academia Militar, se dedicó más a la música que a las tácticas militares. Finalmente se la autorizó una transferencia al Conservatorio de Moscú.

La enseñanza rígida de Taneyev y Arensky en composición fue una variación sobre sus propias ideas y partió de este sitio sin diploma aunque obtuvo una medalla de oro en piano. Afortunadamente, Belayev, el editor de Rimsky-Korsakov, lo apuntó en una gira de conciertos con un estipendio anual de acuerdo con la producción de sus composiciones.

Fue un pianista excepcionalmente sensible e interpretaba sus propias obras a la perfección. Él y su esposa Vera Ivanovna, con la cual se casó en 1897, ofrecían conciertos de su música en recitales para dos pianos.

Después de algunos años dedicado a la enseñanza en el Conservatorio se lanzó a una larga gira, solo. Una separación de su esposa en 1905 lo enfilo hacia un nuevo amor, Tatiana von Schoezer, aunque Vera continuaba tocando su legado con admiración.

En 1910 conoció a Sergei Koussevitzky, entonces director de la sociedad de publicaciones de música rusa. Esta amistad con el joven compositor no solamente garantizaba la divulgación de su obra sino ejecuciones en los Estados Unidos bajo Koussevitzky. Visitó los Estados Unidos en 1907. Cuando importó a Tatiana después de su arribo, creó un terrible escándalo. Muchos conciertos fueron cancelados y su reputación sufrió severamente.

Los recitales de su música pianística se ofrecían en una atmósfera de silenciosa devoción y los discípulos eran verdaderos virtuosos. Existen 10 sonatas, muchos preludios, el Concierto para piano, y numerosas piezas impresionistas cortas. La variedad les daba luz verde a los intérpretes para confeccionar sus programas. Serge Rachmaninoff tocó muchas de ellas.

El poema del Éxtasis de Scriabin, para orquesta, se toca con regularidad a pesar de que cae en lo repetitivo prolongando el éxtasis al punto del colapso, tiene originalidad y libertad en muchos pasajes. Prometeo requiere una orquesta grande, con un órgano de color y perfumes – un encuentro entre los tres sentidos y aquellos que consumen deliciosos chocolates y lucen pieles suaves para asistir a la sala de conciertos.

Scriabin estaba planeando una obra épica, El misterio, en donde representaría toda su filosofía metafísica. Ya había compuesto como preludio una Cantata, L’Acte Préalable (El acto inicial); en su visión, todo problema metafísico se resuelve con la muerte.

Scriabin nunca ha tenido la popularidad o aceptación de los grandes de la música rusa. Es un gusto adquirido pero por algo los grandes del teclado lo veneran y siguen programándolo. Dos de sus máximos campeones y exponentes han sido Vladimir Horowitz y Vladimir Ashkenazy y todo ha quedado grabado para la posteridad.

Confieso que hasta ahora no me encuentro entre sus admiradores universales pero esto no quiere decir nada. En gustos no hay nada escrito.

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Esta entrada pertenece a una serie, puede visitar el resto en:

Los Nocturnos de Frédéric Chopin (II) 
Los Nocturnos de Frédéric Chopin (III) 
Los Nocturnos de Frédéric Chopin (IV) 

El encanto de los nocturnos sigue siendo muy potente; pocos pianistas de primera línea han dejado en prodigar sus mejores esfuerzos en ellos. Chopin, en estas atmosféricas obras, deja fluir toda la potencia de su voluptuoso don melódico en una de las escrituras pianísticas más notables de la historia. Son poemas de amor con la más fina pasión y dentro de cada uno se explora un íntimo drama humano. Daniel Gregory Mason escribe: “Chopin es uno de los maestros supremos en el uso colorístico de la disonancia. Bien se puede decir que sus nocturnos inauguran una nueva era en la música, comparable en muchos aspectos a la época del impresionismo en la pintura”.

Nocturno No. 1 – Op. 9 No.1

Maria Joao Pires – piano

Compuesto cuando Chopin tenía veintidós años. Una obra de frases suntuosas, ya ofrece una evolución del nocturno típico de Field por el largo tema del inicio. Charles Willeby escribió: “¿Qué podría ser más triste que la frase en re bemol… marcada legatissimo?” La sección intermedia es prolongada y en palabras de Huneker, “de un encanto desmedido”. Como melodía tiene toda la voluptuosidad y el canturreo místico de su autor”. Para Jean Kleczynski, este nocturno “exhibe una tristeza estremecedora, junto a una novedosa elocuencia en su construcción”. En la sección central se siente como si el alma se hundiese bajo el peso del pensamiento y el calor de una noche de verano. El Nocturno en si bemol menor es una obra significativa a pesar de haber sido compuesta cuando Chopin era apenas un adulto joven.

