La Traviata de Verdi, 
protagonizada por Sonya Yoncheva, Michael Fabiano y Thomas Hampson, dirigida por Nicola Luisotti. Producción de Willy Decker. Desde el 11 de marzo de 2017. 

Domingo 27 de junio de 2021, 18:30 Hrs. -Estará Disponible hasta el día siguiente-

Visita: https://www.metopera.org/season/on-demand/opera/?upc=811357019405

Evento GRATUITO 

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La Traviata
con Natalie Dessay, Mateo Polenzani, y Dmitri Hvorostovsky, la dirección de Fabio Luisi. Producción de Willy Decker. Desde el 14 de abril de 2012.

Miércoles 16 de junio de 2021, 18:30 Hrs. -Estará Disponible hasta el día siguiente-

Visita: https://www.metopera.org/season/on-demand/opera/?upc=811357015179

Evento GRATUITO 

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La Traviata de Verdi, 
protagonizada por Ileana Cotrubas, Plácido Domingo y Cornell MacNeil, dirigida por James Levine. Producción de Colin Graham. Desde el 28 de marzo de 1981. 

Viernes 30 de abril de 2021, 18:30 Hrs. -Estará Disponible hasta el día siguiente-

Visita: https://www.metopera.org/season/on-demand/opera/?upc=811357017531

Evento GRATUITO 

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La Traviata, Verdi
protagonizada por Diana Damrau, Juan Diego Flórez, y Quinn Kelsey, realizado por Yannick Nézet-Séguin. 

Jueves 19 de noviembre de 2020, 18:30 Hrs. -Estará Disponible hasta el día siguiente-

Visita: https://www.metopera.org/season/on-demand/opera/?upc=810004200630

Evento GRATUITO 

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En 1858, Verdi empieza a trabajar en Un ballo in maschera, ópera cuyo violento desenlace (que incluye un regicidio) le acarrea la censura de las autoridades italianas, y más porque en enero de ese mismo año Napoléon III había sido víctima de un intento de asesinato en París. Serán necesarios múltiples cambios en la trama, los personajes, el entorno y la época para que Un ballo in maschera pueda ser estrenada en el Teatro Apollo de Roma en febrero de 1859. En agosto del mismo año, por fin y después de largos años de vivir juntos, Giuseppe Verdi y Giuseppina Strepponi contrajeron matrimonio. Por si fuera poco, en diciembre de 1860 el Teatro Real de San Petersburgo comisionó al compositor una ópera, con lo que el matrimonio Verdi hará las maletas para viajar a Rusia. La forza del destino se estrenará —con gran decepción del público ruso— en el actual Teatro Mariinski el 10 de noviembre de 1862.

Capítulo 5

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Domingo 21 de junio de 2020, 18:30 Hrs. -Estará Disponible hasta el día siguiente-

Visita: https://www.metopera.org/season/on-demand/opera/?upc=811357019405

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El pasado sábado 15 de diciembre asistimos, en un Auditorio Nacional lleno a reventar, a la proyección en vivo de La traviata, una de las óperas más famosas de Verdi, desde el Met de Nueva York. Esta enorme afluencia de público no era de extrañar, porque se trata de una de las óperas favoritas de todos los tiempos y porque los estelares corrieron a cargo de dos superestrellas del momento: la soprano alemana Diana Damrau y el tenor lírico peruano Juan Diego Flórez. Y en verdad se trató de un espectáculo difícil de olvidar, aunque tal vez no por las razones esperadas.

Quizá el Auditorio Nacional no esperaba tan nutrida audiencia, pero lo cierto es que esta vez las amables señoritas que nos ayudan a encontrar nuestros lugares no se dieron abasto. El resultado fue que, una vez iniciado el espectáculo, todavía había “tapones” de gente en los pasillos, brillos de lámparas por aquí y por allá, acaloradas discusiones por un asiento y filas completas de espectadores que tenían que levantarse para que un recién llegado cruzara hasta una butaca vacía al otro extremo… antes de darse cuenta de que ese no era su asiento y volver a hacer que todo el mundo se levantara para poder seguir en busca del lugar correcto.

