La búsqueda de un nuevo director fue rápida, ya que la noticia se ha dado apenas tres meses después de que Derrer anunciara su partida. Con la ayuda de una empresa de selección de personal, la compañía entrevistó a cuatro candidatos potenciales antes de decantarse por Lomelí.

“Ya había trabajado con nosotros durante varios años y luego se quedó como consultor artístico”, declaró Quincy Roberts, presidente del consejo de administración de la compañía de ópera. “Durante ese tiempo, forjó relaciones con importantes compañías de ópera internacionales. Su entrevista destacó especialmente por su enfoque en la innovación, las alianzas estratégicas y otros aspectos similares. Conoce bien nuestra compañía y mantiene buenas relaciones con el personal y los donantes”.

“Me siento honrado y especialmente agradecido de colaborar con una junta directiva reflexiva y sensible que comprende tanto los inmensos desafíos como las extraordinarias posibilidades que enfrenta nuestra forma de arte hoy en día”, señaló Lomelí en un comunicado.

Con títulos en ingeniería informática y marketing, este mexicano desarrolló una carrera de 11 años como tenor en importantes compañías de ópera. En 2014, sus problemas vocales lo impulsaron a dedicarse a la gestión artística, inicialmente como asistente de Derrer, y posteriormente como administrador artístico de la Ópera de Dallas.

El mexicano se involucró cada vez más en la selección de cantantes y la gestión de contratos, además de coordinar el Instituto Hart para Mujeres Directoras de Orquesta. Al suceder a Derrer como director de administración artística en 2018, se convirtió en el primer latino en la historia de Estados Unidos en ocupar un puesto artístico de alto nivel en una de las compañías de ópera con mayor presupuesto en el país.

Con un amplio conocimiento de cantantes internacionales, Lomelí asumió en 2021 el nuevo cargo de director artístico de la Ópera de Santa Fe, al tiempo que ejercía como consultor de selección de cantantes para la Ópera Estatal de Baviera en Alemania, una de las compañías más activas de Europa, así como para la Ópera de Dallas. Ante la reducción del históricamente generoso apoyo gubernamental alemán a las artes, Lomelí también se involucró cada vez más en la recaudación de fondos para la compañía con sede en Múnich y en el desarrollo de colaboraciones internacionales.
Lomelí continuará vinculado a las compañías de Santa Fe y Múnich, aunque con una participación mucho menor en consultorías.

Sobre la Ópera de Dallas, comenta: “Es una compañía que conozco. Conozco a la junta directiva, a todos los miembros clave. La ciudad es fantástica, el teatro es increíble y tenemos una junta directiva muy comprometida. He experimentado de primera mano muchos aspectos del funcionamiento de una compañía de ópera”.
La Ópera de Dallas fue noticia en enero al igualar —e incluso superar— una donación de contrapartida de $25 millones de dólares de la Fundación O’Donnell, con sede en Dallas. El total de $54.5 millones de dólares en donaciones y promesas de donación se está repartiendo entre el fondo de dotación de la compañía, que ascendía a $30 millones de dólares, y los gastos operativos.

Iván López Reynoso director principal de la Ópera de Santa Fe
Por otra parte, también se anunció al mexicano Iván López Reynoso como director principal de la Ópera de Santa Fe. Su contrato tendrá una vigencia de tres años e iniciará funciones dirigiendo El barbero de Sevilla, de Rossini en 2027. Actualmente, es director principal de The Atlanta Opera y compaginará este puesto con el de director principal en Santa Fe.

El festival de verano de la Ópera de Santa Fe es considerado uno de los escenarios musicales más prestigiosos de Estados Unidos. El próximo año, la ópera cumple su 70 aniversario. López Reynoso tuvo su debut como director en Estados Unidos con la Ópera de Santa Fe en 2022 con El barbero de Sevilla, justamente.

“Desde mi primer encuentro con este teatro sentí una conexión inigualable, que se fortaleció aún más durante nuestra producción de La bohème de Puccini el año pasado”, dijo López Reynoso en un comunicado. “Me honra y me entusiasma profundamente”.

Fuente: Scott Cantrell/DMN con información de AP

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El regreso de Sánchez a este teatro en el Centro de la Ciudad de México estuvo rodeado de varias conexiones personales. Fue aquí donde vio actuar a su abuelo, Ignacio López Tarso, interpretando su show de corridos y romances con Raquel Olmedo. Y en 2002 fue el recinto donde debutó como líder de su propia agrupación en el Festival del Centro Histórico.

