Tots – Raimonds Bramanis
Lelde – Marlene Keine
Demonio – Janis Apeinis
Lord – Krišjānis Norvelis
Ciego – Rihards Machanovsky
Bruja – Ilona Bagele
Cojo – Rinalds Kandalincevs
Zemgus – Juris Adamsons
Mole Cricket – Laura Grecka
Madre de Lelde – Evia Martinson
Madre de Zemgus – Angela Goba
Capataz – Guntars Hogwarts
Imp – Mikhail Chulpayev
Pegleg – Kalvis Kalniņš

Orquesta de la Ópera Nacional de Letonia

Música – Imants Kalniņš
Libreto – Imants Ziedonis, después de una obra de Rainis
Concertador – Martins Ozolinš
Escena – Laura Groza-Kiber
Escenografía – Michael Fisher
Vestuario – Kristin Pasternak
Iluminación – Oskars Paulinš
Coreografía – Rudolfs Gedinš
Dramaturgia – Evarts Melnalksnis

5 cosas que hay que saber sobre I Played, I Danced

1. Rainis: poeta y político

La obra I Played, I Danced fue escrita durante la Primera Guerra Mundial. Su autor, el poeta y dramaturgo Rainis (1865 – 1929) es considerado la figura más influyente en la literatura letona e incluso se le conoce como el “Goethe letón”. También es considerado como el padre del socialismo en ese país, Rainis fue arrestado y deportado en 1897 por pugnar por reformas sociales. Habiendo desempeñado un papel instrumental en la fallida revolución de 1905, Rainis tuvo que emigrar a Suiza.

A raíz de la Primera Guerra Mundial, Rainis puso su teatro al servicio de sus compatriotas, combinando personajes de la mitología letona con los problemas políticos de su tiempo. En I Played, I Danced, evoca la ocupación de Letonia al dramatizar la resurrección del Lord, que reprime al pueblo letón. El personaje central, Tots, se zambulle en el inframundo para traer de vuelta a la novia Lelde, que simboliza a Letonia, de las garras de la muerte.

2. Los días de Imants

Considerado como un símbolo de la escena artística antisistema letona, el compositor Imants Kalniņš es tan popular como subversivo. El festival dedicado a su música, titulado “Los días de los Imants”, fue totalmente prohibido por el estado soviético. A pesar de haber estudiado música clásica, Imants Kalniņš se hizo famoso como músico de rock y compositor de la primera ópera de rock en la URSS, Hey, you there! Durante la década de 1970, volvió a escribir música sinfónica nuevamente.

En 1977, Kalniņš puso la música de la obra I Played, I Danced. En la ópera, los espectadores pueden escuchar reminiscencias folklóricas de la música tradicional letona mezclada con el lenguaje musical elaborado y ornamental de Kalniņš. La revista de música letona Mūzikas Saule llama a la ópera “la obra más magnífica del maestro”.

3. Actualizando la ópera para un público contemporáneo

La destacada directora letona Laura Groza-Ķibere saca a relucir la energía salvaje de la ópera en la producción de la Ópera y el Ballet de Letonia y plantea muchas preguntas. ¿Las ideas de Rainis siguen siendo relevantes hoy? ¿Debería uno luchar contra los demonios del pasado para animar una nueva visión para el futuro?

Groza-Ķibere está decidida a encontrar una analogía contemporánea: ‘Cuando Rainis escribió esta obra durante la guerra, no podía haber imaginado que Letonia sería alguna vez libre, aunque lo soñó y lo codificó en la imagen de Lelde. En la década de 1970, Imants Kalniņš y el libretista Imants Ziedonis discutían lo mismo. Estaba bastante claro quién era el enemigo externo y que el país finalmente era nuestro, a pesar de su ocupación”.

4. El infierno es un ambiente radicalmente nacional

Dado el subtexto de la ópera, la lucha letona por la independencia, el punto de partida de la producción de un simbolismo nacional es controvertida. No obstante, la directora afirma que la visión de Kalniņš no está estancada en categorías nacionales, simplemente emplea el simbolismo letón. El propio Rainis quería construir un nuevo país utilizando la experiencia adquirida en el exilio en lugar de cerrar las fronteras.

“Por eso el infierno se define en nuestra producción como un entorno radicalmente nacional”, dice Groza-Ķibere, “sería un infierno para mí, como ciudadana y patriota letona, venir a un país donde las fronteras se cerrarían y se nacionalizarían, esta producción puede verse como una poderosa crítica de la búsqueda imposible de la autenticidad. En el Acto II, en particular, muestra la ironía de mercantilizar el folklore.”

5. El castillo de Riga está ardiendo

Al comienzo del Acto I, la escena de I Played, I Danced se ve ensombrecida por las paredes del castillo de Riga. Durante la ceremonia de la boda, las cuerdas del kokle de Tots se rompen y se produce un incendio que envuelve el castillo. Para una audiencia letona, los eventos inevitablemente traen vívidos recuerdos del incendio que estalló en la noche del solsticio de Verano en 2013. Al igual que el incendio de la catedral Notre-Dame de Paris, ocurrió durante los trabajos de renovación.