Giuseppe Verdi: fragmento de Libiamo ne’lieti calici (La traviata) / Diana Damrau (Violetta Valéry), Juan Diego Flórez (Alfredo Germont), el coro y la orquesta del Met, dirige Yannick Nézet-Séguin

Lo segundo que hay que mencionar es la puesta en escena de Michael Mayer, que vino a sustituir la controvertida propuesta de corte minimalista de Willy Decker, caracterizada por una atmósfera fría y aséptica en la que un gigantesco reloj dominaba el escenario. Inicialmente, la hermosa camelia en tonos violeta proyectada sobre el fondo negro del telón nos hizo pensar que se trataría de una puesta en escena sobria e interesante, pero esta nueva producción es —literalmente— la antítesis de la anterior: Michael Mayer, la escenógrafa Christine Jones y la diseñadora de vestuario Susan Hilferty optaron por una sobrecargadísima propuesta de corte “tradicional” abundante en “elegantes” (?) adornos dorados (que hacían lucir la alcoba de Violetta Valéry como el altar churrigeresco de una catedral novohispana) y llamativos vestuarios “de época” en colores amerengados (que nos hicieron pensar en los pasteles para las quinceañeras) y con diseños evocativos del tapiz de los sillones de mi abuelita. Peor aún: el “buen gusto” se extendió a los cinco muebles que permanecieron en escena durante toda la ópera. Así, la desgarradora historia de amor entre Violetta Valéry y Alfredo Germont se desarrolló en medio del más artificioso kitsch que un escritorio, un taburete, una mesita de noche, una cama, una silla y un piano de color azul pastel (este último con inexplicables reproducciones de cuadros de Remedios Varo en sus costados) pueden transmitir.

Esta abigarrada puesta en escena —cuya única “novedad” consistió en presentar la historia como si fuera un flashback de la agonizante Violetta, punto de vista que ya había abordado Franco Zeffirelli hace casi cuarenta años— parecía diseñada más para distraernos visualmente que para sumergirnos en la acción, lo cual resulta innecesario cuando tienes protagonistas del calibre de Damrau y Flórez, pero el problema fue que la acción era bastante acartonada y predecible: Diana Damrau se la pasó levantándose de la cama para sentarse ante el escritorio, luego se recargaba en el piano… y volvía a arrojarse a la cama. Juan Diego Flórez se paraba al lado de la cama, caminaba hacia el escritorio… y se volvía a parar al lado de la cama.

Primero enfundada en albo camisón, luego con vistosos vestidos de fiesta también blancos (que tal vez querían simbolizar la inocencia de corazón de Violetta Valéry) y al final nuevamente con el camisón, Diana Damrau tuvo un desempeño vocal impecable. Aunque al inicio sonó bastante tibia, poco a poco su voz fue cobrando la inigualable textura que la ha colocado entre las sopranos favoritas del público. Así, en el primer acto le imprimió una luminosidad y jovialidad tan vigorosa que llego a poner en problemas por momentos a Juan Diego Flórez, sobre todo en el dueto Un dì, felice, eterea. Su interpretación de la esperada aria Sempre libera fue correcta y emotiva, aunque la suavidad que imprimió a su voz hizo que por momentos corriera el riesgo de verse opacada por la orquesta. Sin embargo, a partir del segundo acto, la soprano fue en admirable ascenso y consiguió ofrecer una interpretación fascinante e intensa, sobre todo en el doloroso dueto con Germont, donde imprimió a su voz un tan sobrecogedor como hermoso tono oscuro, lleno de dolor y desesperación que terminó helándonos la sangre cuando entonó Amami, Alfredo y, en el tercer acto, cuando —ya moribunda y con unas impresionantes toses demasiado realistas— lee la carta y concluye con un desgarrador “E tardi!”. Desafortunadamente, tan dramático momento se vio hecho pedazos por el insistente llamado de un teléfono celular (tal vez en el Met, tal vez en el Auditorio Nacional. Es más sano no hace conjeturas), además de que, a lo largo de toda la ópera, parecía que el piso estaba recién pulido o que Damrau estaba estrenando tenis porque, cada que caminaba, sus pasos desprendían sendos rechinidos. Mejor ni hablar de las partes donde baila, y mucho menos de la terrible dirección actoral, que la hizo adoptar poses y gestos caricaturescos que dieron al traste con el dramatismo en más de un momento y llegaron a provocar involuntarias risas por parte del público.