Acompañado de los músicos Thana Alexa, BIGYUKI y Lex Sadler, el jazzista mexicano presentó su trabajo más reciente. Esta configuración musical “viene de un disco que hice que se llama SHIFT, donde invité a un montón de mis cantautores favoritos, a que me proporcionaran una de sus canciones con sus voces y luego que me dieron el permiso de imaginarlas y lo estamos haciendo ahora en vivo”, dijo Antonio Sánchez en entrevista con El Economista.

El álbum de 2022 SHIFT: Bad Hombre Vol. II incluye colaboraciones con Anita Tijoux, Trent Reznor & Atticus Ross, Dave Matthews, Lila Downs, Silvana Estrada, Kimbra, Pat Metheny, Rodrigo y Gabriela, Meshell Ndegeocello e Ignacio López Tarso. Este proyecto fue hecho con músicos fuera de su esfera musical, pero a los que todos conocía de manera personal y fue así el acercamiento para colaborar.

Para Antonio Sánchez SHIFT: Bad Hombre Vol. II representa un álbum con más esperanza. El trabajo es una continuación a su disco de 2017 Bad Hombre, que surgió como una respuesta al momento político mientras residió en Estados Unidos.

Thana Alexa es una cantante de jazz, pero creció con influencias de Aretha Franklin y el rock. Además de ser su esposa, la vocalista utiliza pedales para poder hacer loops y diferentes tratamientos sonoros. El conjunto lo completa el tecladista japonés BIGYUKI, a quien Sánchez describe como “un experto en las atmósferas y en los sintetizadores” y el bajista australiano Lex Sadler quien también está encargado de las secuencias vocales. “Una de las cosas que yo quería hacer era tener algunos de los tracks originales del disco acompañándonos”, dijo Sánchez.

“Este es un cuarteto muy versátil porque podemos tocar rock podemos tocar música alternativa, tenemos muchos elementos electrónicos pero en esencia todos somos jazzistas. Es como un Ferrari que se puede ir para cualquier lado rapidísimo o una motocicleta, que es muy versátil y que podemos navegar a través de los estilos muy fácilmente”.

Antonio Sánchez nació en la Ciudad de México y comenzó a tocar batería a los 5 años. Estudió piano clásico en el Conservatorio Nacional de Música de la Ciudad de México y posteriormente continuó sus estudios en el Berklee College of Music, donde se graduó con el grado Magna Cum Laude.

A lo largo de su carrera ha colaborado con artistas como Pat Metheny, Bela Fleck, Chick Corea, Gary Burton, Michael Brecker, Miguel Zenón, entre otros.

El cuatro veces ganador del Grammy ganó reconocimiento en 2014 luego de ser elegido por el director Alejandro González Iñarritu para componer la banda sonora de la película Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia), que ganó 4 premios Óscar (incluidos Mejor Película y Mejor Director) y para la cual recibió una nominación al premio BAFTA. A partir de esta colaboración, ha dividido parte de su carrera en la realización de música para series de televisión como Get Shorty, The Anarchists y Stags.

Para Antonio Sánchez, la composición de música para medios audiovisuales le ha permitido tener un buen balance para la vida del músico de gira. Este año lo dividió entre sus giras que ya tenía programadas y la composición de dos series. Actualmente se encuentra trabajando en la serie creada por Seth Rogen, The Stage, que se estrenará en 2025 en la plataforma Apple TV.

También está preparando dos proyectos. Uno es en colaboración con el músico estadounidense Bela Fleck y el arpista colombiano Edmar Castañeda en un trío de banjo, arpa y batería. El otro proyecto bajo el nombre de Ellipsis es con el líder de Snarky Puppy, Mike League, y el percusionista Pedrito Martínez, que integra una mezcla de música afrocubana, alternativa, electrónica y con tintes de rock.

El jazzista mexicano considera que trabajar con músicos de esta naturaleza, así como el trabajo en bandas sonoras, lo ayuda a mantenerse fuera de su zona de confort.

Para Antonio Sánchez es un privilegio poder hacer su música a su manera, pero también considera que se siente miembro de una resistencia musical que no está buscando competir con los algoritmos y que sigue estando fuera de la corriente principal.

