Definición

Si definimos la música de forma elemental como el aire en movimiento y percibido como forma artística en un contexto cultural determinado, entonces es tan antigua como el propio ser humano. ¿Quizá sabía cantar el ser humano antes de empezar a hablar y a escribir? Quizá los seres humanos descubrieron rápidamente que podían generarse sonidos y tonos mediante golpes, soplidos y fricciones sobre objetos y que uno podía entenderse de ese modo.

Instrumentos

Los instrumentos musicales más antiguos identificados por la arqueología proceden del Paleolítico, tienen unos 35,000 años y se han hallado repartidos por todo el globo terráqueo. Desde la bramadera (todo el mundo conoce el ruido que se produce cuando se agita rápidamente un palo en el aire) y el raspador (cuando un palo se frota contra otro palo con incisiones), desde las matracas, los cuernos de animales y las campanas hasta las flautas de hueso, los arcos musicales y el instrumental que conocemos hoy, han pasado milenios – y sin embargo, en el fondo no ha cambiado nada a la hora de producir el sonido.

¿Cómo surgio la música?

Los primeros testimonios de práctica musical se encuentran en un pictograma egipcio del siglo III antes de Cristo; en la Antigüedad surgieron asimismo los primeros escritos teóricos sobre la música en la poesía y en la historiografía. En este contexto, la música de las culturas antiguas desarrolladas estuvo siempre ligada al culto y solo mucho más tarde se convirtió en un arte de expresión estética por sí mismo. Cuando quiera que la música hiciera su aparición en la historia, lo hizo siempre como algo particular, algo noble, que se contaba en todo momento entre los bienes culturales de un pueblo. Así como el ser humano cultiva los campos y extrae de la naturaleza el alimento necesario para sobrevivir, así cultiva (en latín colere, es decir cultivar, cuidar) también el mundo de los sonidos.

Fuente: Annette Kreutziger-Herr y Winfried Bönig, La música clásica: 100 preguntas fundamentales, Madrid, Alianza Editorial, 2010.

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Estatuilla griega de Apolo. 300 a. C. Anónimo.

La muestra explora el diálogo entre el arte y la música, desde la antigüedad y hasta nuestros días. Acerca al público a los enfoques y análisis teóricos sobre la influencia de la música en el arte a través de una perspectiva interdisciplinaria sobre las coincidencias y diferencias conceptuales que han existido entre la imagen y el sonido a lo largo del tiempo y de las conexiones musicales entre las artes de Asia, África, el continente americano y Europa.

Más de un centenar de piezas elaboradas en diversas técnicas ofrecen un amplio panorama de la iconografía de la música en las artes plásticas, y examinan los motivos de la música y su naturaleza simbólica en las obras de arte, con la antigüedad grecorromana como punto de partida, y pasando por las sociedades prehispánicas hasta las expresiones de artistas de la modernidad.

La música tuvo un importante papel en la antigüedad clásica. Los panteones presentaban a dioses y héroes portadores de un encanto seductor gracias a su capacidad de tocar música, hechizando a hombres y bestias. En el mundo prehispánico la representación del objeto musical evocaba las actividades del hombre en su contexto socio-cultural; en la agricultura, por ejemplo, el acto ritual del hombre que toca la flauta, el silbato, el cascabel o el tambor, era un acercamiento a alguna divinidad que favorecía dicha actividad.

La musa Erato y su lira. 1895. John William Godward.

La música y sus rituales 
Las civilizaciones de todo el mundo han tenido en común la necesidad de reunirse para compartir momentos de celebración o espiritualidad. Así, las escenas de corte ritual dan testimonio de los actos de celebración populares.

La música ha sido parte fundamental de la vida cortesana en todo el mundo; las altas esferas de la sociedad (representantes de las buenas costumbres y la cultura) hacían alarde de la virtud y el refinamiento propios de quienes ocupaban el poder.

Por otra parte, la música se ha visto siempre ligada por los temas del amor y el galanteo. La música se convierte en un tema y pretexto para el encuentro amoroso.

El vínculo que une a la música con el reino espiritual es muy antiguo. A menudo, los componentes sonoros y visuales pretendían instruir a los fieles, inspirar devoción y fomentar la espiritualidad.
El teatro y la danza han inspirado desde hace tiempo a los artistas y han ocupado un lugar prominente en el imaginario artístico desde la tradición japonesa del teatro kabuki, hasta el Moulin Rouge de París y el Broadway de Nueva York.