Giuseppe Verdi: Sempre libera (La traviata) / Diana Damrau (Violetta Valéry) y la orquesta del Met, dirige Yannick Nézet-Séguin

Por su parte, Juan Diego Flórez también dio de que hablar con su encarnación de Alfredo Germont, el impetuoso enamorado de Violetta Valéry. Primero vestido como el Cascanueces y luego con un atuendo negro como de vaquero que parecía reciclado de la pasada producción de La fanciulla del West (presentada en octubre), Flórez deambuló sin ton ni son por el escenario dando enormes zancadas (suponemos que porque Alfredo es un joven impulsivo) y luciendo su hermosa y bien modulada voz, sobre todo en O mio rimorso y en el bello dueto íntimo Parigi, o cara, aunque la pésima dirección escénica hizo que, en los momentos en que la agonizante Violetta está poco  menos que arrastrándose para subir a la cama, en vez de dar un paso al frente para sostenerla, este Alfredo se quedara parado como… un cascanueces. Vocalmente, Flórez ha ido ampliando gradualmente su repertorio a personajes más “pesados” que los que acostumbraba interpretar. Sin embargo, a pesar de la buena voluntad, Verdi no es Bellini y el rango del tenor peruano no es muy amplio. Es cierto que les da un brillo muy disfrutable a las notas altas y que su timbre es claro y delicado, pero la densa masa orquestal y los apabullantes coros verdianos lo hicieron vérselas negras y desaparecer —literalmente— en más de una ocasión, por ejemplo en la escena del brindis. Para el segundo acto, donde las notas de Alfredo se mueven en un registro bajo, la voz de Flórez se notaba un tanto cansada. Sin embargo, supo sobreponerse y ofreció momentos memorables, como cuando cantó con un refinamiento poco usual el aria De’ miei bollenti spiriti, cuando se le puso al tú por tú (no sin notorio esfuerzo) a la orquesta en O mio rimorso o cuando cantó, al lado de Damrau, el dueto Parigi, o cara.

Giuseppe Verdi: O mio rimorso (La traviata) / Juan Diego Flórez (Alfredo Germont) y la orquesta del Met, dirige Yannick Nézet-Séguin

Por su parte, espléndidamente cantado pero actoralmente bastante descuidado resultó el Germont del bajo Quinn Kelsey. Su voz es elegante y posee un atractivo tono oscuro que hizo lucir, sobre todo en Pura siccome un angelo y en Di Provenza il mar, il suol. Sin embargo, aunque su desempeño vocal fue sólido y correcto, la dirección actoral hizo de Germont un personaje estático que parecía pedirle permiso a un pie para mover el otro y que, en todo momento desde que aparece en escena, se mueve tímidamente detrás de Alfredo como mendigando su perdón.

Haciendo a un lado la inexplicable presencia de un grupo de bailarines que parecían prófugos del Cirque du Soleil y que estaban maquillados como calaveras de la película Coco de Pixar (por fin, ¿es una puesta “de época” o no?), la orquesta y el coro del Met tuvieron el impecable desempeño que acostumbran. Sin duda, la única figura que estuvo cerca de opacar a tan excesiva puesta en escena fue el siempre sonriente Yannick Nézet-Séguin, quien con esta ópera se estrenó propiamente como nuevo director musical del Met. Vamos, hasta se le dedicó un extenso minidocumental en el primer intermedio y pudimos ver cómo su batuta salía volando “accidentalmente” al inicio del segundo acto. Pero el vigor con el que dirigió a la orquesta y su inteligente lectura de la partitura de Verdi, en la que se valió de un efecto de “alargamiento” de las notas para enfatizar la fragilidad emocional de la protagonista e hizo un arriesgado uso de los silencios para crear un interesante efecto dramático, no fueron suficientes para liberar al público del hechizo del kitsch porque, después de que Violetta entregara el alma en medio de una lluvia de papelitos brillantes que al caer al suelo hacían más ruido que una docena de bolsas de papas fritas, el respetable aplaudió a rabiar. Y es que, a pesar de la torpe dirección escénica, los rechinidos en el suelo, la saturación de colores pastel, la disposición prefabricada y complaciente de los detalles, el mal gusto en los decorados, las llamadas de celular y los imperdonables anacronismos en muebles y vestuarios, ¡el público quedó encantado! Al encenderse las luces, pudimos observar a más de una dama todavía secándose las lágrimas o dando, con los ojos enrojecidos, un discreto retoque a su maquillaje. Los comentarios sobre el desempeño de los solistas y la orquesta eran escasos, mientras que la desmedida puesta en escena recibía todos los halagos. Como decía el cantautor argentino Facundo Cabral: “Cosa extraña es el hombre…”.