La puesta describe cuán negligente se ha convertido la sociedad en la salvaguarda de su patrimonio recuperado. Como reflejo de la vida real, en el Acto III, los trabajos de reconstrucción han comenzado y las madres relatan los eventos de la noche anterior. “En un momento en que nadie amenaza, en el corazón de la Antigua Riga, el símbolo de Riga quemó la evidencia de la historia de este país, que nos identifica como nación”, afirma Groza-Ķibere.

Fuente: Opera Vision

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Con arias de los grandes compositores de ópera de Italia, Alemania y Francia, este concierto de aniversario también incluye música de Jānis Mediņš y otros destacados compositores letones de los últimos 100 años. Los solistas de la Ópera Nacional de Letonia, estrellas de la ópera reconocidas internacionalmente y cantantes queridos a nivel local se combinan para crear un reparto excepcional.

Fuente: Opera Vision

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Cuando Puccini empieza a escribir esta obra en 1913, la voz que corrió entre los asiduos al teatro lírico era que estaba escribiendo una opereta. Quizás en la actualidad distingamos entre ópera y opereta y le otorgamos a la segunda una categoría menor o menos “seria”, pero en aquel entonces la gente no debió levantar mucho la ceja, ya que no existía una diferencia demasiado marcada entre lo que podía considerarse como una representación “seria, elevada y culta” y otra simplemente “entretenida”.

Magda, una cortesana atractiva, evoca una golondrina en la imaginación de Prunier, su amigo poeta y quiromante. Él profetiza que ella volará en la dirección del sol, detrás del amor. Magda tiene una relación con el banquero Rambaldo, pero conoce a Ruggero. Ruggero es nuevo en París y es llevado para una noche de juerga y desenfreno a un cabaret por los amigos de Magda y Rambaldo.

Magda, que hasta ese momento no se ha dejado ver demasiado por Ruggero, aparece en la taberna disfrazada y se enamoran el uno de la otra, aunque él no sabe quién es ella realmente.

Magda entonces rompe formalmente su relación con Rambaldo, renunciando a su dinero. Para ella tiene más valor el amor que está más de moda en París en esos días que las cuestiones materiales. Ella y Ruggero se trasladan a La Riviera, donde viven su amor apasionadamente aunque de una manera modesta, porque Ruggero no tiene demasiado dinero. Pero Magda está atormentada y tiene mala conciencia, ya que no le ha dicho nada a su amor sobre su vida anterior como amante de Rambaldo, quien desde luego está dispuesto a perdonarla a condición de que ella regrese con él.

No hay que tener mucha imaginación para saber cómo acaba la historia y dónde termina cada uno de los personajes. Magda no quiere seguir mintiendo y también está harta de vivir modestamente, así que regresa a los brazos de Rambaldo. ¡Pobre Ruggero!

La rondine ha sido etiquetada en muchas ocasiones como “La traviata de los pobres” y, en realidad, una leve lectura del argumento nos revela su deuda con esta obra de Verdi. Las similitudes y paralelismos entre la agonizante Violetta Valéry y Magda de Civry e incluso, por el lado de la opereta, con El murciélago de Johann Strauss II, son más que evidentes. Ha sido poco valorada y considerada siempre entre las obras menos logradas y convincentes de Puccini, quizás también junto a La fanciulla del West, Edgardo y Le Villi.

Fuente:

• Opera Vision
• berlinamateurs.com

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Holandés                         Egils Siliņš
Senta                               Vida Miknevičiūtė
Daland                             Ain Ira
Erik                                  Corby Welch
Mary                                Ilona Bagele
Steersman                       Mihail Chulpaev

Orquesta y Coro de la Ópera Nacional de Letonia

Música                            Richard Wagner
Libreto                            Richard Wagner
Concertador                   Mārtiņš Ozoliņš
Escena                            Viestur Kairish
Escenografía                  Reinis Dzudzilo
Vestuario                        Krista Dzudzilo
Iluminación                     Oskars Pauliņš
Coreografía                    Elīna Lutce

5 cosas que hay que saber sobre El holandés errante

1. Un preludio tormentoso

Richard Wagner se casó con la actriz alemana Wilhelmine Planer en el invierno de 1836. Su relación fue tempestuosa, con los arrebatos celosos y posesivos del compositor, que frecuentemente dejaban a “Minna” en pleno llanto. La actriz también luchó por lidiar con las deudas de su esposo y las amenazas de sus acreedores. Después de seis meses, ella lo dejó por otro hombre.

Para escapar de la situación, Wagner se mudó a Riga (entonces en el Imperio ruso), donde el joven de 26 años se convirtió en director musical del Teatro Court y contrató a la hermana de Minna como cantante. La esposa de Wagner eventualmente decidió unírsele en Riga, pero su estilo de vida era demasiado lujoso y ello les trajo más deudas impagables. La pareja planeaba huir de sus acreedores pero, habiendo sospechado tal plan, las autoridades confiscaron sus pasaportes.