De mulato y mestizo nace mulato, un saltapatrás. 1720. Círculo de Juan Rodríguez Juárez.

Formas musicales 
Los artistas han explorado el potencial de las artes visuales para expresar los tonos y ritmos. El Ragamala es un género de pintura en la India que se desprendió de una tradición musical basada en la improvisación, de modo que cada pintura evoca tonos musicales y estado de ánimo. En el arte moderno muchas pinturas se pueden entender como una respuesta emocional del artista ante la música que estaba escuchando mientras pintaba.

A partir de la abstracción, la pintura moderna se liberó de lo figurativo y se volcó a experimentar con la forma, el color y las dimensiones. Los lenguajes, tanto el plástico como el musical encuentran coincidencias, las composiciones se equiparan a la creación de armonías, al tiempo que se reinterpretan los conceptos de melodía y ritmo.

Hacia la década de los setenta, los artistas se concentraron en los elementos básicos. El minimalismo trabajó con ritmos a partir de formas y colores elementales que plantearon la idea de la ausencia como otra forma de representación; el vacío y el silencio se volvieron también elementos compositivos.

Una fecha que marcaría un antes y un después dentro de la cultura popular contemporánea sería el año 1968, y tiene al rock como la banda sonora que atestigüó importantes cambios en la sociedad. Esta revolución dio origen a un extraordinario género en el arte: el cartel de rock. Las llamativas combinaciones de color y forma emulaban los sorprendentes sonidos de la música y las experiencias provocadas por los alucinógenos que inspiraron el movimiento psicodélico.

Museo del Palacio de Bellas Artes, Ave. Juárez. Abre a las 10:00 a.m.

Fuente: guiarte.com

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Cuenta uno de los más bellos relatos de la mitología griega el trágico amor entre Orfeo -sublime músico y poeta, hijo (de acuerdo con algunas fuentes) de Apolo, dios de la música, y de la musa Calíope, “la de la bella voz”- y la hermosa ninfa Eurídice, quien un mal día fue mordida por una serpiente y murió.

Desesperado ante la muerte de su amada, Orfeo tomó su lira –regalo de su divino padre- y se aventuró a descender a los infiernos para intentar recuperarla. Era tal la belleza de su triste canto que logró conmover al barquero Caronte para que lo trasladara al otro lado de la laguna Estigia, la cual constituía el límite divisorio entre el mundo de los vivos y el de los muertos; luego al Cerbero (el temible can de tres cabezas que fungía como guardián de las puertas del Infierno) para que le franqueara la entrada a la morada de las almas; y finalmente a los mismísimos reyes del inframundo, Hades y Perséfone, quienes le permitieron volver al mundo de los vivos acompañado de Eurídice a condición de que caminase delante de ella y sin voltear a verla sino hasta que ambos estuvieran totalmente afuera del inframundo, bañados nuevamente por la luz del sol.

Orfeo aceptó el trato -que ponía a prueba su confianza- e inició el regreso al mundo de los vivos, seguido de cerca por Eurídice y logrando dominar sus ansias de verla durante todo el recorrido. Sin embargo, traicionado en el último instante por la duda, miró hacia atrás para asegurarse de que ella aún lo seguía. Eurídice aún tenía un pie en el inframundo y los rayos del sol todavía no la bañaban completamente, por lo que -sin poder decir ni una palabra a su amado- se desvaneció en el aire, volviendo al reino de las sombras para siempre.

Obviamente, esta trágica historia de amor en la que uno de los protagonistas es músico resultó ser una rica fuente de inspiración para un gran número de compositores a lo largo de la historia. Ahí tenemos, sólo por mencionar unos cuantos ejemplos, a Jacopo Peri y su “Eurídice” (1600), la cual es considerada por muchos estudiosos como la primera ópera lírica stricto sensu; o a Claudio Monteverdi y su bellísimo “L’Orfeo” (1607); a Christoph Willibald Gluck y esa obra maestra que es su “Orfeo y Eurídice” (1762); a Franz Joseph Haydn y su “L’anima del filosofo, ossia, Orfeo ed Euridice” (1791); a Franz Liszt y su poema sinfónico “Orfeo” (1854); a Jacques Offenbach y su opereta “Orfeo en los infiernos” (1858), y -dentro ya del panorama de la música contemporánea- a Igor Stravinski y su ballet “Orpheus” (1947) y a Vinícius de Moraes y su drama musical “Orfeu da Conceiçāo” (1956), el cual sirvió de inspiración para la película “Orfeo Negro” (1959) del cineasta francés Marcel Camus.