Nocturno No. 2 – Op. 9 No.2

Arthur Rubinstein – piano

Uno de los nocturnos más célebres no sólo de la serie, sino de toda la producción de Chopin. Ha sido ejecutado en ocasiones de forma excesivamente sentimental, pero cada vez más, a últimas fechas, las interpretaciones de esta obra tienden a ser más sobrias. Uno puede percibir que en la música permea la suave y glamorosa atmósfera de un salón parisino.

Nocturno Op.15 no. 2

Arthur Rubinstein – piano

Con una melodía celestial, este nocturno exhibe una belleza arrebatadora. Las ágiles pero delicadas fiorituras dan un aire de ligereza inmaterial. La sección intermedia, Doppio movimiento, muestra el dominio de Chopin sobre la notación pianística. Ningún compositor hasta él había sido tan explícito y original en mostrarle al pianista, en la partitura, qué se requiere para la interpretación de estas obras. El movimiento creciente en la sección media, con su novedosa figuración de quintillos, posee una pasión vehemente.

Fuente: The Vancouver Chopin Society

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Por otro lado, para el habitante de la Ciudad de México esta excepcional oferta es fuente de frustración ya que difícilmente podrá disfrutar de ella a menos de que se traslade a Guanajuato durante veinte o los días que pueda, si bien es cierto que algunos conciertos y espectáculos vendrán a la Ciudad de México durante octubre (ver nuestra Cartelera).

Advertencia: Se requiere paciencia, tiempo y valentía para abordar el programa de FIC. Está organizado por los “ejes” temáticos – Shakespeare 450 y Frontera (s) – y dentro de esta conceptualización por eventos y días, por lo que si su interés es por la música o el teatro, por ejemplo, tiene que recorrer todo el programa para localizar los eventos musicales o teatrales que habrá y relacionarlo por días para poder planear su asistencia. Para evitarle esta ardua tarea, musicaenmexico ha reunido los eventos musicales del FIC en un solo programa.

Jueves 9

Ensamble Capella Guanajuatensis y Nadia Ortega

Música en la época de Shakespeare y Cervantes

Nadia Ortega, soprano / Djamilia Rovinskaia, violín

barroco y viola / Vladislav Badiarov, violín barroco /

Mikhail Rovinski, viola da gamba y violonchelo

barroco / José Suárez, clavecín

Cabezón, Diferencias sobre El canto llano del caballero; Diferencias sobre La

gallarda milanesa; Diferencias sobre El canto de la dama le demanda

/ Ortiz, Tres recercadas / De Victoria, Veni Creator; Veni Creator II; Motete

Benedicam Dominum/ Byrd, The first Pavian; The Galliarde to the firste

Pavian / Dowland, Cinco canciones: Flow not so Fast, ye Fountains; Praise

Blidness Eyes; Come Again, Sweet Love doth now Invite; I Saw my Lady Weep;

Flow my Tears / Purcell, Selección de La reina de las hadas: ‘Rondeau’; ‘Enter

Night’; ‘Mistery’; ‘Prelude’; ‘Hornpipe’; ‘The Plaint-Chaconne’

20:00 horas

Museo Iconográfico del Quijote

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Jueves 9 y Viernes 10, 21:00 horas

Sueño de una noche de verano

Puesta en escena con música incidental de Felix Mendelssohn

La Máquina de Teatro

Orquesta de cámara de Bellas Artes

Coro del teatro de Bellas Artes

Juliana Faesler, directora de escena

José Luis Castillo, director concertador

Teatro Juárez

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Viernes 10

Orquesta Mexicana

Cantos de México

Rubén Luengas, director

Cortázar, Lejos de Cosoltepec / Sandi, El venado / Luengas, Jarabe Ka’nu /

Chávez, Chapultepec; Cantos de México (Dedicada a Silvestre Revueltas) /

Chapela, obra comisionada por el FIC

Templo de la Compañía

17 hrs.