Sin desanimarse y a pesar del riesgo de que los guardias fronterizos les dispararan, cruzaron ilegalmente hacia Prusia. Luego tomaron un carro hacia la costa, pero se volcó en el camino, un accidente que causó el aborto involuntario de Minna. Finalmente llegaron al puerto de Pillau y partieron hacia Londres a bordo del barco Thetis, que se encontró con una tormenta y se vio obligado a atracar en Noruega. El clima y la costa estimularon la imaginación de Wagner, tanto que les preguntó a los marineros acerca de la leyenda del Holandés errante. Después de un aterrador viaje de 24 días que debería haber tomado apenas ocho, Wagner llegó a Londres a salvo con su esposa a su lado y su próxima ópera en la cabeza.

2. EL barco fantasma

Es probable que el mito de un barco fantasma condenado a navegar por los océanos para siempre se haya originado a partir de la edad de oro de la Compañía Holandesa de las Indias Orientales en el siglo XVII. La primera referencia impresa apareció en los viajes de John MacDonald de 1790, en los que los marineros aseguraban haber visto al Holandés errante durante una tormenta. Durante el siguiente medio siglo, varias historias inspiradas en la leyenda aparecieron impresas, entre ellas, Vanderdecken’s Message Home y The Rime of the Ancient Mariner de Samuel Taylor Coleridge.

La novela satírica de Heinrich Heine, Aus den Memoiren des Herrn von Schnabelewopski (“Las memorias de Mister von Schnabelewopski”) fue la primera en presentar al capitán maldito que pisaba tierra cada siete años, con la esperanza de librarse de su maldición mediante la devoción de una esposa fiel. Heine presentó este poder redentor del amor como un medio para el humor irónico, pero cuando Wagner escribió su libreto se tomó el tema muy literal. El mito se ha vuelto a contar en innumerables adaptaciones, como la película de Disney Piratas del Caribe (2006).

3. Navegando por las agitadas aguas de la vida.

“El rasgo más universal de la humanidad”, dijo Wagner en relación con el mito de esta ópera, “es el anhelo de calma en medio de las tormentas de la vida”. Para Wagner el holandés es un símbolo de la búsqueda eterna de consuelo y salvación de las olas y el clima inclemente de la vida. Por eso les recordaba a los directores que no debían descuidar el mar en sus puestas en escena: “el mar entre los promontorios debe verse rabiar y hacer espuma todo lo posible; la representación de la nave no puede ser demasiado naturalista: pequeños toques, como la agitación cuando es golpeada por una ola excepcionalmente fuerte, debe ser muy claramente retratada. Los constantes cambios sutiles en la iluminación exigen un cuidado especial “.

4. Tres óperas románticas

El estreno de El holandés a principios de 1843 marcó el inicio de la carrera de Wagner como un compositor de ópera maduro. Ya había completado tres óperas para ese entonces, pero las descartó por ser poco concisas y las sacaría de su catálogo. De hecho, en su ensayo ‘Eine Mittheilung an meine Freunde’ (‘Una comunicación a mis amigos’), identificó la ópera y su libreto como un nuevo comienzo para él: “Desde aquí comienza mi carrera como poeta y me despido de ser un mero preparador de textos de ópera.”

El holandés errante y sus dos óperas siguientes, Tannhäuser y Lohengrin, se denominan colectivamente “las óperas románticas”, porque muestran un avance significativo en su manejo de temas, orquestación y desarrollo de personajes. Son las primeras obras que han entrado en el llamado “canon de Bayreuth”, el conjunto de óperas de Wagner que forman el repertorio central del famoso festival.

Las tres “óperas románticas” le dieron al compositor renombre y éxito, pero no son consideradas como sus obras maestras; ese título se le da a sus “dramas musicales” que vinieron más tarde: El anillo, Tristán, Los maestros cantores y Parsifal, en donde Wagner abrió nuevos caminos armónicos y se esforzó por fusionar todos los elementos musicales, poéticos y dramáticos en un todo artístico unificado.

5. Regreso a Riga

Huir de las dificultades de su tiempo en Riga y navegar en un arriesgado viaje por mar le dio a Wagner no solo una idea para una nueva ópera, sino también un lugar en el folclore musical letón. “Huyendo de Riga en bote, se quedó atascado en el tiempo. Esta nave, para siempre atrapada en este tiempo mítico, una vez más se ha detenido donde comenzó “, dice el director Viestur Kairish, quien nació en la capital letona. El holandés es una obra que desdibuja el límite entre lo mítico y lo real, un límite que ha sido explorado y adoptado por la nueva producción de la Ópera Nacional de Letonia. Tiempo y espacio. Tal vez sea el naufragio de un barco arrastrado en alguna playa solitaria; tal vez es un avión que se ha estrellado en el desierto. Lo importante es que el holandés ha regresado a la ciudad donde Wagner pasó de Kapellmeister a compositor “.

Fuente: Opera Vision

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