Pero, ¿qué sucede cuando esta bella historia es reelaborada por un compositor tan sui géneris como el español Joan Albert Amargós, quien lo mismo ha colaborado con grandes de la música clásica, como Montserrat Caballé y Plácido Domingo, que con personalidades del jazz, la música pop, el flamenco y el rock, tales como Camarón de la Isla, Paco de Lucía, Luz Casal, Mecano y Joan Manuel Serrat?

Nacido en Barcelona en 1950, Joan Albert Amargós es sin duda uno de los compositores más prolíficos y polifacéticos de la escena musical contemporánea. Egresado del Conservatorio Superior de Música del Liceu de Barcelona, pianista y clarinetista, ha escrito principalmente música de cámara y sinfónica, además de bandas sonoras para películas, programas de televisión, obras de teatro y espectáculos de danza. Entre sus obras “serias” más destacadas se encuentran el ciclo 6 Cançons d’homenatge a Picasso (1971), una sonata para dos guitarras (1981), el ballet “Los tarantos” (1985), el Concert del Sud para violín, violonchelo y orquesta de cámara (1986), la “Cantata de la Terra” (1992), el “Réquiem flamenco” (1993) y un concierto para clarinete y orquesta (1995), además de dos óperas: “Eurídice y los títeres de Caronte” (2001) y “El salón de Anubis” (2007).

Para desarrollar el concepto de “Eurídice y los títeres de Caronte”, Amargós trabajó un libreto escrito por el también barcelonés Toni Rumbau (1949), fundador de la compañía de marionetas La Fanfarra (1976) y quien tiene una larga experiencia en la creación de montajes teatrales con títeres, marionetas y sombras, entre los que destacan “A Dos Manos”, “El Doble y la Sombra” y la curiosa pieza que hoy nos ocupa.

“Eurídice y los títeres de Caronte” es una extravagante ópera de cámara cuya rareza comienza con la alineación que la conforma: una mezzosoprano, un barítono y un titiritero son los solistas. ¿La orquesta? Solamente un piano, un violín, un violonchelo, un contrabajo y un bandoneón. ¿El escenario? Un espacio prácticamente vacío con un teatrito callejero de títeres en un rincón.

La propuesta de Amargós es arriesgada: se trata de un experimento escénico que busca armonizar dos géneros aparentemente disímiles como son la ópera y el teatro de marionetas y cuyo único precedente directo podría ser “El Retablo de Maese Pedro” (1923) de Manuel de Falla, ópera en un acto basada en los capítulos 25 y 26 de la segunda parte del Quijote en la que también se utilizan títeres.

Sin embargo, con “Eurídice y los títeres de Caronte”, Amargós va más allá: no es solamente la atípica alineación de solistas y músicos, que incluye el uso de la “lengüeta” -curioso adminículo con el que el titiritero hace “hablar” y “cantar” a sus marionetas- como una voz más en la partitura, lo que hace de ésta una obra sumamente original e interesante. Son también la adaptación de la tragedia de Orfeo y Eurídice a un plano contemporáneo y la inteligente comparación entre música “culta” y música “callejera” propuesta a lo largo de la obra, además de la incómoda reflexión que provoca en el público un espectáculo cuyo tema es simple y sencillamente la muerte que todos llevamos dentro.

Compuesta de un solo acto dividido en un prólogo, siete escenas y un epílogo, “Eurídice y los títeres de Caronte” narra los últimos sucesos en la vida de Sofía, una famosa cantante de ópera que se enfrenta a una enfermedad terminal. Oscar, su pareja y a la vez musicólogo y director de orquesta, se niega -en un acto de terrible egoísmo- a entender el miedo y el sufrimiento de la mujer, pretendiendo ignorar esta dramática realidad y obligándola a concentrarse en el estreno de la ópera que debe lanzarlos a la fama internacional, precisamente la “Eurídice” de Jacopo Peri.

Es entonces cuando aparece un misterioso teatrito de títeres callejero liderado por Polichinela, el clásico personaje del teatro guiñol. Y son la gran alegría y la pasión por la vida transmitidos por las marionetas lo que fascina por completo a Sofía, llena de ansias de vivir y sabedora de que su tiempo se está extinguiendo indefectiblemente. Por su parte, Óscar no ve en los títeres sino un estúpido distractor que impide a Sofía concentrarse en los ensayos de la “Eurídice”, por lo que trata de impedir sus visitas al teatrito callejero.

