Este reconocimiento se realizó en el marco del 90 Aniversario del Palacio de Bellas Artes, las noches del 6 y 8 de septiembre en la Sala Principal del recinto, a cargo de la Orquesta Sinfónica Nacional, contando con tres renombrados invitados especiales: la soprano Cristina Ortega, la mezzosoprano Encarnación Vázquez y el pianista Rodolfo Ritter, todos bajo la dirección del maestro Ludwig Carrasco.

Al inicio del programa, en el escenario del Palacio de Bellas Artes se proyectó una video-semblanza del compositor nacido en Guadalajara (1904-1958) con fragmentos de testimonios de su hijo, Gonzalo Curiel, del director artístico Ludwig Carrasco y del musicólogo Luis Jaime Cortez Méndez.

El programa lo formaron, en la primera parte, el Concierto para piano y orquesta núm. 1 con el cual se develó al público esta composición que tocó en vivo en 1948 en la XEW; y posteriormente Gonzalo Curiel estrenó el Concierto número 2 el 21 de noviembre de 1951 dirigiendo a la OSN en el Palacio de Bellas Artes al lado del pianista Edmundo Méndez.

En la segunda parte, las voces de Encarnación Vázquez y de Cristina Ortega recibieron la ovación del público tras su interpretación de las canciones Dime; Calla, Tristeza, Incertidumbre, Un gran amor, Me acuerdo de ti y la más popular de todas: Vereda tropical, piezas que estrenaron sus respectivos arreglos sinfónicos realizados por jóvenes compositores mexicanos, en una iniciativa del Inbal y la OSN para poner a disposición de los interesados las partituras y puedan ser interpretadas en cualquier parte del mundo.

El primer concierto para piano de Gonzalo Curiel data de 1948 y fue estrenado por la pianista Otilia Figueroa en una transmisión radiofónica de la XEW. Poco después del estreno, por iniciativa del gobierno del estado de Jalisco, la obra se tocó en el Teatro Degollado de Guadalajara. 

Fuente: INBAL

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El proyecto, que incluyó la participación del Vórtice Ensamble, la Banda Sinfónica Infantil y Juvenil de Huejotzingo, Puebla, así como una decena de cantantes en lenguas mixe, maya k’iche, tzotzil y zapoteca, con un total de 70 músicos en escena, rindió homenaje a las lenguas originarias, pero desde el jazz, la música contemporánea, electrónica y otros ritmos.

Así lo detalló Pérez Santiago, quien señaló que prevalece una idea preconcebida al hablar de conciertos de música originaria, como si sólo existiera lo tradicional o folclórico. “Y aunque es necesario nunca perder nuestras tradiciones, Niman Axkan trata de decir que la música de las comunidades indígenas está viva y que no sólo es La sandunga, La llorona o Dios nunca muere, sino que está viva.

Hoy casi todas las comunidades indígenas tienen acceso a internet y los jóvenes escuchan YouTube, Spotify y otras plataformas de streaming en las cuales se empapan de otras tradiciones, desde música comercial hasta lo más experimental, y esto lo empiezan a combinar con sus tradiciones sonoras, pero, para mí, lo más interesante es que lo combinan con sus lenguas originarias”, aseveró.

Niman Axkan, precisó Pérez Santiago, contiene una amplia paleta de sonidos, que incluye al conjunto Kujipi, que combina la tradición de las bandas de viento oaxaqueñas con la música de los Balcanes y el rap en lengua mixe; así como el death metal de la Banda Xipe Totec, con canciones en lengua náhuatl; y el jazz electrónico de Benjamín Kumantuk Xuxpë.

Recordó que este proyecto nació en 2022 en una colaboración entre Vórtice Ensamble y la Red de Investigación de las Américas (Arenet), como parte de la iniciativa Coling, para crear y compartir prácticas de revitalización de lenguas indígenas en las Américas y en Europa.

La idea no era para crear música tradicional de sus comunidades, sino a partir de sus expresiones musicales, de la música contemporánea que están haciendo, pero cantada en su lengua y en combinación con su tradición sonora de siempre”.

Fuente: Juan Carlos Talavera para excelsior.com.mx

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En ello coinciden los musicólogos del Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información Musical (Cenidim) Carlos Chávez que participaron en esos trabajos, efectuados como parte de un proyecto de largas miras emprendido desde hace un par de años por el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (Inbal), con el apoyo de la investigadora Eugenia Revueltas, hija del legendario músico duranguense, de quien este 2024 se celebra su 125 aniversario natal.