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Viernes 10

Noodus-Cromano

Prácticas de Vuelo

Rodrigo Sigal Sefchovich, coordinador del programa

Eduardo Caballero, director de Noodus-Cromano

Juan Manuel Flores y Eyliana Pérez, violines /

Caleb Ahedo, viola / Diana Blanco, violonchelo

/ Jorge Martínez, piano / Mike Tovar, percusiones

López, Cuarteto de cuerdas, percusiones, piano y soporte fijo / Yáñez, Cuarteto

de cuerdas, percusiones, piano y electrónica en vivo / Rentería, Cuarteto de

cuerdas, percusiones, piano y electrónica en vivo / Quezada, Cuarteto de cuerdas

y piano con soporte fijo / Linares, Cuarteto de cuerdas y piano con soporte

fijo / Caballero, Cuarteto de cuerdas y piano con soporte fijo / Dávila, Cuarteto

de cuerdas y soporte fijo / Flores, Cuarteto de cuerdas y electrónica e vivo

/ Gómez, Cuarteto de cuerdas, percusiones, piano y electrónica en vivo /

Hernández, Cuarteto de cuerdas, percusiones, piano y soporte fijo / Rodríguez,

Cuarteto de cuerdas y soporte fijo

20:00 horas

Auditorio Mateo Herrera,

Fórum Cultural Guanajuato

León Guanajuato

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Sábado 11

Música para “La tempestad”

New London Consort

Philip Pickett, director

Obras de Locke, Banister, Humfrey, Draghi, Weldon, Purcell

Templo de la Compañía

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Sábado 11

Cuarteto la catrina

Daniel Vega-Albela y Roberta Arruda, violines / Jorge Martínez Ríos, viola

/ Jorge Espinoza, violonchelo

Sierra, Cuarteto para cuerdas no. 2 (Estreno en México) / Sánchez, Cuarteto

para cuerdas (Estreno mundial, obra comisionada por el 42 FIC) / Gamboa,

Cañambú / Rodríguez, Cuarteto de cuerdas ‘Con furia’ / Mendelssohn, Cuarteto

de cuerdas en fa menor, op. 80

Salón del Consejo Universitario

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Sábado 11

Alexei Volodin con la OSY

Orquesta Sinfónica de Yucatán

Juan Carlos Lomónaco, director artístico

Alexei Volodin, piano

Rachmaninov, Concierto para piano no.3 en re menor. op. 30; Sinfonía no.2 en

mi menor

21:00 horas

Teatro Juárez

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Domingo 12

The Fairy Queen de Henry Purcell

New London Consort

García Lozano, director de escena

Philip Pickett, director concertador

21:00 horas

Teatro Juárez

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Domingo 12

Takae Ohnishi

Couperin, Suite en la menor; Prélude a l’imitation de Mr. Froberger / Takemitsu,

Rain Dreaming / Forqueray, Suite en do menor / Liang, Some Empty

Thoughts of a Person from Edo / Asaoka, tres Pièces pour Clavecin

Salón del Consejo Universitario

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Domingo 12

Homenaje a Octavio Paz Y Richard Strauss

Orquesta de la Universidad de Guanajuato

Juan Trigos, director

Makoto Nakura, marimba

Nyman, Sinfonía no. 12 ‘Hablo de la ciudad’. Homenaje a Octavio Paz (Estreno

mundial) / Mashima, Concierto para Marimba ‘The Song of a Great Tree’

Teatro Principal

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Lunes 13

Orquesta Sinfónica Juvenil Silvestre Revueltas

Coro Juvenil del Conservatorio de música y artes de Celaya

Jesús Almanza Castillo, director

Rubén Barrera, director del coro

Simona Padula, piano

Shostakovich, Obertura Festiva, op. 96 / Tchaikovsky, Concierto para violín y

orquesta en re mayor, op. 35 / Borodin, Danzas Polovetsianas (no. 8 y no. 17) /

Tchaikovsky, Obertura 1812, op. 49

Templo de la Compañía

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Lunes 13

Sonetos de Shakespeare

Esa armonía que seduce mis oídos

Ensamble Redes

Obras de: Ana Lara, Soneto 30 / Ricardo Zohn, Soneto 18 / Víctor Ibarra, Soneto

26 / Georgina Derbez, Soneto 43 / Alejandro Gómez Villa-Gómez, Soneto 9

/ Hilda Paredes, Soneto 129 / Arturo Fuentes, Soneto 116 / Gonzalo Macías,

Soneto 138 Ignacio Baca Lobera, Soneto 76.