Giuseppe Verdi: Addio, del passato (La traviata) / Diana Damrau (Violetta Valéry) y la orquesta del Met, dirige Yannick Nézet-Séguin

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La traviata está basada en la novela La dama de las camelias de Alexandre Dumas hijo, cuyo libreto [sic] elaboró Franceso María Piave que se inspiró a su vez en el personaje de Maria Duplessis (Rose-Alphonsine Plessis), una joven engañada en su adolescencia por un hombre. Para ocultar su deshonra viajó a París y se empleó como costurera, siendo constantemente asediada por los hombres debido a su belleza y natural distinción.

No tardó en ser aconsejada por una vividora que la presentó con individuos adinerados que a cambio de sus favores la rodearon de lujos. Llamada Marguerite Gautier, en La traviata pasó a ser Violetta Valéry, protagonista de esta célebre partitura que tuvo el día de su estreno en Venecia uno de los más sonados fracasos en la historia de la ópera.

Las razones de ese fracaso pudieron ser varias. Por una parte, la protagonista Fanny Salvini-Donatelli tenía 38 años de edad y para la época era considerada una cantante vieja que además tenía sobrepeso y no encajaba con la enfermedad de Violetta, tuberculosis. Otro factor era que el mismo Verdi se había sentido pesimista por el mediocre desempeño de los cantantes principales, la ya mencionada Salvini-Donatelli, el tenor Lodovico Graziani y el barítono Felice Varesi, que manifestaban abiertamente su desagrado a la obra. Verdi escribió un día después a su amigo Emanuele Muzio: “La traviata, anoche un fracaso. ¿Fallo mío o de los cantantes? El tiempo lo dirá”.

Después de una profunda restructuración en el lapso de un año, se escenificó en el Teatro San Benedetto de Venecia el 6 de mayo de 1854 y alcanzó un enorme éxito en público y en crítica, gran parte debido a la presentación de la soprano Maria Spezia-Aldighieri, que causó gran sensación.

La traviata es una de las óperas que más se programa en el mundo; por ejemplo en el Metropolitan Opera de Nueva York se han realizado, entre 1883 y 2018, la cantidad nada despreciable de 1,011 funciones, más la de hoy.

Fuente: José Octavio Sosa en el programa de mano del Auditorio Nacional para las proyecciones En vivo desde el MET de Nueva York, temporada 2018-2019

Giuseppe Verdi: fragmento de Libiamo ne’lieti calici (La traviata) / Diana Damrau (Violetta Valéry), Juan Diego Flórez (Alfredo Germont), el coro y la orquesta del Met, dirige Yannick Nézet-Séguin

El próximo sábado 15 de diciembre a las 12:00 p.m se transmitirá en el Auditorio Nacional, en vivo desde el MET de Nueva York, La traviata de Giuseppe Verdi. En los papeles principales estarán la soprano alemana Diana Damrau como Violetta Valéry, el tenor peruano Juan Diego Flórez como Alfredo Germont y el barítono estadounidense Quinn Kelsey como Giorgio Germont. La producción de época, a cargo de Michael Mayer, sustituye a la producción contemporánea de Willy Decker que era ya sello inconfundible del Met. La orquesta y el coro del Met estarán bajo la batuta de su director titular, el francocanadiense Yannick Nézet-Séguin.

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El pasado 11 de marzo fuimos testigos, en un Auditorio Nacional prácticamente lleno, de una de las mejores representaciones operísticas que el MET de Nueva York nos ha ofrecido en su temporada 2016-2017: La traviata, una de las grandes obras de Giuseppe Verdi y —sin tomar en cuenta su desastroso estreno en 1853— una de las favoritas del público de todos los tiempos.

