En los últimos años de la década de 1960, Luc Ferrari se desempeñó como profesor de composición en la Rheinische Musikschule de Colonia, Alemania, y de música experimental en Estocolmo. En 1972 creó el estudio Billig, su propio espacio para la experimentación electroacústica, y recibió el Premio Karl Sczuka por su pieza radiofónica Portrait-Spiel (1971). En 1982 fundó, junto con el compositor Maurice Fleuret (1932-1990), La Muse en Circuit, un estudio para la creación de obras electroacústicas y radiofónicas. En 1987 recibió el Prix Italia por el cuento sinfónico Et si tout entière maintenant (1986). Al año siguiente obtuvo nuevamente el Premio Karl Sczuka por la pieza radiofónica Je me suis perdu ou Labyrinthe-Portrait (1988). En 1989 el Festival MANCA (Músicas Actuales Niza Costa Azul) de Niza organizó una gran retrospectiva de la obra de Luc Ferrari, y el Ministerio de Cultura de Francia le otorgó el Gran Premio Nacional por el conjunto de su obra. En 1990 recibió el Premio Internacional Serge y Olga Koussevitzky por su pieza sinfónica Histoire du plaisir et de la désolation (1979-1981), y al año siguiente obtuvo nuevamente el Prix Italia por la pieza radiofónica L’escalier des Aveugles (1991). En 1994 abandonó La Muse en Circuit, y al año siguiente inició una gira de conciertos en los Países Bajos. En 1996 fundó un nuevo estudio de música electroacústica, el Atelier Post-Billig. Tras una gira de conciertos y conferencias en las principales universidades de California, Luc Ferrari inició en 1999 la realización de una serie de composiciones reunidas bajo el título Exploitation des concepts, además de crear instalaciones sonoras y colaborar con DJ’s experimentales. En 2001 el Festival Futura organizó una retrospectiva de su trabajo, en cuyo marco se interpretaron todas sus obras electroacústicas. En 2003 fue objeto de una retrospectiva en La Chaux-de-Fonds, Suiza, y ofreció una serie de conciertos en el complejo cultural La Friche la Belle de Mai (Marsella) y en diversas ciudades de Japón. A principios del 2004 fue invitado por el ensamble Ars Nova a Poitiers, donde realizó una serie de conciertos, y a finales de ese mismo año fue invitado a participar en los festivales Lille 2004, Audioframes de Cortrique (Bélgica), Novelum de Toulouse y GMEA-CNCM de Albi (Francia). Luc Ferrari murió el 22 de agosto del 2005 en Arezzo, Italia.

En 1975 Luc Ferrari compuso Cellule 75: Force du Rythme et Cadence Forcée, interesante pieza para piano, percusiones y cinta magnética donde los elementos musicales representan, en palabras del propio compositor, la alienación del ritmo natural y social a través del conflicto entre la fuerza instintiva del ritmo musical y la mecanización de la tecnología. Una de las obras más importantes y originales escritas por Ferrari en la década de 1970, Cellule 75 posee un lectura crítica adicional que surge en el doble significado de la palabra cellule (célula, celda) —las células musicales repetitivas que forman la pieza pueden asociarse, en el sentido biológico, con las células que forman a todos los organismos vivos; en el sentido político, con las células que conforman un ejército o las celdas de una prisión; y en el sentido social, con las celdas personales donde nos colocan nuestros respectivos bagajes cultural e intelectual—. En este aspecto resulta fundamental el hecho de indicar el año de creación en el título de la obra, porque el sentido de esta depende del momento en que fue concebida, ya que se trata de un contexto temporal único, distinto al de cualquier otro año. Estructuralmente, con esta obra Ferrari busca encontrar un equilibrio entre la espontaneidad de la improvisación y el rigor de una partitura elaborada en la tradición clásica, lo cual queda manifiesto en el propio título de la obra: Force du Rythme se refiere al intento de encontrar en el ritmo una liberación a través de la ausencia de ataduras, mientras que Cadence Forcée se refiere al intento de aprisionar y controlar el ritmo por medio de las restricciones plasmadas en las precisas indicaciones de la partitura escrita.
Con una estructura musical ambigua (tanto la fuerza del ritmo como la cadencia forzada se basan en los mismos ritmos regulares) que no permite anticipar un significado preestablecido sino que ofrece al escucha fragmentos de proposiciones sonoras que incitan a la libre asociación de ideas, en Cellule 75 el piano y las percusiones oscilan en una sucesión de formas inestables aunque rítmicas que se detienen por momentos para dar paso a interludios de improvisación mientras la base proporcionada por la cinta magnética va alternando pasajes melódicos y ráfagas rítmicas que se repiten insistentemente en un proceso cercano al lenguaje minimalista de Steve Reich o Terry Riley. La obra inicia con un par de melodías simples y repetitivas proporcionadas por el piano y las percusiones sobre un ambiente de tipo industrial dominado por un zumbido creado con la cinta magnética. Paulatinamente se van agregando capas sonoras y figuras musicales en oleadas sucesivas que se repiten hasta que las frases melódicas se vuelven relativamente largas y complejas. Una vez establecidos el tema y la estructura, empiezan las variaciones, desarrolladas además con continuos intercambio y superposición de instrumentos. El piano extrae de aquí y allá distintas partes del tema para desarrollarlas mientras las capas sonoras acumuladas fluyen imperceptiblemente hacia la austera simplicidad inicial. Entonces el proceso vuelve a comenzar, pero con un desarrollo y un resultado distintos, cada vez más disonantes. Después de jugar continuamente con las expectativas del escucha, Cellule 75 llega a su fin tras una serie de falsas interrupciones.