Pero Sofía se deja envolver cada vez más por el seductor mundo de fantasía que Polichinela y sus compañeros le ofrecen, distanciándose de Óscar y sus sueños de fama hasta el punto en que éste, exasperado, llega a convencerse de que Sofía mantiene un affaire con el titiritero. Sin embargo, para sorpresa de todos, los títeres parecen tener vida propia… ¿son acaso una proyección creada por Sofía en su desesperado anhelo por vivir? ¿Es Óscar un nuevo Orfeo destinado a rescatar a su moderna Eurídice de los infiernos por medio de la música, en este caso la ópera de Peri? ¿Es el teatrito la puerta por la que debe pasar Sofía/Eurídice para descender al reino de las sombras?

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En una ocasión el compositor y director de orquesta Eduardo Mata (1942-1995) expresó: “En realidad la música no existe hasta que suena. Es decir, hasta que el intérprete la realiza en el tiempo. La responsabilidad del intérprete se convierte entonces en una forma de creación”.

Así fue como entendió su labor en la música durante más de cinco décadas, hasta que murió en un accidente aéreo hace 20 años. Mata se consideró un intérprete de la música desde los cuatro años cuando aprendió solfeo y a los 16 cuando compuso su primera obra, hasta su trabajo en el Departamento de Música de la UNAM o con la Orquesta Sinfónica de Phoenix.

Dos décadas después de su muerte, su obra se mantiene en los repertorios de las orquestas y sus técnicas de dirección y enseñanza musical se replican en diferentes grupos. “En sus manos, los sonidos encerrados en una partitura cobraban vida de manera prodigiosa. A sus inmensos conocimientos musicales y a su técnica y oficio de primer orden, unía, además, una amplia cultura humanística, que le permitía no sólo conocer profundamente la obra que dirigía”, señaló Mario Lavista, también compositor, en un ensayo a propósito de la muerte de Mata.

Quien fue alumno de Carlos Chávez entre 1950 y 1963, compuso varias obras, incluyendo tres sinfonías, música de cámara, varias sonatas y piezas de ballet. Entre su repertorio destaca Trío para Vaughan Williams(1957); Sonata para piano (1960); Improvisaciones, para clarinete y piano(1961); Sinfonía núm. 1 clásica (1962); Los huesos secos, ballet con cinta(1963); Sonata para chelo (1966) y Sinfonía núm. 3 para alientos y corno(1966).

Como director condujo a la Filarmónica de Berlín, la Orquesta de Estocolmo, la Orquesta Filarmónica de Dallas; además como huésped colaboró con las filarmónicas de Alemania, Suecia, Dinamarca, Italia, España, Holanda y Estados Unidos. En México fue asesor artístico y director de la Ópera del Instituto Nacional de Bellas Artes.

Además contribuyó en el Sistema de Orquestas Juveniles de Venezuela, especialmente con la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar. También grabó más de cincuenta discos, muchos de ellos con la Orquesta Filarmónica de la UNAM, Dallas Symphony Orchestra y la London Symphony Orchestra, lo que le mereció reconocimientos como la Lira de Oro (1973) y el Premio Elías Sourasky (1975).

En reconocimiento a su labor, en 2012 se realizó un homenaje por sus 70 años de nacimiento con una serie de actividades artísticas y musicales. Entonces la familia de Mata donó a la Fonoteca Nacional el acervo personal conformado por dos mil 371 materiales, de los cuales el 80 por ciento son sonoros y se suman a los 209 que ya se tenían entre discos de vinil, casetes, discos compactos, videos en formato VHS y libros.

Quien ingresó a El Colegio Nacional en 1984 también ha sido reconocido por instituciones culturales que llevan su nombre como la Fonoteca Eduardo Mata del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, fundada en 1997, el Festival Eduardo Mata en Oaxaca, la Orquesta Juvenil Universitaria, y se anunció la próxima creación del Centro Digital Eduardo Mata.

“Mata solía distinguir dos clases de intérpretes: los que sirven a la música y los que se sirven de ella. Él perteneció siempre a los primeros. Sabemos, al escucharlo, que nunca pretendió eso que llamamos “reflejar su personalidad”, refirió Lavista.

Fuente: Excelsior

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