21:00 horas

Teatro Juárez

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Lunes 13

Post impresionismo para piano y alientos

Ensamble Zephyrus

Judith Campos, pianista invitada

Saint-Saëns, Caprice sur des airs Danois et Russes, op. 79 / d’Indy, Sarabande

et menuet, op. 72 / Poulenc, Sexteto para instrumentos de viento y piano /

Françaix, L’ heure du berger

Salón del Consejo Universitario

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Martes 14

Ensemble L’Astrée

Las cuatro estaciones y alrededores

Gabriella Costa, soprano / Francesco

D’Orazio, violín solista / Paola Nervi,

violín / Pasquale Lepore, viola / Marco

Ceccato, violonchelo / Giorgio

Tabacco, clavecín / Daniele Rosi,

contrabajo / Pietro Prosser, tiroba

Vivaldi, Concierto en mi mayor ‘La primavera’ / ‘Elvira, anima mia’,

Cantata RV 654; Concierto en sol menor, ‘El verano’; ‘Amor, hai vinto’,

Cantata RV 651; Concierto en fa mayor, ‘El otoño’; Lungi dal vago volto,

Cantata RV 680; Concierto en fa menor, ‘El Invierno’

Templo de la Valenciana

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Miércoles 15

Next Mushroom

Promotion Ensemble

Tomoko Fukui, directora

Hosokawa, Edi / Nancarrow, Sonatina / Fukui, Schlaglicht / Hosokawa, Vertical

time study / Tokunaga, How to armor / Estrada, Yuunohui’Ome / Kawakami,

rana-rananculus / Hosokawa, Stunden-Blumen

Templo de la Compañía

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Jueves 16

Ensamble del Patio

Música contemporánea en homenaje a Shakespeare y cervantes

Willy Terrazas, flauta

Natalia Pérez, violonchelo

Carlos Rosas, oboe

Miguel Cicero, clavecín

20:00 horas

Museo Iconográfico del Quijote

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Jueves 16

Geografías barrocas

Ensamble Speculum Amoris

Ileana Ortiz, mezzosoprano / Roberto González,

tiorba y guitarra barroca / Rafael Sánchez, viola

da gamba

Caldara, ‘Pompe inutili’, del oratorio Maddalena ai piedi di Cristo /

Montéclair, ‘Pourquoi de la parque inflexible’, de la cantata Le retour de la paix /

Marais,

La Rêveuse / Lully, ‘Récit italien’, del Ballet d’Alcidiane / Purcell, ‘When I am laid

in earth 1’, de la ópera Dido y Eneas; ‘I attempt from Love’s sickness to Fly’, de la

ópera The Indian Queen / Marais, L’Arabesque / Handel, ‘Virgam virtutis tuae’,

del Salmo 109 Dixit Dominus / Bach, ‘Höchster, mache deine Güte’, de la cantata

BWV 51, Jauchzet Gott in allen Landen!

Templo de la Compañía (Pinacoteca)