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“Prácticas de Vuelo” es un espacio en el que artistas de importante trayectoria ofrecen tutoría y acompañamiento personalizado a becarios que desarrollan una obra completamente original durante el proceso; misma que es presentada en por lo menos un concierto en un foro relevante del país. El programa llega a su onceava edición en este 2017, con un historial de 101 compositores participantes que han generado la misma cantidad de nuevas obras.

En esta edición, los becarios serán asesorados y acompañados por el “Low Frecuency Trío” conformado por Antonio Rosales (clarinete bajo) Juan José García (contrabajo), y José Luis Hurtado (piano); Low Frequency Trio es un ensamble mexicano dedicado principalmente a la interpretación de la música del siglo XXI. Sus integrantes mantienen una intensa actividad Internacional en el ámbito de la música contemporánea de concierto y como trío se han presentado en espacios como el Foro de Música Nueva Manuel Enríquez y en el Keller Hall de la University of New Mexico en los Estados Unidos.

La convocatoria “Prácticas de vuelo 2017” considera hasta 8 becas que incluyen: los costos del programa académico (tutorías, clases, conciertos y alimentos). Para los artistas seleccionados que residan fuera de la ciudad de Morelia, Michoacán, la beca cubrirá también el hospedaje y alimentación adicional durante las sesiones de trabajo, así como un apoyo limitado para el transporte terrestre de ida y vuelta entre la ciudad de residencia y Morelia.

Las bases generales de participación son:

1. Ser mexicano y haber nacido después del 1 de octubre de 1982.
2. Residir en la República Mexicana.
3. Entregar un proyecto de composición de una obra nueva para trío de clarinete bajo, contrabajo y piano. No se aceptarán dúos o solos. Los proyectos enviados deberán incluir necesariamente medios electroacústicos (cinta o electrónica en vivo) y podrán o no incluir video y contemplar una duración de entre 4 y 8 minutos.

El programa completo se desarrollará entre mayo y agosto de 2017, periodo en el que hay que considerar 3 sesiones de 3 días presenciales en las instalaciones del CMMAS en Morelia, además del concierto de estreno en lugar y fecha por definir.

“Prácticas de Vuelo 2017” contempla 5 líneas de trabajo: desarrollo profesional, creación, interpretación, registro y difusión. Los becarios seleccionados trabajarán estrechamente con los miembros de Low Frequency Trío, además de Rodrigo Sigal, director del CMMAS.

La evaluación de proyectos y selección de los beneficiarios será realizada por los profesores participantes en el programa. El fallo de la Comisión será inapelable. Los resultados se darán a conocer el 10 de abril de 2017 a través de la página electrónica del CMMAS (www.cmmas.org). Los beneficiarios seleccionados serán informados vía correo electrónico.

Toda la información sobre registro, requisitos y bases está publicada en www.cmmas.org/convocatorias

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Gabriela Ortiz Torres (1964) nació en México […]. Estudió en el Conservatorio Nacional de Música con Mario Lavista. Posteriormente estudió con Federico Ibarra en la Escuela Nacional de Música de la Universidad Nacional Autónoma de México, donde obtuvo la licenciatura en Composición. Gracias a una beca del Consejo Británico otorgada en 1990, hizo estudios de posgrado en The Guildhall School for Music and Drama bajo la supervisión de Robert Saxton. Una beca de la UNAM le permitió obtener el doctorado en Composición y Música Electro-Acústica en The City University de Londres.

