El ensamble de percusión mexicano Tambuco llevó a cabo dos sesiones de improvisación bajo el título de Música súbita, en el Ex Teresa Arte Actual, recinto del INBAL, a través de las cuales explotó la amplia gama de sonoridades producidas por instrumentos percusivos, en un diálogo con la arquitectura del Antiguo Templo de Santa Teresa.

Fuente: Festival Contigo en la distancia de la Secretaría de Cultura

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SAFA Ensamble de Percusiones ofreció un concierto en el Museo de Arte de Sinaloa el 26 de marzo de 2019, donde presentó el estreno en México de Sextet de Steve Reich, bajo la dirección de Miguel del Real, director titular de la OSSLA.

El grupo, que dirige el Diego Rojas, y que integran Max Carreón, Alejandro Inda y Edmundo Langner (miembros y ex miembros de la Orquesta Sinfónica de las Artes), ofreció un programa integrado con las piezas Fractalia, de Owen Clayton Condon; Tocatta, de Carlos Chávez; Rítmica 5 y 6, de Amadeo Roldán, y Sextet, de Steve Reich.

Fractalia de Clayton Condon, una pieza con xilófonos y otros instrumentos de percusión abrió el programa. Le siguió la Toccata de Carlos Chávez, una de las primeras piezas de multipercusión del repertorio. 

Luego vino Rítmica 5 y 6 de Amadeo Roldán, a la que se integraron más percusionistas: Jesús Alberto García Quintero, Mario Alberto Carbajal Cázarez, Kevin Zaid Pérez Angulo, Zira Marsella Bernal Quintero, Rodolfo Alejandro Lerma Martínez, alumnos o egresados de la Escuela Superior de Música, en su mayoría. 

El programa terminó con el estreno en México de Sextet, de Steve Reich, en la que estuvieron apoyados por la pianista Laura Hauer, pianista de la OSSLA, y Rodolfo Romo en el piano y sintetizadores, con la dirección de Del Real.

Fuente: Cultura Sinaloa

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Popularizada por Evelyn Glennie, la Danza de Matre es hoy en día una obra reconocida dentro del repertorio para piano y percusiones. La Danza de Matre es sumamente intensa y mantiene sin tregua la tensión rítmica gracias a sus acentos y síncopas impredecibles. El título confunde de hecho dos personajes de la saga de Dunas* (libros 5° y 6°): la Honorable Matre y Sheeana Brugh, quien es la que actualmente ejecuta la danza ritual.

Hijo de una pareja de inmigrantes griegos, John Psathas creció en Taumarunui y después en Napier. Estudió en la Preparatoria de Napier, yendo poco después a Wellington para estudiar piano y composición en la Universidad de Victoria, en donde sufragó parte de sus estudios tocando con un trío de jazz. Posteriormente se perfeccionó en Bélgica con la compositora Jacqueline Fontyn. Radicado de nuevo en Nueva Zelandia desde hace años, Psathas imparte cursos de música en la Universidad de Victoria mientras completa su abultada agenda de encargos desde todo el mundo.

Su música, vibrante y energética, transmite una inmediatez y exuberancia vehementes. Ha escrito obras para alientos, percusiones, cuerdas, piano, música vocal, orquestas, música electrónica y multimedia, tanto para solo como para conjuntos. Se pueden rastrear en sus composiciones la armonía y el swing del jazz, la imperiosa pulsión rítmica y la efervescencia del rock, así como las persistentes texturas repetitivas del minimalismo, que se combinan y entremezclan todas para esparcir esta voz inédita en la música contemporánea.

Fuente: Festival Internacional Divertimento

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Como parte de las actividades multidisciplinarias destaca el concierto Visiones contemporáneas de la tercera raíz, que buscará rendir homenaje a las raíces afromestizas de la música latina, a lo cual Ricardo Gallardo, director artístico de Tambuco, compartió cómo surgió este proyecto.

En conferencia de prensa virtual, dijo que mientras hablaba con Héctor Infanzón acerca de “como la historia de un evento desafortunado que fue la migración por esclavitud de las culturas africanas al continente, supimos transformarlo en música, enaltecerlo, aprendimos a ser enriquecidos por las manifestaciones culturales que nos llegaron y muestra de ello es la salud que tienen nuestras músicas: la tradicional, la étnica y la que se hace en contextos urbanos, como la música popular y la de concierto.