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Jueves 16

Cuarteto Arditti

Concierto del 40 Aniversario

Jake Arditti, contratenor

Irvine Arditti, director

Ferneyhough, Dum Transisset I–IV / Dowland, Flow my

tears (Lachrimae) / Gesualdo, Moro Lasso; Ardita zanzaretta / Dowland, In

darkness let me dwell / Gesualdo, Belta, poi che l’assent / Hosokawa,

Silent Flowers / Paredes, Canciones lunáticas I–III

Clarke, Cuarteto no. 1 / Nishimura, Cuarteto no. 5 ‘Shesha’ / Manoury,

Stringendo / Lachenmann, Grido

Templo de la Valenciana

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Jueves 16 y Viernes 17

Bromas y lamentos

Teatro Musical Contemporáneo

Marcelo Lombardero, director de escena

Jorge Lavista, director concertador

Victoria Gaeta, soprano

Cecilia Pastawski, mezzosoprano

Santiago Bürgi, tenor

Pablo Travaglino, tenor / contratenor

Mariano Fernández Bustinza, barítono

Jorge Lavista, espineta y órgano

Miguel de Olaso, archilaúd y guitarra

Barroca Pablo Angilletta, viola da gamba,

Joelle Perdaens, violín barroco

Eugenia Montalto, flautas

23:30 horas

Mesón de San Antonio: El Trasnoche

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Viernes 17

Romeo y Julieta

Música de Sergei Prokofiev

Ballet de Monterrey

Jorge Amarante, director

21:00 horas

Teatro Juárez

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Viernes 17

Ensamble Nomad

Norio Sato, director y guitarra

Dogen Kinowaki, flauta / Hideo Kikuchi, clarinete

/ Shuntoku Sato, trompeta / Wakako Hanada

y Shizuka Kawaguchi, violines / Fumiko Kai,

viola / Takui Matsumoto, violonchelo / Yoji Sato,

contrabajo / Kenichi Nakagawa, piano / Noriko

Miyamoto, percusiones

Filidei, I Funerali dell’Anarchico Serantini / Nishimura, Cuarteto para cuerdas no.

2 ‘Pulses of Light’ / Dun, Concerto for Six / Vázquez, Pruebas de vida / Vinão,

Cuaderno del ritmo / Fukushi, Qu’est ce qui passé

Templo de la Valenciana

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Viernes 17

Mari Kodama y Momo Kodama, pianos

Mozart, Sonata para dos pianos en re mayor / Ravel, Ma mère l’oye / Messiaen,

Visions de l’Amen

Templo de la Compañía

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Sábado 18

Cuarteto Arditti

Concierto del 40 Aniversario

Irvine Arditti, director

Clarke, Cuarteto no. 1 / Nishimura, Cuarteto no. 5 ‘Shesha’ / Manoury,

Stringendo / Lachenmann, Grido

Salón del Consejo

Universitario

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Sábado 18

West Side Story (Amor sin barreras)

Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México

José Areán, director

Dvořák, Otelo / Elgar, Falstaff / Bernstein, West Side Story (Fragmentos)

21:00 horas

Teatro Juárez

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Sábado 18

Accordone

Il Giardino del Canto

Guido Morini, címbalo y dirección musical

Rossella Croce, violín / Elisa Citterio, viola / Fabio Accurso, laúd / Stefano Rocco,

guitarra barroca / Mauro Durante, tambores de marco / Marco Beasley, voz

Marini, Sonata a 3 sopra ‘Fuggi dolente core’ / Saracini, Quest’amore,

quest’arsura / Marini, Amante lontano della sua donna / Busatti, Angela siete /

Morini, Improvvisazione su Passacaglia / Sances, Cantada a voce sola sopra il

Passacaglie / Monteverdi, Sì dolce è’l tormento / Stefani, Amante felice /

Anónimo, Stornelli, de la tradición pugliese / Anónimo, Tu bella ca lu tieni lu

pettu tunnu, de la tradición pugliese / Anónimo, Como sencza la vita, texto de

Francesco Spinello / Morini, Tarantella Tapanella / Anónimo, Lu Passariello, de

la tradición pugliese / Beasley, Tarantella I, II, III, de la tradición napolitana /