Según Víctor Barrera, director del Cenidim, el impacto de este descubrimiento es incalculable, al representar un avance significativo en el rescate del patrimonio cultural del país, además de enriquecer el conocimiento sobre la trayectoria de Revueltas y preservar un legado invaluable para futuras generaciones. “Estas composiciones ofrecen una mirada íntima al desarrollo del pensamiento musical de Revueltas.”

Documentando su exploración de formas, estilos, consonancias y disonancias, revelan un valioso eslabón que permite observar y conectar la continuidad entre la música mexicana de finales del siglo XIX y las nuevas tendencias musicales que prevalecían en las primeras décadas del siglo XX, mismas que llevarían a la consolidación del periodo nacionalista, del cual ese músico fue figura preponderante.

Evidencia de vacíos

Para Luis Jaime Cortez, quien encabezó el equipo que hizo el hallazgo y recuperación de ese corpus, se trata de un acontecimiento digno de ser celebrado, pero también evidencia cómo hay un vacío, hasta hoy, de comprensión y conocimiento de la figura de Silvestre Revueltas.

El doctor Víctor Barrera, musicólogo que participó en la recuperación de las 25 partituras para piano del compositor duranguense Silvestre Revueltas. Foto cortesía del Inbal y archivo. Es un material que, aseguró el musicólogo, permite romper muchos mitos en torno a su vida y obra, cambiar perspectivas de la historia de la música mexicana y completar la visión que se tiene sobre este compositor.

Entre los mitos que se derrumban, mencionó la idea romántica de que el creador duranguense comenzó a componer hacia 1930 y que sólo lo hizo durante la última década de su vida, alentado por su homólogo Carlos Chávez; que no escribió obras para piano, porque desconocía el instrumento, y que la parte sustantiva de su formación musical la hizo en Estados Unidos.

“Pensábamos eso y de pronto la aparición de estas obras –la primera fechada en mayo de 1915 y la última en enero de 1924– nos revela una etapa de Revueltas completamente insólita. Nos hace ver que él ya se pensaba a sí mismo como compositor en 1915, cuando sólo tenía 15 años.”

Según el investigador, los manuscritos de esas 25 piezas pueden leerse en clave biográfica, y permiten deducir varias cosas, como si fueran cartas o diarios, además de apreciarse, en términos musicales, el fin del romanticismo mexicano y el comienzo del modernismo. Incluso, dijo, hay una pieza, Capricho húngaro, que suena al Mikrokosmos, de Béla Bartók, 20 años antes de que el autor húngaro escribiera ese conjunto de obras para piano.

“Es muy interesante ver cómo Revueltas no se conforma con decir: ‘ya encontré este camino y voy a repetirlo’. Cada obra es un proceso de experimentación radical. En algunos casos, uno oye ecos de los románticos mexicanos; en otros, hay un franco debussysmo.

“Mucho se había dicho en la historiografía tradicional que Revueltas tuvo en cierta época algo de debussysta; lo sabíamos de algún modo, se comentaba, pero no teníamos la evidencia que ahora tenemos en obras maestras de ese periodo”, agregó.

Luis Jaime Cortez contó que la suerte jugó un papel esencial en el hallazgo de esas piezas para piano, ya que, como en La carta robada, el cuento de Edgar Allan Poe, estuvieron antes a la vista de muchos investigadores, pero no las vieron.

Se encontraban, refirió, en un cuaderno de apuntes que forma parte del archivo de Silvestre Revueltas, conjunto al cual ha tenido acceso el equipo del Cenidim desde hace dos años gracias a la generosidad de Eugenia Revueltas, tras dos décadas de estar en la UNAM.

Proyecto de largo alcance con el Inbal

La directora del Inbal, Lucina Jiménez, informó que esa dependencia firmó un acuerdo de cuatro años con la hija del compositor para un proyecto de largo alcance con ese acervo, que, a la par del hallazgo de esas partituras inéditas, ha permitido la digitalización total del mismo, además de que se editará la obra íntegra del autor en 42 tomos, en versión impresa y digital, y se grabará todo ese material musical para ponerlo a disposición del público.

El primero de esos tomos contiene las 25 piezas para piano y será presentado en septiembre, lo mismo que su respectivo álbum. Para finales de año, se hará lo propio con los tomos dos y tres, con obras para violín y piano, y para voz y piano, detalló la funcionaria, quien aseguró contar con presupuesto abierto, sin límite, para esta iniciativa.