Comentó que el programa se dividirá en dos partes: la primera será el ensamble mostrando música que ha sido escrita para ellos por varios compositores de Latinoamérica que demuestra la “riqueza de instrumentos y formas musicales heredadas para dar una nueva expresión, una nueva interpretación: los viejos instrumentos hablando con nuevas voces”.

La segunda, dijo, será música realizada con los invitados y, sobre ella, Héctor Infanzón nos habla de los arreglos musicales que realizó para tres piezas, una de las cuales es propia. Estas obras son un reflejo de la fusión afromexicana, ya que en ellas se combinan ritmos como el son jalisciense con el landó, ya que las similitudes rítmicas empatan perfectamente, al igual que el huapango con el son jarocho. Según Infanzón esto es muestra de que los músicos latinos tienen inserto “el gen del tambor”; la parte rítmica heredada de la negritud.

En el concierto que ofrecerán el sábado 9 de abril a las 19:00 horas en la Sala Principal del máximo recinto cultural de México, también estarán acompañados por Marcos Milagres en el contrabajo, añadiendo otro color a la paleta de sonidos, la cantante tapatía ganadora de la convocatoria Suena la Vida del Festival de Música de Morelia, Natalia Ángel, quien crea música en “tiempo real” al cantar una voz a capela que es grabada y reproducida en “loops” generando varias capas vocales hasta crear una armonización sobre la cual, después realiza una improvisación, y Evelin Acosta, poeta oaxaqueña que ha llevado el arte de la décima espinela a los escenarios más importantes de nuestro país, cuya participación en este concierto consistirá en abordar de manera poética la llegada de la africanía a América y concluyó su participación en la conferencia al invitar al público con unos versos::

            Se pone alegre el país

            con Tambuco en Bellas Artes,

            pues todos tenemos parte

            de una tercera raíz.

            Con un decimal matiz,

            haré las invitaciones.

            Versos, canciones y sones

            al Palacio llevaremos.

            El nueve de abril nos vemos

            con Tambuco Percusiones.

El programa incluirá, además de música tradicional, obras de Jorge Camiruaga, Leopoldo Novoa, Claudia Calderón, David Haro, Víctor Merino y, por supuesto, el propio Héctor Infanzón.

Visiones contemporáneas de la tercera raíz se llevará a cabo el sábado 9 de abril a las 19:00 horas en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes y los boletos tendrán costo de $30, $60 y $80; ya están a la venta en taquillas del recinto y en el Sistema Ticketmaster.com.mx 

Este encuentro, convocado por el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, a través de la Compañía Nacional de Teatro; El Colegio Nacional, la Federación Mexicana de Organismos Públicos de Derechos Humanos (FMOPDH), el Consejo Nacional Para Prevenir la Discriminación (Conapred) y la Universidad Iberoamericana, tiene como propósito abrir el diálogo respecto a las causas, formas de expresión y retos a los que nos enfrentamos como sociedad para erradicar el racismo y la discriminación en los ámbitos del arte y la cultura.

El concierto será realizado con estricto apego a las medidas de protección para artistas,  trabajadores y asistentes, las cuales consisten en la instalación de un filtro con tapete desinfectante, aplicación de gel antibacterial, revisión de la temperatura que no rebase los 37.5ºC, uso obligatorio de cubreboca al momento del acceso y durante la función, y respeto a la sana distancia

Fuente: INBAL

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En el año 2020 presentó su segundo álbum titulado “Pinceladas en silencio” cuya composición se desarrolla para percusiones melódicas de metal llamadas Tank drums. Esta obra invita a los oídos y a la mente a un introspección sensorial e íntima.

Juan Carlos Del Río Music / Facebook

Juan Carlos Del Río Art / Facebook

Juan Carlos Del Río / Twitter

Fuente: Todos los materiales fueron facilitados por el músico para la publicación de esta nota

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Al lado de La Monte Young, Terry Riley y Philip Glass, Steve Reich es uno de los nombres fundamentales de la música minimalista. Con Phase Paterns (1970) Reich inició su exploración de las posibilidades expresivas de los instrumentos de percusión y del uso simultáneo de dos o más ritmos contrarios, lo cual lo llevó a realizar un viaje a África, donde estudió durante poco más de un mes bajo la tutela del percusionista Gideon Alerwoyie. Esta experiencia quedó plasmada en Drumming (1971), su primera composición a gran escala (tanto en duración como en alineación instrumental).