Es considerada una de las más importantes figuras de su generación y ha sido acreedora a diversos premios tales como el John Simon Guggenheim Memorial Foundation Fellowship (2004), la Distinción Universidad Nacional (2004), el primer lugar en el Concurso Nacional Silvestre Revueltas Música Nueva Fin de Milenio (2000) y la Medalla Mozart que otorga la Embajada de Austria junto con la Fundación Cultural Domecq (1997).

Es profesora de tiempo completo en la Escuela Nacional de Música de la UNAM.

Obra de Gabriela Ortíz Torres

Su obra comprende música para instrumentos solistas, ensambles de cámara, música generada por computadora y medios electrónicos, así como música sinfónica. Sus obras han sido interpretadas en conciertos y festivales de México, Francia, Inglaterra, Estados Unidos, Suiza, Alemania, Holanda, Suecia y Venezuela. Su obra Altar de piedras fue comisionada por la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles y su director titular Esa-Pekka Salonen. El Concierto Candela ha sido interpretado por numerosas orquestas, tales como la BBC Scottish Symphony Orchestra en Glasgow y la Orquesta Simón Bolívar en Caracas, Venezuela.

Ha recibido encargos de las más diversas instituciones, tales como la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles, la BBC Scottish Symphony Orchestra, el Kronos Quartet, el Cuarteto Latinoamericano, Tambuco, el Festival Internacional Cervantino, Pierre Amoyal, Alejandro Escuer y muchos más.

Para celebrar los festejos del Bicentenario, Gabriela Ortiz compuso tres obras orquestales de gran envergadura en este periodo: Luz de lava para flauta y soprano solistas, coro y orquesta, comisionada por la UNAM, Altar de fuego para orquesta sinfónica, comisionada por la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, y Trama para orquesta, comisionada por el Instituto de Cultura de Puebla.

Su ópera Únicamente la verdad: la verdadera historia de Camelia la Tejana fue seleccionada por el Festival de México y la Compañía Nacional de Ópera para inaugurar el Festival de México en el 2010. Esta producción obtuvo el premio de Las Lunas del Auditorio al mejor espectáculo de música clásica, compitiendo al lado de Plácido Domingo y la ópera Carmen de Georges Bizet. Además, fue nominada en el 2014 al Grammy Latino.

La compositora está trabajando en el libreto de su segunda ópera, Yanga, con la colaboración del escritor Santiago Martínez, y en dos proyectos adicionales: una comisión para un grupo de San Francisco, llamado Bernal Hill Players, y un concierto para flauta y orquesta para el flautista Alejandro Escuer.

Gabriela Ortiz: Altar de Muertos (VI. La calaca) / Cuarteto Latinoamericano

Gabriela Ortiz: Concierto Candela para percusiones y orquesta (II. Candela nocturna) / Filippo Lattanzi (percusiones) y la Orchestra della Fondazione Teatro Petruzzelli, dirige John Neschling

Gabriela Ortiz: Cinco Micro-estudios para cinta magnética

Gabriela Ortiz: Ríos (I. Papaloapan) / Les Percussions Claviers de Lyon y el Ensemble Variances

Gabriela Ortiz: Tepito, barrio de resistencia para flauta, clarinete, violonchelo y piano / The Bernal Hill Players

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Víctor Rasgado (1959-2023), proveniente de una familia con raíces musicales en el estado de Oaxaca, comienza sus estudios de piano a los seis años y posteriormente composición en la Escuela Nacional de Música, y en el Centro de Investigación y Estudios Musicales en México. En 1984 estudia en la Royal School of Music (Inglaterra), y en Italia de 1985 a 1993, en las siguientes instituciones: el Conservatorio G. Verdi de Milán, la Academia Chigiana de Siena y la Academia de Alto Perfeccionamiento Lorenzo Perosi de Biella. Sus principales maestros han sido María Antonieta Lozano y Franco Donatoni.

Durante su carrera ha obtenido apoyos económicos y becas del INBA, la SEP, el FONCA (México), la IILA Academia Chigiana (Italia), la Unesco-Gaudeamus (Holanda), la Arts International (EUA); y ha sido ganador del primer lugar en cuatro concursos internacionales de composición: el Olympia (Grecia, 1993), el Alfredo Casella (Italia, 1993), el Iberoamericano (España, 1992) y el Orpheus (Italia, 1994). En este último, su ópera Anacleto Morones –con libreto del cuento homónimo de Juan Rulfo- fue premiada, publicada y estrenada en Spoleto, Italia, siendo el compositor Luciano Berio presidente del jurado internacional.