Si bien este proyecto significará la edición y grabación de cien por ciento de las obras del archivo, Luis Jaime Cortez no descartó la aparición de más material inédito. Incluso, comentó que se sabe de una pieza que el compositor escribió para tocarla con su hija Eugenia, cuando ésta era niña, así como una serie de pequeñas libretas en las que el duranguense hacía anotaciones para sus obras.

Esos cuadernillos fueron sustraídos por una investigadora alemana en la década de 1960, cuando el archivo era custodiado por Rosaura Revueltas, hermana del compositor, y sólo se conserva uno, con los apuntes para Sensemayá, aclaró.

El estreno mundial de las piezas para piano de Silvestre Revueltas estará a cargo de los pianistas Mauricio Nader, Salomé Herrera y Rodolfo Ritter, quienes participaron asimismo en el proceso previo de su revisión, edición y grabación. En realidad, sólo será el estreno de 24, porque una, Tragedia en forma de rábano, ya fue tocada y grabada.

Fuente: Ángel Vargas para La Jornada

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Fue la manera con la que el gobierno de México celebró la inscripción del bolero en la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la  Ciencia y la Cultura (Unesco), efectuada el 5 de diciembre de 2023, a partir del expediente binacional presentado por nuestro país y Cuba.

La parte artística reunió durante alrededor de dos y media horas a una pléyade de 20 cantantes y músicos de México y Cuba, tanto solistas como duetos, tríos y cuartetos, además de la Orquesta Escuela Carlos Chávez, del Sistema Nacional de Fomento Musical.

Entre los artistas nacionales figuraron, y fueron rabiosamente ovacionados por la concurrencia, Tania Libertad, Eugenia León, Regina Orozco, Jorge Coque Muñiz y Carlos Cuevas, como parte de los consagrados, en los que estuvieron también La Sonora Santanera, Los Macorinos y el Mariachi 2000.

También hubo espacio para los jóvenes, como Las hermanas García, Enarmoniatrio, La Marisoul y Los Miranda, que se comprometieron a mantener vivo este género romántico para las nuevas generaciones.

El país caribeño, en tanto, estuvo representado por la pianista y cantante Argelia Fragoso, con su imponente voz de trueno y filin, así como por el cantante Eduardo Sosa, quien le puso candela a la velada.

Un aluvión de compositores reunidos en una histórica cita musical: Agustín Lara, Ernesto Duarte, Mario Ruiz Armengol, Manuel Esperón, César Portillo de la Luz, Armando Manzanero, Martín Urieta, Ema Elena Valdelamar, Luis Demetrio,  Fernando Fuentes y José Alfredo Jiménez, por mencionar algunos.

Muchos de los grandes éxitos del género, como Ɓésame mucho, de Consuelo Velázquez,  la canción más grabada en la historia; clásicos de Los Panchos, como Contigo y Sin ti; Sabor a mí y Seguiré mi viaje, de Álvaro Carrillo; un popurrí con temas de Roberto Cantoral, como Reloj y La barca, fueron fluyendo de la voz de esos artistas y calando en lo más profundo del ánimo de la audiencia, que al final ovacionó estridentemente a quienes hicieron posible esta irrepetible noche.

Fuente: Ángel Vargas para La Jornada

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Según María Katzarava, la presencia de Ramón Vargas en Bellas Artes. “Es un ejemplo de carrera a seguir, dado que ha mantenido una trayectoria artística de 40 años, sin haberse detenido, con una técnica sana, cosa que es muy importante subrayar, ya que sigue cantando impecablemente y sigue pisando los escenarios más importantes del mundo. Él siempre ha tenido un interés especial y un amor por México y por los jóvenes cantantes”, explicó.

¿Valdría la pena llevar el proyecto de los Tres Tenores al Palacio de Bellas Artes? “Sí, sería muy interesante. Creo que siempre se ha apapachado mucho la voz del tenor en México, porque nuestro país exporta tenores de primer nivel, que siempre son un éxito rotundo.

Fuente: Juan Carlos Talavera para Excelsior

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De acuerdo con Vargas, se trata de una ópera poco escenificada en el mundo por las complicaciones técnicas y, sobre todo, por el desafío para los cantantes. “Hay óperas verdianas muy difíciles para los intérpretes como Alzira o I Lombardi, “ explicó en conferencia de prensa.