Infinidad de versiones de La traviata se han puesto en escena y grabado a lo largo de los últimos 164 años —imposible olvidar, por ejemplo, la legendaria interpretación que el 27 de marzo de 1958 hicieron una inmejorable María Callas y un jovencísimo Alfredo Kraus con la Orquesta del Teatro Nacional de São Carlos (Portugal) bajo la dirección de Franco Ghione—, por lo que cualquier nueva puesta en escena de esta dramática historia siempre se enfrenta a un apabullante peso comparativo histórico. Y esta es precisamente la razón por la que nos parece que la interpretación de este fin de semana fue un verdadero triunfo en todos los sentidos.

El de Violetta Valéry es uno de los papeles más complicados jamás escritos por Verdi. La partitura exige un amplísimo rango vocal (que pueda cubrir desde las luminosas florituras iniciales hasta el lóbrego lamento final), además de un desgaste físico impresionante (Violetta no para de cantar prácticamente en ningún momento) y grandes dotes actorales (el personaje pasa por una sutil pero fuertísima evolución psicológica que hay que saber transmitir), lo cual lo ha convertido en uno de los papeles más codiciados, pero también de los más temidos, por cualquier soprano que anhele formar parte de las grandes ligas de la historia de la música. Y en esta ocasión tenemos que decir que la joven soprano búlgara Sonya Yoncheva consiguió superar con creces las dificultades planteadas por este protagónico para hacer entrega de una Violetta impresionantemente cantada y soberbiamente actuada. Menudita y de frágil apariencia, parecía que Yoncheva sucumbiría bajo el gigantesco peso de cientos de Violettas históricas. Sin embargo, bastó con que abriera la boca para que —gracias a una técnica vocal impecable— se adueñara por completo del escenario y cautivara al público con una de las mejores traviatas que hemos escuchado en años. Su desempeño actoral también fue óptimo, y Yoncheva creó con total naturalidad a una Violetta que pasa sin ninguna dificultad del hastío y la complacencia que le provocan la adoración lúbrica de que la hacen objeto los hombres a la ternura para con el hombre al que ama, la dignidad frente al hombre que le pide que deje de amar y, finalmente, la desesperación y el miedo de la mujer enferma que sabe que sus días están contados.

Por su parte, el joven tenor estadounidense Michael Fabiano ofreció un Alfredo Germont —el único hombre que verdaderamente ama a Violetta Valéry— intenso y cautivante. El desarrollo vocal de Fabiano fue lo mismo sutilmente delicado en los momentos de intimidad con la mujer amada, que paroxísticamente brutal en los momentos de furia y despecho (de antología resultó la escena donde humilla públicamente a Violetta). Conocemos la cuidadosa calidad interpretativa de Fabiano, pero su demasiado simpático porte nos hacía temer que su Alfredo no resultara creíble actoralmente. Afortunadamente, el cantante consiguió imprimir a su personaje la dosis exacta de mansedumbre y esperanza (cuando todavía está cortejando a la traviata), de pasión y decisión (cuando por fin vive con ella) y de dolor e impotencia (cuando Violetta agoniza frente a sus ojos). Además, la acertada química escénica existente entre ambos solistas logró hacer realmente inolvidables momentos como en el famosísimo brindis del Acto I (Libiamo, libiamo ne’lieti calici) o en el emotivo y desgarrador Amami, Alfredo que canta Violetta envuelta en los brazos de su amado poco antes de huir de él para volver a la vida galante.

Completó el trío protagónico el veterano barítono estadounidense Thomas Hampson, quien —con la indiscutible calidad interpretativa a que nos tiene acostumbrados— dio vida a un impecable Giorgio Germont, padre de Alfredo. Preocupado porque la relación de su hijo con una cortesana está manchando el honor familiar, Giorgio trata de alejar a Violetta del que tal vez sea su único y verdadero amor. El brillante desempeño actoral de Hampson logró convertir a Giorgio de un viejo hipócrita e inconmovible en un carismático padre no solo preocupado por el futuro de su hijo, sino también vacilante ante la oportunidad de amar que sabe que le está arrebatando a la joven pareja, luego inflexible cuando reprende a Alfredo después de que este ha humillado a Violetta y finalmente arrepentido cuando asiste, impotente, a la agonía de la desventurada dama de las camelias.