“Considero que somos la resistencia los que estamos haciendo música sofisticada creativa para poca gente, pero que esperamos que el público para el cual lo hacemos lo aprecie”, agregó Sánchez.

Fuente: El Economista

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Este premio es muy importante para el futuro de la composición, porque en México es complicado que se vuelva a tocar una obra contemporánea para orquesta y, además, con guitarra eléctrica, que sugiere una amplificación, así como la amplificación del piano, del controlador y la orquesta y, además, tiene un clarinete bajo extra, una tuba, un piccolo, batería y está llena de percusiones que encarecen la obra”, detalló a Excélsior Ayhllón.

Además, adelantó que TV UNAM realiza un documental sobre dicha pieza, que se proyectará en la Cineteca Nacional el 30 enero de 2025 y se llevará a Alemania.

El ganar el premio y que se haga un documental hace visible la obra –comisionada por el guitarrista Robbin Blanco y el pianista Fernando Saint Martin– y abre la puerta para que se pueda tocar con más orquestas en el mundo”, aseguró el compositor que ahora trabaja en la creación de una ópera.

Finalmente, recordó que, si bien su estética está ligada al eclecticismo, Mutación tiene influencias del rock, del jazz y de compositores como (Silvestre) Revueltas, (Olivier) Messiaen y Alfred Schnittke, entre otros, que son su inspiración, “sí contiene esta tradición de la música orquestal de concierto y tiene una amalgama de diferentes estéticas que la convierten en una pieza que logra su propia estética, pero sin pelearse con la vanguardia, con las formas musicales ni la música de estilos diferentes y de etapas anteriores a la nuestra”.

Fuente: Juan Carlos Talavera Excelsior

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Profesor de Composición Musical Electroacústica, Consejero para la Investigación Artística y Cocoordinador Artístico del ECME – Ensemble Europeo de Música Contemproránea (por sus siglas en inglés), en el prestigioso Conservatorio “Giuseppe Verdi” de Milán. En esta conferencia-concierto, Javier es acompañado por tres intérpretes excepcionales: la soprano Afrodita Torres Maldonado, también nacida en Chetumal, conocida por la calidad de su voz, expresividad en la escena y por su participación en importantes festivales como el Festival Internacional Cervantino. También será posible escuchar a la violinista Dirén Checa y al

pianista Carlos Montes de Oca, extraordinarios intérpretes, reconocidos por su dominio tanto del repertorio clásico como contemporáneo.

Javier compartirá sus reflexiones sobre los vínculos de su música con la modernidad, la música de la tradición musical occidental y su conexión con la música de diferentes culturas, incluyendo Latinoamérica. Afrodita Torres Maldonado, Dirén Checa y Carlos Montes de Oca ofrecerán, al final de la conferencia, algunas ejecuciones integrales de las obras propuestas.

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Sobre Puccini y su mundo, asegura Chacón, “vamos a tener ‘Torna ai felici dì’, de Le Ville, la primer obra que escribió a los 18 años de edad; hasta las arias de Tosca, de La fanciulla del West, Madama Butterfly o Turandot, entre otras”.

Pero el tenor mexicano quiere adentrarse no solo en la creación de Puccini, también de lo que inspiraba al genio italiano, como la obra de compositores como Giuseppe Ponchielli o de Ruggero Leoncavallo, con la intención de enriquecer o mostrar la imagen del ambiente que se vivía y así imaginar los ecos de otras composiciones e ideas.

Hablar de Arturo Chacón es nombrar presentaciones a nivel internacional, pero reconoce que “es un privilegio siempre ir a México a dar un concierto. Hablando de Puccini, es un regalo porque lo conozco muy bien desde los inicios de mi carrera, pero, ahora en mi madurez y en la cima de mis capacidades vocales, me siento muy cómodo con el repertorio pucciniano”.

Y se cuestiona sobre su próxima presentación: “¿Cómo me preparo? Es el reto más grande que he tenido en toda mi carrera, cantar tantas arias de Puccini, arias dramáticas porque es un reto físico, emocional y técnico. Es como si fuera un luchador que fuera a luchar contra los 12 luchadores más fuertes que hay (ríe). Me emociona el reto, aunque conozco muy bien las arias que voy a cantar, conozco muy bien a Puccini y conozco al público mexicano y sé que se van a emocionar mucho junto conmigo”.