El rol titular de la heroína Juana de Arco, corresponderá a la soprano mexicana Karen Gardeazabal, quien destacó la complejidad impresa a la heroína francesa. “Desde la partitura es muy complicado, entonces mantener el balance correcto entre el dramatismo que le quiero dar, que no represente a una loca y que, al mismo tiempo pueda interpretar vocalmente, ha sido un gran reto”, expuso.

Bajo la dirección de Juliana Vanscoit y de Fabiano Pietrosanti, la ópera tendrá funciones 11, 13 y 15 de febrero. Ramón Vargas interpretará el rol del rey Carlos Séptimo. 

Por su parte, el concierto conmemorativo del Estudio de la Ópera de Bellas Artes (EOBA) será el 18 de febrero. 

Fuente: Francisco Morales V., en Reforma.

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La producción de la Ópera de Bellas Artes tendrá su estreno escenificado en el Palacio de Bellas Artes para cuatro funciones (8, 10, 12 y 15 de octubre), con Dhyana Arom (Florencia), Denis Vélez (Rosalba), Gabriela Flores (Paula), Evanivaldo Correa (Arcadio), Carlos Arámbula (Álvaro), Óscar Velázquez (Riolobo) y Armando Gama (Capitán), con dirección escénica de Enrique Singer e Iván López Reynoso al frente de la Orquesta y Coro del teatro.

En un año histórico para la ópera mexicana y, en especial para ese título, la Metropolitan Opera House de Nueva York estrenará Florencia en el Amazonas el 16 de noviembre próximo, con Aylin Pérez como protagonista, con lo que será la primera vez que el español se canté en ese escenario en la historia, y para una obra compuesta por un mexicano. Y la producción de Mary Zimmerman se podrá ver el 9 de diciembre en transmisión en vivo desde NY, en el Auditorio Nacional.

Fuente: Milenio

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La directora de orquesta Alondra De la Parra y la artista clown Gabriela Muñoz, “Chula the Clown”, crearon Silence of Sound, un espectáculo poético-musical y multimedia desprovisto de etiquetas en el que resuenan disciplinas como la ópera, el teatro, la danza y el arte clown, sin encasillarse en ninguna.

Tras siete años de trabajar en esta propuesta, Silence of Sound, tras estrenarse en el Festival Paax de la Riviera Maya, arrancará gira por el País, junto a la Orquesta Sinfónica de Minería, el 6 de septiembre en Ciudad de México, Palacio de Bellas Artes para presentarse después en Guadalajara. Sam Luis Potosí y Monterrey.

“No existen muchas obras, al menos que yo conozca, en la que hagamos una introducción al lenguaje del repertorio sinfónico para cualquier público. Lo han hecho piezas como Fantasía, Pedro y el lobo, El carnaval de los animales o la Guía de la orquesta, pero algo actual de los últimos 30 años, no conozco; me atrevería a decir que nada (hay) de este nivel”.

“Lo que yo quería”, explica De la Parra, “era crear una herramienta para que cualquier persona, conocedor o conocedora de la música sinfónica, o alguien que no ha estado cerca, tuviera una manera de entrar en ese mundo de fantasías, de historias, de posibilidades que nos da el idioma de la orquesta”.

Muñoz definió esta obra como una invitación a sentir la música a través del personaje que interpreta, “Chula The Clown”, desde una búsqueda creativa libérrima.

La directora de orquesta destacó, además, “el lenguaje universal del clown, que, al prescindir de palabras, puede trascender idiomas y culturas”. 

“La idea es que la gente se vaya con una probadita de la música sinfónica y de diferentes estilos, con una propuesta de historia”, detalló De la Parra, y precisó que buena parte del repertorio musical presentado corresponde al siglo 20: Debussy, Bartók, Sibelius, Stravinsky, Prokofiev, Federico Ibarra.

The Silence of Sound – Alondra de la Parra y Chula, the Clown

Martes, 6 de septiembre, 2022, 5:00 pm, Palacio de Bellas Artes, CDMX.

 Guadalajara: Conjunto Santander, 9 y 10 de septiembre;

San Luis Potosí: Centro Cultural Universitario Bicentenario, 13 de septiembre; Monterrey: Show Center, 15 de septiembre. 

Boletos estarán a la venta en cada sede.

Fuente: Yanireth Israde, en Reforma.