Como sucede en prácticamente todas las óperas de Verdi, el coro tiene una importancia fundamental. Totalmente en sincronía con la intención del compositor de que La traviata tiene que ser una ópera “de su momento”, los integrantes del coro del MET aparecieron en escena convertidos en elegantes y desalmados yuppies contemporáneos. Sus impecables trajes y corbatas negros los hicieron parecer voraces cuervos ávidos de poseer a Violetta. Cabe mencionar que uno de sus mejores momentos tiene lugar durante la delirante fiesta con que concluye el Acto II (Noi siamo zingarelle y È Piquillo, un bel gagliardo), en la que, ataviados con perturbadoras máscaras que caricaturizan a Violetta y a Alfredo, los integrantes del coro bailan desenfrenadamente mientras un hombre travestido como la protagonista se contonea con grotesca lascivia por todo el escenario.

Verdi construyó la partitura de La traviata como una sucesión encadenada de música “de baile” que recrea el ambiente del París de su época y cuya unidad, al igual que sucede con la protagonista, se va desmoronando conforme transcurre la historia hasta terminar siendo, abiertamente, una marcha fúnebre de tintes casi abstractos. El experimentado director italiano Nicola Luisotti, quien en esta ocasión estuvo al frente de la orquesta del MET, así lo entendió y —desde el famosísimo preludio del Acto I hasta los últimos acordes— ofreció una espléndida y equilibrada lectura de la partitura, permeada con una inquietante aura lúgubre que no abandonó en ningún momento la interpretación.

Para concluir, mención aparte merece la aclamadísima producción del director de escena alemán Willy Decker, estrenada en Salzburgo en el 2005 con una Traviata interpretada por Anna Netrebko y Rolando Villazón. En su propuesta, Decker opta por un escenario semicircular despojado de cualquier elemento ajeno a los protagonistas y donde los pocos elementos presentes tienen un claro simbolismo. Por ejemplo, el enorme reloj que marca inexorablemente la cuenta regresiva del poco tiempo de vida que le queda a Violetta Valéry, el ya clásico vestido rojo que simboliza el deseo que la joven despierta en los hombres, la inseparable camelia que representa la pureza inmarchitable de su amor (además de ser una clara referencia a la novela que sirvió de inspiración a Verdi) o la inquietante presencia de un misterioso personaje vestido de negro que la sigue a todas partes y que solo Violetta parece ver. Además, el espacio vacío delimitado por esa especie de muro altísimo y desnudo semeja una especie de celda donde el sufrimiento de Violetta es exhibido para el deleite y entretenimiento del coro, que se la pasa mirando con curiosidad desde arriba.

Al final, el público del MET reconoció con una prolongada ovación el espléndido resultado de semejante conjunción de talentos. De este lado, los espectadores del Auditorio Nacional abandonaban el recinto satisfechos. Amenazaba lluvia, pero el espectáculo realmente había valido la pena.

Giuseppe Verdi: Sempre libera (La traviata, Acto I) / Anna Netrebko (Violetta) y Rolando Villazón (Alfredo)

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Hace aproximadamente dos meses tuvimos la oportunidad de asistir a la proyección desde el MET de Nueva York de Nabucco, tercera ópera de Giuseppe Verdi y su primer gran éxito. En esta ocasión, como parte de la misma temporada 2016-2017, el próximo 11 de marzo tendremos la oportunidad de presenciar La traviata, decimonovena ópera del prolífico compositor italiano y uno de sus más estrepitosos fracasos, al menos en 1853, el año de su estreno.

Y es que los admiradores verdianos de la época preferían que las óperas de su compositor favorito tuvieran lugar en países distantes o, cuando menos, en épocas lejanas, y que los cantantes salieran a escena ataviados con llamativos trajes históricos. Hasta entonces, Verdi había complacido a su público con óperas donde Juana de Arco, Atila y Macbeth —entre otros— eran los personajes principales. Sin embargo, con La traviata hizo entrega de una obra totalmente atípica dentro de su producción porque, en vez de otro grandilocuente drama histórico, Verdi compuso un intenso drama psicológico de corte intimista y realista… tan realista que ocurría precisamente en la misma época que él y su público estaban viviendo. Peor aún: los personajes no salían a escena ataviados con armaduras o con túnicas, sino con el mismo tipo de flamantes esmóquines y vestidos de noche que los espectadores se ponían para asistir a las galas de ópera.