Pero sobre cómo considera que fue el mundo de Puccini, el tenor asegura que hay mucha documentación y que era como “un rockstar, como si fuera Luis Miguel, jajaja” (refiriéndose a una comparativa actual). Se le reconoce como una figura que andaba con su puro todo el tiempo, se le echaban encima todas sus fans, pero con el equilibrio entre una estrella popular y alguien que conocía la condición humana.

El tenor se dice emocionado porque en 2025 celebrará sus 25 años de carrera, festejo que busca realizar en México y preparar algo para el acontecimiento. ¿En Sonora habrá algo?, se le cuestiona. “Sí, tenemos algo casi, casi listo”, concluye el tenor, nominado a los Opera Awards en la categoría “Readers Awars”, resultado que se dará a conocer el próximo 2 de octubre.

Fuente: Viridiana Contreras para Milenio

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A su alrededor, en la Plaza Hidalgo, en Coyoacán, había una cacofonía. En una esquina, un hombre con boina giraba una melodía de casa de espejos en un organillo. En otra, dos jóvenes interpretaban una canción en estilo huasteco, sus voces en falsete se elevaban por encima del bullicio del almuerzo. Cerca de un banco del parque, una mujer de larga cabellera rubia y una máquina de karaoke cantaba “Yesterday Once More”, de los Carpenters, cada “shalala la la”.

Ortiz, que creció en la capital tocando a Haydn en el piano y música folclórica latinoamericana en el charango, instrumento parecido a la mandolina, abrió los ojos y sonrió. Luego, después de ofrecer algunos pesos al organillero, se dirigió por una calle empedrada en busca de un cappuccino.

“No hay un lugar tranquilo en Ciudad de México —dijo—. Todos tienen algo que decir, y la música es cómo lo decimos”.

Ortiz, de 59 años, quien será la compositora residente de Carnegie Hall esta temporada, ha pasado su vida canalizando los sonidos y sensibilidades de América Latina en la música clásica. Durante la mayor parte de los últimos 40 años, esto ha sido una búsqueda solitaria: los maestros decían que sus obras eran demasiado exóticas, los críticos se irritaban por sus sonoridades expansivas y las principales orquestas la dejaban de lado en la asignación de comisiones. Ahora, después de una serie de grandes oportunidades, Ortiz está prosperando. Su música está siendo interpretada por destacados conjuntos en Berlín, Londres, Los Ángeles y Nueva York.

Ha ganado una serie de premios y ha conseguido representación por parte de una prestigiosa editorial. Ha producido obras de gran variedad, incluyendo un ballet sobre la violencia contra las mujeres en México, una pieza coral inspirada en la historia de un líder revolucionario africano, una obra en honor a los compositores Robert Schumann y su esposa Clara Schumann, y una oda al mundo sonoro de los arrecifes de coral.

A medida que su perfil ha crecido, Ortiz ha emergido como una voz prominente en favor del cambio en la música clásica, argumentando que el campo se ha centrado demasiado en los maestros europeos. 

“¿Por qué Europa es la que dicta el futuro de la música? —cuestionó—. Tenemos compositores increíbles en Brasil, Argentina, Perú, Colombia, Venezuela, Costa Rica y México, pero nadie lo sabe”.

Ha encontrado un socio entusiasta en el director venezolano Gustavo Dudamel, quien ayudó a revitalizar su carrera cuando dirigió el estreno de Téenek Invenciones de territorio, en 2017, con la Filarmónica de Los Ángeles.

Dudamel, quien ha estrenado siete obras de Ortiz, la llamó un “genio natural”, comparándola con gigantes como los compositores mexicanos Carlos Chávez y Silvestre Revueltas. Dudamel ha llevado su música a salas de conciertos de todo el mundo, y recientemente grabó su partitura para ballet Revolución diamantina, nombrada por el brillo arrojado a la policía por manifestantes que denunciaban la violencia contra las mujeres en México en 2019.

Un hito importante llegó el año pasado en Alemania, cuando Dudamel interpretó “Téenek” con la Filarmónica de Berlín. Fue la primera vez que el conjunto tocó una obra de una mujer latinoamericana en sus 141 años de historia. Dudamel comparó el concierto con un “concierto de rock”. “La gente gritaba —compartió—. Gabriela tiene el poder de crear estos colores, estos mundos, estas emociones”.