Obra de Victor Rasgado

Sus obras abarcan los géneros de ópera, música sinfónica, música electroacústica, ballet, obras de cámara y para instrumentos solistas, han sido grabadas en México e Italia, y publicadas principalmente por Ediciones Mexicanas de Música y Ricordi-Italia. Fue miembro fundador en Italia del Ensamble Sones Contemporáneos, y organizó en México los cinco cursos internacionales de composición “Franco Donatoni” (1993-1998), de quien fue asistente. Ha sido distinguido en cuatro ocasiones como Creador Artístico del Sistema Nacional de Creadores de Arte en México.

Sus composiciones han sido estrenadas en foros y festivales como el Festival Internacional Cervantino, el Palacio de Bellas Artes, el Foro de Música Nueva (México), el Festival Spaziomusica, la Accademia Chigiana di Siena, el Antidogma Musica, el Nuove Sincronie (Italia), el Netherlands Kamer Oper Festival, el PROMS-Festival, el Concertgebouw (Países Bajos), el Festival “Sonidos de las Américas”, el Carnegie Hall y el Mexican Contemporary Music Festival (EUA), así como en Argentina, Colombia, España, Francia, Ucrania, Bélgica, Suecia, Uzbekistán y Finlandia. Ensambles y orquestas como la Camerata de las Américas, el Nederlands Vocaal Laboratorium, la San Diego Chamber Orchestra, el Icarus Ensemble, la Guildhall Chamber Ochestra and Choir y el Omnibus Laboratorium, entre otros, han dedicado programas enteros a la interpretación de sus obras.

Varias de sus óperas han alcanzado un gran éxito internacional. Se ha mencionado […] Anacleto Morones, basada en el cuento homónimo de Juan Rulfo, de El llano en llamas. Otra ópera, El viaje de los cantores, se ha representado seis veces en Holanda. Su ópera infantil El conejo y el coyote (1998-1999) está basada en 16 imágenes de Francisco Toledo. Se estrenó en México y se ha presentado en Washington y en Uzbekistán.

Actualmente, Víctor Rasgado participa en diversas iniciativas dedicadas a la difusión y pedagogía de la música contemporánea. Es fundador y director del Taller de Creación Musical de Oaxaca (del 2004 a la fecha) y tiene a su cargo el taller de composición del Centro de Investigación y Estudios de la Música (CIEM). Como complemento a su actividad musical, obtuvo la licenciatura en Historia en la Universidad Autónoma Metropolitana de México, donde fue distinguido con la medalla al Mérito Universitario finalizando sus estudios con una tesis sobre el nacionalismo musical mexicano.

Víctor Rasgado: Click / Anna Margules (flautas de pico)

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Javier Álvarez (1956) nació en la Ciudad de México […] y es creador de una obra que abarca la música para concierto, el cine y la electroacústica. Inició sus estudios en composición musical con Mario Lavista y Daniel Catán en el Conservatorio Nacional de Música y se graduó con una maestría en la Universidad de Wisconsin con John Downey. Continuó sus estudios superiores en el Royal College of Music y de doctorado en la City University de Londres, Inglaterra, donde residió desde 1980 hasta el año 2005.

A la par de un prolífico quehacer creativo que le ha merecido amplio reconocimiento internacional, Álvarez tiene una larga trayectoria docente, habiendo fungido a lo largo de 25 años como profesor de composición en el Royal College of Music y como catedrático en composición en la Universidad de Hertfordshire. Durante 1989 desempeñó la presidencia de Sonic Arts Network, la sociedad de música electroacústica de Gran Bretaña y durante 1995 fue director artístico de la Sociedad para la Promoción de la Música Nueva (SPNM). Fue, en adición, residente en composición en la Musikhögskola de Malmo, Suecia. Álvarez ha sido profesor visitante en el Conservatorio de París y en la City University de Londres, integrándose en 2004 al proyecto educativo de la Escuela Superior de Artes de Yucatán en México, como director fundador de la Licenciatura en Artes Musicales. En 2000 recibió la Medalla Mozart, siendo reconocido posteriormente por el Sistema Nacional de Creadores de México. Desde 2005, Javier Álvarez es miembro de la Academia de las Artes y entre 2007 y 2011 fue rector del Conservatorio de las Rosas.