La razón es que, para La traviata, Verdi y Francesco María Piave, su libretista, se habían basado en una adaptación teatral de La dama de las camelias, novela escrita por Alexandre Dumas hijo tan solo un año antes, en 1852. En su libro, Dumas narra sucesos verídicos relacionados con la vida de Marie Duplessis (llamada Marguerite Gautier en la novela y Violetta Valéry en la ópera), una joven cortesana parisina con quien había sostenido un breve romance y que murió de tuberculosis a los 23 años de edad.

Cuando inició la composición de La traviata, Verdi se encontraba en plena madurez creativa y había hecho importantes modificaciones dentro de su estilo. Para empezar, su música poseía ya una cohesión excepcional, y sus personajes tenían una profundidad psicológica pocas veces vista en la historia de la ópera. Con La traviata el compositor estaba cerrando su brillante y audaz “trilogía popular” iniciada con Rigoletto (1851) y continuada con Il trovatore (1853). La principal característica de esta terna es que sus protagonistas son personajes marginales —un bufón jorobado en la primera, una gitana asesina en la segunda y una prostituta tuberculosa en la tercera— que, tras ser sometidos a duras pruebas por su entorno social, tienen la oportunidad de recuperar postreramente su humanidad perdida por medio del dolor, el amor y la muerte. Así, Violetta Valéry, “la traviata” (“la perdida” o “la extraviada”, en español) será humillada moralmente y hecha pedazos físicamente por una sociedad biempensante que no acepta ver amenazada su impoluta imagen (donde impera un machismo hipócrita encarnado en Giorgio Germont, padre de Alfredo, el enamorado de Violetta) por una cortesana que parece haber olvidado su condición de mero objeto de placer al atreverse a sentir amor por un joven “de familia respetable”.

La traviata se estrenó el 6 de marzo de 1853 en La Fenice de Venecia. Verdi sabía que estaba arriesgando demasiado porque ya había causado revuelo dos años antes con el protagonista jorobado de Rigoletto, pero en aquella ocasión había triunfado porque la acción ocurría en el siglo XVI y estaba llena de confusiones amorosas, intrigas y aventuras. Sin embargo, el público recibió el estreno de La traviata con el mismo entusiasmo con que recibiría una cubetada de agua fría. No solo la protagonista era una mujer de la vida galante, sino contemporánea suya. Y peor aún: al igual que Dumas en su novela, lo que Verdi estaba haciendo en el plano operístico era poner un espejo en el escenario para reflejar de una manera ferozmente crítica las virtudes, los vicios y las apariencias de los espectadores de su tiempo. Y, siendo sinceros, ¿a quién le gusta que le canten sus defectos, aunque sea en la voz de la mejor soprano?

Para colmo, el papel principal fue interpretado por Fanny Salvini-Donatelli, una soprano que a la sazón tenía 38 años y bastantes kilos de más, por lo que su figura no encajaba con el papel de una frágil jovencita enferma de tuberculosis. Despiadado como los personajes que rodean a Violetta, el público celebró con abucheos y carcajadas el trágico final de La traviata. Tras esa terrible primera representación, los empresarios del teatro —comprendiendo que el público se había sentido identificado y ofendido— decidieron eliminar toda referencia contemporánea y ordenaron situar la acción dos siglos atrás, con todo y los pertinentes cambios de vestuario. No fue sino hasta la década de 1880 que se volvieron a poner en escena producciones “de la época”.

Por su parte, Verdi hizo algunas leves modificaciones a la partitura, y en 1854 volvió a presentar su ópera en Venecia, esta vez en el Teatro San Benedetto. La representación fue todo un éxito (y continúa siendo una favorita del público), pero el compositor decidió volver a terreno seguro al situar en el siglo XIII la acción de I vespri siciliani, su siguiente ópera.

Giuseppe Verdi: Libiamo ne’ lieti calici (La traviata, Acto I) / Venera Gimadieva (Violetta) y Michael Fabiano (Alfredo)

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