Ahora, Ortiz está entrando en un capítulo crucial de su carrera. En Carnegie, presentará una serie de nuevas obras, incluyendo un concierto para la violonchelista Alisa Weilerstein, una pieza coral para el conjunto vocal Room Full of Teeth, y una obra de cámara para el Cuarteto Italka.

Ortiz, quien hace solo unos años imprimía y enviaba partituras a clientes, a veces olvidando los pedidos, dijo que todavía se estaba acostumbrando al aumento en la demanda de su música. Pero dijo que estaba lista para este momento:

 “Ya no estoy componiendo música porque tengo que hacerlo. Estoy componiendo porque quiero”.

Fuente: Javier C. Hernández para Milenio

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Arturo Chacón-Cruz, originario de Sonora, México, se ha establecido en los últimos años como un tenor destacado con emocionantes apariciones en teatros y salas de conciertos de renombre en todo el mundo. Ha cantado más de 60 papeles en más de 30 países.

Desde que ganó el Concurso Operalia de Plácido Domingo en 2005, la carrera de Arturo ha experimentado un desarrollo exitoso y constante. Su repertorio abarca desde Bellini y Donizetti hasta Puccini y Verdi. Algunos de sus papeles más buscados son: Rodolfo, el duque de Mantua, Alfredo, Jacopo Foscari, Gabriele Adorno, B.F. Pinkerton, Hoffmann, Werther y Romeo, por nombrar algunos.

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Parte 1

Parte 2

Fuente: OperaVision

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La obra, que será cantada en español durante su estreno, contará con las voces de la soprano Julia Frischknecht, el tenor Luigi Chiaramonte, el barítono Arion Rudari y el bajo Leo Bachmann, acompañados por la Sinfonietta Bern. El también director de orquesta comenta que esta pieza tendrá dos presentaciones en Berna y una más en la Ciudad de Wohlen. La presentación forma parte de un proyecto de colaboración entre la colectiva WorkshOpera Bern, donde colaboró como director musical, y la Sinfonietta Bern, que es una orquesta de cámara en la ciudad.

La ópera, creada con una dotación de cuatro cantantes y orquesta, tendrá una duración de casi 30 minutos y compartirá escena con dos proyectos más: Los siete pecados capitales (1933), de Kurt Weill, y El teléfono (1947), de Gian Carlo Menotti.

El perro perdido cuenta la historia de un hombre que ha sido abandonado por su mujer, y al inicio de la trama se encuentra en un bosque tratando de encontrar a su perro. La búsqueda no fructifica y, en ese trance, el personaje tropieza con dos de sus dobles, los cuales se pueden identificar como el Ego y el Miedo.

Ambos personajes intentan someter la mente y la actitud del protagonista hasta que esa batalla lo sumerge en una especie de crisis nerviosa, mientras que la música lo acompaña en ese colapso que parece sin final.

Al final de aquella escena aparece un tercer doble, que podría ser su niño interior, quien le reclama sobre su pasado y le pide que aprenda a aceptarse a sí mismo para vivir la vida como un perro, es decir, tranquilo, sin mayores preocupaciones y liberado de artefactos materiales. Aquel personaje no sabe si ha enloquecido o si todo ha sido producto de su imaginación, pero decide irse con aquel niño mientras, juntos, buscan al perro.

Ricardo Acosta ha sido acreedor de diversos premios en concursos internacionales, así como becas por excelencia artística, y ha colaborado con artistas de talla mundial, como Patricia Kopatchinskaja, Steve Reich y los Solistas de la Yehudi Menuhin Academy, entre muchos otros.

Desde 2020 es profesor de piano en el Konservatorium Bern y ha rescatado música para piano del compositor mexicano José F. Vásquez, en especial el Ciclo de 15 Impresiones para Piano.

Fuente: Juan Carlos Talavera para Excelsior

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El concierto, “único en su tipo”, según destaca la propia orquesta en su sitio web. Representará el arranque de las Residencias del Millenium Park. En la primera parte del programa, Cárdenas dirigirá un repertorio de música mexicana tradicional en una presentación al aire libre, mientras que Pabón, director emérito de la Sinfónica Nacional de Puerto Rico, estará a cargo de la música de su país en la segunda parte.

“Es un programa similar al que hace la Filarmónica de Nueva York en el Central Park todos los veranos. Aquí lo hace la Filarmónica de Chicago en el Millenium Park (un parque muy popular”, detalla Cárdenas en entrevista.

Fuente: Erika P. Bucio, en Reforma.

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