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Sobre esa línea versa la ópera Zorros chinos, de la compositora mexicana Lorena Orozco (1958), con libreto de Emilio Carballido, que tendrá su estreno mundial el 3 de julio, a las 17:00 horas, y con funciones el 5, 7 y 10 de julio.

La obra, construida a medio camino entre la ficción y el realismo, está basada en la obra homónima para teatro del propio Carballido, inspirada en el cuento del mismo nombre del autor chino P’sung Ling.

Durante el anuncio, realizado ayer en videoconferencia, Lorena Orozco detalló que la génesis de la obra se remite a 1990, cuando conoció a Emilio Carballido (1925-2008).

Estuvimos juntos en su casa, disfrutando de las maravillas que cocinaba mientras trabajamos en una ópera anterior, titulada Sala de espera, una pieza que él soñó y a partir de ese sueño escribió un libreto. Años después me envió la obra de teatro Zorros chinos, que estrenó en el año 2000 y me dijo ‘Mira, ésta es perfecta para ópera’. Me la mandó a Canadá y empecé a trabajar en ella desde hace 11 años”, comentó la también hermana de la cantante Regina Orozco.

Y agregó: “Es un libreto que se ubica en el siglo XVIII, en Michoacán, en una zona rural donde llega un grupo de seres mitológicos. (El argumento) está basado en la mitología china –que a Carballido le encantaba, quien incluso vivió en China–, así que estos seres llegan a alborotar al pueblo, que es muy limitado por las ideas de la iglesia y donde abundaban el machismo y ellos llegan a revolucionar esas ideas”.

Por su parte, Luis Martín Solís destacó que los protagonistas son los espíritus de la seducción. “Son espíritus positivos que funcionan dentro de un contexto de mujeres que viven matrimonios donde son prácticamente mulas de carga y son golpeadas por los maridos y se abre una posibilidad de gozar de la comida y sentir placer que, por su situación de pobreza, les ha sido negado”.

De tal suerte que Zorros chinos camina entre dos universos: el real y el fantástico, aunque ese universo no sólo se relaciona con las mujeres del campo, ya que en la CDMX se viven las mismas circunstancias. Carballido tuvo un ojo brutal en cuanto a la manera como imaginó a estos personajes, explicó.

También habló la soprano Enivia Muré, quien encarnará a Yuriria. “Estar inmersa en un estreno mundial es algo que marca mi carrera. Además, el construir un personaje desde cero y observar qué es lo que quiere una compositora viva, a quien tengo enfrente, junto con el director de escena, quienes son minuciosos, para explotar al máximo el personaje”, señaló.

Ha implicado un trabajo de introspección muy fuerte, porque estamos hablando de una vida que no es ajena a nuestra época, ya que el machismo está presente en cualquier nivel socioeconómico. En este caso trata de una mujer pobre e ignorante y su círculo es pequeño, pero justamente la música y el libreto se expande en todos los niveles y sectores, porque todos hemos pasado, de alguna manera, por el camino de Yuriria.

Y definió a Yuriria: “Para mí es una mujer que está rompiendo con sus límites, con lo que creía que era la vida y, de repente se le presenta un mundo de placer donde ella existe y se convertirá en algo importante. Creo que es un personaje con el que el público se puede identificar y eso lo ha hecho muy atractivo para mí. La puesta es una manera de romper esas barreras”, en torno a la identidad sexual y la liberación de las mujeres.

Finalmente habló el tenor mexicano Rodrigo Garciarroyo, quien encarnará al Príncipe Wu, quien es el principal de esos zorros chinos. “Estoy feliz de estar involucrado en esta ópera. De entrada, porque es el regreso después de dos años de una sed de cultura y que de pronto empieza a abrirse las posibilidades (de cantar); y porque tendrá la oportunidad de interpretar a un personaje es una delicia, ya que es un sibarita rico, poderoso y que se inclina por el amor y la gozadera”.

Consideró que, en el caso de esta pieza, Príncipe Wu no seduce a las mujeres con engaños, como Don Giovanni, sino que las trata como seres humanos a quienes escucha y les pregunta sobre su vida. “Es el ejemplo de una masculinidad bonita y sana”.

Completan el reparto la soprano Jacinta Barbachano, los tenores Gerardo Reynoso, Ángel Ruz y Gilberto Amaro, las sopranos Diana Rojas, Mariana Ruvalcaba y Lucía Salas; los barítonos Édgar Gil y Amed Liévanos; los bajos-barítonos Rodrigo Urrutia y Enrique Ángeles; las mezzosopranos Belem Rodríguez, Guadalupe López y Lourdes Beltrán, y la contralto Ana Caridad Acosta.