Anónimo, Fronni d’alia, de la tradición pugliese / Anónimo, Lo Guarracino, de la

tradición napolitana

Templo de la Valenciana

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Sábado 18

Schick & Red Fish Blue Fish, percussion ensemble

Steven Schick, director

Ortiz, Liquid Borders (Estreno en México) / Adams, Roar (Estreno en México) /

Reich, Drumming

Templo de la Compañía

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Domingo 19

María Katzarava con Hélene Blanic

Obras de Berlioz, Rachmaninov, Fauré, Massenet, Gounod, Puccini

Maria Katzarava, soprano

Hélène Blanic, piano

21:00 horas

Teatro Juárez

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Domingo 19

Altri Suoni

Paulina Derbez, violín

Derbez, Namanaya; Shika; Aurora Borealis; Teolistli /

Croall y Derbez, Reflections on water II; Wind

Salón del Consejo Universitario

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Domingo 19

Filemón y Baucis

Ópera para marionetas

Joseph Haydn

Baúl Teatro

Estudio Ópera de Bellas Artes

Orquesta de Cámara de Bellas Artes

César Tavera, director escénico y director de la compañía Baúl Teatro

José Luis Castillo, director concertador

Auditorio de Minas

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Lunes 20

Filemón y Baucis

Ópera para marionetas

Joseph Haydn

Baúl Teatro

Estudio Ópera de Bellas Artes

Orquesta de Cámara de Bellas Artes

César Tavera, director escénico y director de la compañía Baúl Teatro

José Luis Castillo, director concertador

Auditorio de Minas

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Lunes 20

Pedro y el lobo

de Sergei Prokofiev

Orquesta Sinfónica de la Universidad Autónoma de Nuevo León

Claudio Tarris, director artístico invitado

Ana Haydée Calderón, relatora y cantante

Sergei Prokofiev, Pedro y el lobo / Cri-Cri Sinfónico

Teatro Juárez

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Lunes 20

Dúo Chaak

Frutos de la tierra

Isir Almaguer, piano

Turkkan Osman Macías, violín

Vitali, Chaccone en sol menor / Brahms, Sonata no. 2 en la mayor, op. 100 ‘Thun’

/ Revueltas, Tres piezas / Ruiz Armengol, A mis amigos / Bartók, Danzas

rumanas

Salón del Consejo Universitario

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Lunes 20

Abdiel Vázquez CON LA OSUANL

Orquesta Sinfónica de la Universidad Autónoma de Nuevo León

Abdiel Vázquez, piano

Jesús Medina, director artístico

Homenaje a Ricardo Castro

Buxtehude-Chávez, Chacona en mi menor / Castro, Concierto para piano y

orquesta, op.22 / Chaikovski, Sinfonía no. 4 en fa menor

21:00 horas

Teatro Juárez

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Martes 21

Ensemble Intercontemporain

Julien Leroy, director

Sophie Cherrier, flauta / Didier Pateau,

oboe / Jérôme Comte, clarinete / Alain

Billard, clarinete bajo / Pascal Gallois,

fagot / Jean-Christophe Vervoitte,

corno / Jean-Jacques Gaudon,

trompeta / Jérôme Naulais, trombón

/ Jeanne-Marie Conquer,

violín / Hae-Sun Kang, violín / Odile

Auboin, viola / Pierre Strauch,

violonchelo / Nicolas Crosse,

contrabajo / Hidéki Nagano,

piano / Dimitri Vassilakis, piano

Varèse, Octandre / Sciarrino, Introduzione all’oscuro / Fuentes,

Rincontri / Fujikura, Fifth Station / Ligeti, Concierto de cámara para

trece instrumentos

21:00 horas

Teatro Juárez

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Martes 21

Paso del Norte

Sinfónica de alientos de la policía federal

Víctor Rasgado

Basada en la obra de Hugo Salcedo, El viaje de los cantores

Luis Martín Solis, director de escena

Arturo Quezadas, director concertador

Erika Torres, coreógrafa

Benito Navarro, barítono

Lourdes Ambriz, soprano

José Guadalupe Reyes, tenor

Teatro Principal

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Martes 21

Ensamble Barroco de la Universidad de Guanajuato

Vivaldi instrumental vs. Vivaldi vocal

Fabrizio Ammetto, director artístico y concertador

Vivaldi, Concerto ripieno en do mayor, RV 115; Motete ‘Carae rosae, respirate’,

RV 624; Concierto en re menor, RV 565; Concierto en sol menor, RV 157;

Cantata ‘Amor, hai vinto’, RV 683; Concierto en la mayor, RV 520

Templo de la Compañía

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Miércoles 22

Bach Collegium Japan

J. S. Bach. Señor, tus ojos miran por la fe

Masaaki Suzuki, director

Hana Blažíková, soprano / Robin Blaze,

contratenor / Bernhard Brechtold,

tenor / Dominik Wörner, bajo

J. S. Bach, Cantata BWV97 ‘In allen meinen Taten’; Cantata BWV102

‘Herr, deine Augen sehen nach dem Glauben!’; Concierto para dos violines

en re menor; Misa luterana en sol mayor

21:00 horas

Teatro Juárez

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Jueves 23

Rodolfo Ritter

El piano de Shakespeare y Cervantes

Münch, Shakespeare Suite / Tchaikovsky-Lippold, Fantasía op. 18 ‘La

tempestad’ / Nabokov, Le Coeurde Don Quijote / Tchaikovski-Ritter, Romeo

y Julieta, ‘Obertura’ / Mendelssohn-Liszt-Horowitz, Sueño de una noche de

verano, ‘Marcha nupcial’