Obra de Javier Álvarez

La obra de Álvarez se transmite regularmente por la radio internacional, y ha sido objeto de encargos y estrenos en diversos festivales como el Otoño de Varsovia, Tanglewood, Huddersfield, Darmdstadt, Ojai, Présences y el Cervantino. Sus obras han sido interpretadas y grabadas por destacados solistas, orquestas y ensambles entre los que se encuentran el Lontano, The New London Chamber Choir, el Talich Quartet, Ictus, la London Sinfonietta, el Cuarteto Latinoamericano, el Cuarteto White, el Ensamble Intercontemporain, la Orquesta Sinfónica Nacional, la Orquesta Sinfónica de Minería, la American Composers Orchestra, el Brodsky Quartet, la Los Angeles Philharmonic y L’Itinéraire, entre otros.

De sus primeros años en Londres surgen sus primeras obras electroacústicas, como es el caso de la ya clásica Temazcal (1984), donde Álvarez propone la inusitada combinación entre un par de maracas y un manto electroacústico de gran complejidad. En su obra Mannam, Álvarez mezcla y yuxtapone elementos rítmicos de la música coreana con materiales y técnicas de ejecución tomadas del arpa popular mexicana. Offrande (2001) ofrece combinaciones intrigantes entre dos steel pan caribeños con patrones rítmicos y sonoridades procesadas digitalmente.

[…]

Javier Álvarez: Papalotl para piano y sonidos electroacústicos / Pamela Reimer (piano)

Javier Álvarez: Metro Chabacano / FACHA String Quartet

Javier Álvarez: Acuerdos por diferencia para arpa y sonidos electroacústicos / Hugh Webb (arpa)

Javier Álvarez: Temazcal / Scott Levine (diseño de sonido) y Alessandro Valiante (maracas)

Javier Álvarez: Así el acero para tambor metálico y sonidos electroacústicos

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Arturo Salinas (1955) nació en Monterrey. Estudió composición en el Conservatorio de Nueva Inglaterra con Robert Cagan; música electroacústica y microtonal en el Centro de Investigaciones Musicales de París, con Jean-Étienne Marie; dirección de orquesta en la Escuela Superior de Música de Weimar, con Igor Markevitch, y etnomusicología en Montreal, con Charles Boilés. Ha llevado a cabo investigaciones sobre música indígena, principalmente entre los tarahumaras de Chihuahua. Ha dictado conferencias y ha sido profesor huésped en varios centros mexicanos, compositor y maestro de composición invitado en el Mills College de California. Su catálogo incluye obras para diversos conjuntos instrumentales y para instrumentos indígenas.

Eduardo Gamboa

Eduardo Gamboa (1960) se graduó como guitarrista en el Trinity College of Music de Londres. Eduardo Gamboa se dedica enteramente a la composición desde 1985. Cuenta ya con un importante catálogo de obras de concierto, tanto de cámara como sinfónicas, y una vasta producción de música para cine y teatro. Buena parte de su formación académica la obtuvo del maestro Joaquín Gutiérrez Heras. Desde niño, alternó las lecciones de piano con el aprendizaje de las músicas popular y folclórica de México y América Latina, y también le han fascinado siempre el jazz y la música cubana. Programada cada vez con mayor frecuencia, su música de concierto ha sido interpretada en muchos países por directores, solistas, ensambles y orquestas de reconocido prestigio. Grabaciones de sus obras han sido incluidas en casi una treintena de discos. Se describe a sí mismo como un artista visceral, libre de prejuicios, que obedece más a su oído que a su intelecto; a quien poco importan las modas o un afán de estar a la vanguardia, y al que solo interesa expresarse y que su música logre emocionar.

Eduardo Gamboa: Transparencias / Catalina Sainz (flauta), José Fernandes Pereira Neto (violín), Joaquín Gutierrez Guiñazú (viola) y José Luis Di Marco (violonchelo)

Eduardo Gamboa: Mi’jita / Claudia Corona (piano)

Eduardo Gamboa: Mixcoac (III. Trompo) / Martha Rodríguez-Salazar (flauta), Karla Ávila (clarinete), Jessica Ivry (violonchelo) y Jennifer Peringer (piano)

Eduardo Gamboa: Azules / Gustavo Martín (violonchelo) y Juan Antonio Santoyo (piano)

Eduardo Gamboa: “¡Compón cortito! Así agredes menos” / María Fernanda Castillo (flauta), Perla Fernández (viola), Rafael Galván (violín), Anna Herrera (violonchelo), David Reid (piano) y Christopher Lowry (percusiones), dirige Régulo Stabilito

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