Fuente: Juan Carlos Talavera, en Excelsior

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Como parte de las actividades multidisciplinarias destaca el concierto Visiones contemporáneas de la tercera raíz, que buscará rendir homenaje a las raíces afromestizas de la música latina, a lo cual Ricardo Gallardo, director artístico de Tambuco, compartió cómo surgió este proyecto.

En conferencia de prensa virtual, dijo que mientras hablaba con Héctor Infanzón acerca de “como la historia de un evento desafortunado que fue la migración por esclavitud de las culturas africanas al continente, supimos transformarlo en música, enaltecerlo, aprendimos a ser enriquecidos por las manifestaciones culturales que nos llegaron y muestra de ello es la salud que tienen nuestras músicas: la tradicional, la étnica y la que se hace en contextos urbanos, como la música popular y la de concierto.

Comentó que el programa se dividirá en dos partes: la primera será el ensamble mostrando música que ha sido escrita para ellos por varios compositores de Latinoamérica que demuestra la “riqueza de instrumentos y formas musicales heredadas para dar una nueva expresión, una nueva interpretación: los viejos instrumentos hablando con nuevas voces”.

La segunda, dijo, será música realizada con los invitados y, sobre ella, Héctor Infanzón nos habla de los arreglos musicales que realizó para tres piezas, una de las cuales es propia. Estas obras son un reflejo de la fusión afromexicana, ya que en ellas se combinan ritmos como el son jalisciense con el landó, ya que las similitudes rítmicas empatan perfectamente, al igual que el huapango con el son jarocho. Según Infanzón esto es muestra de que los músicos latinos tienen inserto “el gen del tambor”; la parte rítmica heredada de la negritud.

En el concierto que ofrecerán el sábado 9 de abril a las 19:00 horas en la Sala Principal del máximo recinto cultural de México, también estarán acompañados por Marcos Milagres en el contrabajo, añadiendo otro color a la paleta de sonidos, la cantante tapatía ganadora de la convocatoria Suena la Vida del Festival de Música de Morelia, Natalia Ángel, quien crea música en “tiempo real” al cantar una voz a capela que es grabada y reproducida en “loops” generando varias capas vocales hasta crear una armonización sobre la cual, después realiza una improvisación, y Evelin Acosta, poeta oaxaqueña que ha llevado el arte de la décima espinela a los escenarios más importantes de nuestro país, cuya participación en este concierto consistirá en abordar de manera poética la llegada de la africanía a América y concluyó su participación en la conferencia al invitar al público con unos versos::

            Se pone alegre el país

            con Tambuco en Bellas Artes,

            pues todos tenemos parte

            de una tercera raíz.

            Con un decimal matiz,

            haré las invitaciones.

            Versos, canciones y sones

            al Palacio llevaremos.

            El nueve de abril nos vemos

            con Tambuco Percusiones.

El programa incluirá, además de música tradicional, obras de Jorge Camiruaga, Leopoldo Novoa, Claudia Calderón, David Haro, Víctor Merino y, por supuesto, el propio Héctor Infanzón.

Visiones contemporáneas de la tercera raíz se llevará a cabo el sábado 9 de abril a las 19:00 horas en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes y los boletos tendrán costo de $30, $60 y $80; ya están a la venta en taquillas del recinto y en el Sistema Ticketmaster.com.mx 

Este encuentro, convocado por el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, a través de la Compañía Nacional de Teatro; El Colegio Nacional, la Federación Mexicana de Organismos Públicos de Derechos Humanos (FMOPDH), el Consejo Nacional Para Prevenir la Discriminación (Conapred) y la Universidad Iberoamericana, tiene como propósito abrir el diálogo respecto a las causas, formas de expresión y retos a los que nos enfrentamos como sociedad para erradicar el racismo y la discriminación en los ámbitos del arte y la cultura.

El concierto será realizado con estricto apego a las medidas de protección para artistas,  trabajadores y asistentes, las cuales consisten en la instalación de un filtro con tapete desinfectante, aplicación de gel antibacterial, revisión de la temperatura que no rebase los 37.5ºC, uso obligatorio de cubreboca al momento del acceso y durante la función, y respeto a la sana distancia

Fuente: INBAL

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