20:00 horas

Museo Iconográfico del Quijote

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Jueves 23

Ryu Goto con la OSUG

Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato Orquesta residente del

festival internacional cervantino

Juan Pablo Izquierdo, director invitado

Gluck, Obertura de la ópera Ifigenia en Aulis / Paganini, Concierto no. 1

para violín / Brahms, Sinfonía no. 3

21:00 horas

Teatro Juárez

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Viernes 24

Misa Glagolítica

Leoš Janáček

Coro Filarmónico de Praga

Orquesta Filarmónica de la UNAM

Lukáš Vasilek, director del coro

Jan Latham-Koenig, director artístico de la OFUNAM

Dana Burešová, soprano

Guadalupe Paz, mezzosoprano

Yaroslav Abaimov, tenor

Jesús Suaste, barítono

Tchaikovsky ‘Marcha eslava’ / Dvorak, ‘Aria de la luna’ de la ópera Rusalka /

Tchaikovsky, ‘Kuda, kuda’, de la ópera de Eugenio Onegín / Janáček, Misa

glagolítica

21:00 horas

Teatro Juárez

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Viernes 24

Mediterráneo sin muros

Dorantes, compositor y director

Francis Posé, contrabajo / Javi Ruibal,

canto, guitarra / Lionel Suárez,

acordeón, bandoneón / Faiçal

Kourrich, violín / Yannis Papaioannou,

20:00 horas

Explanada de la Alhóndiga

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Viernes 24

Daniela Liebman

Bach, Partita no. 2 / Beethoven, Sonata en mi menor no. 21, op. 72 ‘Waldstein’ /

Chopin, Impromptu no. 1 en la bemol mayor, op. 29; Nocturno en mi menor, op.

72 / Liszt, La lieggerezza / Rachmáninov, Elégie no. 1 en mi bemol menor, op. 3 /

Filiippenko, Toccata

Templo de la Compañía

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Viernes 24

Ensamble de música antigua Los Tiempos Pasados

Música jocunda

Armando López Valdivia, director e instrumentista

Beatriz Eleanor López Wunsch, mezzosoprano e

instrumentista / Karla López Wunsch, soprano /

Alejandro Alcázar López, instrumentista / Daniel

Zermeño Torres, percusiones

Anónimo, Saltarelo (Siglo XVI) / Alfonso X El Sabio, Cantigas / Lírica latina (Siglo

XII), Orientis Partibus (Conductus) / Ricardo Corazón de León, Ja nuns hons

pris (Siglo XII) / Anónimo Tradicional, Nana / Anónimo sefardita, Todos los días

Lamento de Tristán y Rotta (Siglo XIV) / de la Torre, Danza alta (Siglo XVI) /

Attaignant, Tourdeon / Byrd, Fortune my foe (Siglo XVI) / Corkine, Come live

with me (Siglo XVII) / Henry VIII, Pass time whit good company, (Siglo XVI) /

Dowland, Now, O Now / Regnart, Villanelas (Siglo XVI) / Anónimo, La perra mora

/ de Zumaya, Christus factus est / Pisador, Paseábase el rey moro / Anónimo

sefardita, La Rosa linda

Templo de la Valenciana

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Sábado 25

Academia Cervantina

Concierto de Clausura

Juan Trigos, director

Revueltas, Planos / Copland, Music for Theater / Stravinsky, Concierto en mi

bemol ‘Dumbarton Oaks’ / Ligeti, Kammerkonzert

Templo de la Valenciana

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Sábado 25

Les Arts Florissants

L’Air Français

Elodie Fonnard, soprano

Marc Mauillon, bajo

William Christie, director

Lully, Monsieur de Pourceaugnac / Couperin, Airs sérieux et à boire;

Épitaphe d’un paresseux ‘Jean s’en alla’; Doux liens de mon coeur;