Estrenada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, Drumming es una extensa obra de aproximadamente hora y media compuesta para nueve percusionistas, una voz masculina, dos o tres voces femeninas, silbido y flautín. Dividida en cuatro partes unificadas con un solo patrón rítmico, Drumming está estructurada en series de repeticiones con velocidades y combinaciones tímbricas cambiantes. Además, cada una de las partes (que deben interpretarse sin pausas y de memoria) presenta una combinación instrumental distinta: voz masculina y cuatro pares de bongos (I); dos voces femeninas y tres marimbas (II); silbido, flautín y tres glockenspiels (III); y finalmente todo el conjunto instrumental y vocal (IV).

Con Drumming, Steve Reich consolidó su objetivo de presentar al escucha la música como un proceso de creación gradual: los dos instrumentos iniciales establecen el ritmo tocando alternadamente una nota a la vez. De pronto, uno de los intérpretes empieza a ir más rápido que el otro hasta que percibimos que se ha creado un nuevo patrón rítmico, que en realidad es el mismo ritmo ubicado en un tiempo distinto. Poco a poco los demás intérpretes se van integrando, desarrollando diferentes patrones a partir del ritmo inicial y agregando, una tras otra, capas de sonoridades cada vez más complejas hasta alcanzar un estado hipnótico y un clímax musical como pocas veces se ha escuchado en una pieza minimalista.

Steve Reich: Drumming (I) / The Cole Conservatory New Music Ensemble

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Fuente: Arthur Jacobs, Diccionario de música, Buenos Aires, Editorial Víctor Leru, S.R.L., 1958.

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La historia empezó a contarse cuando tenía 5 años y se sentó a pegarle a los bombos y platillos de una batería.

“Fue por casualidad que llegué a la música. La curiosidad por improvisar y el sentido de libertad que encontré en ella me engancharon”, cuenta Antonio Sánchez, músico originario de la Ciudad de México.

El baterista, de 45 años, estudió piano en el Conservatorio Nacional de Música, pero más tarde le fue concedida una beca para especializarse en ejecución de jazz en el Berklee College of Music de Boston, donde se graduó con honores a finales de los años 90 para después irse a vivir a la Gran Manzana.

“En 1997 tomé la decisión de irme a Nueva York, una ciudad que no ha sido fácil, pero que me ha permitido conocer a los jazzistas más importantes del mundo, como Pat Metheny, Chic Corea, Scott Colley y Chris Potter, con quienes también he podido trabajar”, indica el nieto del actor Ignacio López Tarso.

Aún guarda su primera batería, una Tama azul a la que poco a poco le sumó más aditamentos. La conserva como un tesoro de los tiempos en que su madre intentó hacerlo mirar a otros horizontes.

“Lo que quería era hacer cierto tipo de cosas, con cierto tipo de gente, así que tuve que mantenerme firme en lo que buscaba y moverme al lugar indicado”, agrega el baterista. A finales de los 80 y principios de los 90, que fue cuando se metió de lleno en la música y la batería, la Ciudad de México nada más contaba con un club de jazz, situación que empezó a cambiar a principios de este siglo con nuevos espacios y festivales.

Baterista, compositor y educador, lleva una larga trayectoria en el jazz como solista y también baterista en el grupo de Pat Metheny, con quien ha trabajado en casi todos los proyectos del prestigiado guitarrista y grabado ocho álbumes, tres de ellos ganadores de Grammys.

Sánchez ganó un Grammy por la música que escribió para la película Birdman, de Alejandro González Iñarritu, y también ha escrito la música para un documental del español Fernando León de Aranoa y la cinta británica, Hipopótamo. “Lo que me gusta del jazz es su libertad. No hay artificios. Tocas o tocas. Mi presencia en el cine tiene que ver justo con eso, con el hecho de explorar y experimentar aunque debes estar consciente de que el resultado final no está en tus manos,” puntualiza.

Fuente: Felipe Hernández, agencia Reforma, publicado en El Sur, Acapulco, Gro.

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