Qu’on ne me dise plus que c’est la seule absence; Les Pèllerines /

Le Roux, Suite en ré / de la Guerre, Le sommeil d’Ulisse / Bernier, Jupiter

et Europe / Marais, Les voix humaines / Campra, Les femmes / Stradella,

Piangete occhi (extracto) / Marais, Les Folies d’Espagne / Bernier,

dúo ‘O nuit, c’est à tes voiles sombres’, de Diane et Endymion / Montéclair,

Godimento e pena in Amore; aria ‘Sortez, tonnez vents furieux’, de

L’enlèvement d’Orithie / Clérambault, aria ‘Régnez, brillante Flore’, de L’isle

de Délos / Campra, dúo de Colombina y Arlequín ‘Que vois-je! Quel objet!’,

de Fêtes Vénitiennes

Templo de la Valenciana

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Sábado 25

Annar Follesø y Wolfgang Plagge

Halvorsen, Air norvégien, op. 7 / Grieg, Sonata para violín no. 1 en fa mayor /

Bull, Las montañas de Noruega / Revueltas, Tres piezas / Bull, Variaciones sobre

Lilly Dale

Salón del Consejo Universitario

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Sábado 25

Les Cris de Paris

Memento mori. Tout est vanité

Geoffroy Jourdain, director

Benjamin Lazar, actor / Karen Vourc’h y Edwige Parat, sopranos / Manuel Núñez

Camelino, contralto / Marc Mauillon o Emiliano González Toro (alternando),

tenores / Lisandro Abadie o Christian Immler (alternando), barítonos

Monteverdi, O ciechi, il tanto affaticar che giova, Chi vol che m’innamori / Rossi,

Disperar di se stesso / Bossuet, Sermon du Mauvais Riche/ Monteverdi, È questa

vita un lampo / Rossi, Lamento della Maddalena; La Cecità

21:00 horas

Teatro Juárez

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Domingo 26

Nueva España. Los sones de la tierra

Ensemble Mare Nostrum / Tembembe

Ensamble Continuo

Nora Tabbush, soprano

Templo de la Valenciana

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CICLO ESPECIAL

Rudolf Buchbinder

32 sonatas de Beethoven

Templo de la Valenciana

Concierto I Jueves 9/12:00 horas

Sonata no. 1 en fa menor, op. 2/1;

Sonata no. 10 en sol mayor, op. 14/2; Sonata no. 13 en mi bemol mayor,

op. 27/1 ‘Quasi una fantasia’ / Sonata no. 17 en re menor, op. 31/2

‘Tempestad’ / Sonata no. 18 en mi bemol mayor, op. 31/3 ‘La caza’

Concierto II Viernes 10/12:00 horas

Sonata no. 5 en do menor, op. 10/1;

Sonata no. 12 en la bemol mayor, op.

26 ‘Marcha fúnebre’ / Sonata no. 22 en

fa mayor, op. 54 / Sonata no. 4 en mi

bemol mayor, op. 7 ‘Grand Sonata’ /

Sonata no. 14 en do sostenido menor,

op. 27/2 ‘Claro de luna’

Concierto III Sábado 11/12:00 horas

Sonata no. 3 en do mayor, op. 2/3;

Sonata no. 19 en sol menor, op. 49/1;

Sonata no. 26 en mi bemol mayor, op. 81a ‘Los adioses’ / Sonata no. 7 en re mayor, op. 10/3; Sonata no. 28 en la mayor, op. 101

Concierto IV Sábado 11/17:00 horas

Sonata no. 6 en fa mayor, op. 10/2;

Sonata no. 24 en fa sostenido mayor,

op. 78 ‘A Thérèse’/ Sonata no. 16 en sol mayor, op. 31/1; Sonata no. 29 en si bemol mayor, op. 106 ‘Hammerklavier’

Concierto V Domingo 12/12:00 horas

Sonata no. 2 en la mayor, op. 2/2;

Sonata no. 9 en mi mayor, op. 14/1;

Sonata no. 15 en re mayor, op. 28

‘Pastoral’ / Sonata no. 27 en mi menor,

op. 90 / Sonata no. 23 en fa menor, op.

57 ‘Appassionata’

Concierto VI Domingo 12/17:00 horas

Sonata no. 11 en si bemol mayor,

op. 22 ; Sonata no. 20 en sol mayor,

op. 49/2; Sonata no. 8 en do menor,

op. 13 ‘Patética’ / Sonata no. 25 en sol mayor, op. 79 ‘Cuckoo’ / Sonata no. 21 en do mayor, op. 53 ‘Waldstein’

Concierto VII Lunes 13/12:00 horas

Sonata no. 30 en mi mayor, op. 109 /

Sonata no. 31 en la bemol mayor, op.

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9–25 de Octubre

Teatro y ópera en pantalla gigante

Se presentará un ciclo de las mejores óperas basadas en la obra de William

Shakespeare con el apoyo de Universal Music.

Entrada libre

Antiguo Patio de Relaciones Industriales de la Universidad de Guanajuato

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