A lo largo de su carrera, el repertorio grabado de Horowitz se extendió mucho más allá de esas especialidades tempranas de Chopin, Brahms, Liszt, Chaikovski, Scriabin y Rajmáninov; En sus largas colaboraciones con la RCA, luego con Columbia y, finalmente, con Deutsche Grammophon, Horowitz también tocó temas que iban desde Scarlatti, Haydn y Clementi hasta Beethoven, Schumann y miniaturas de todos los tiempos con éxito artístico y comercial; en un período en el que se dedicó a la música moderna, estrenó la Sonata de Samuel Barber en 1950, junto con la grabación de sonatas de Prokofiev y Kabalevski. Impulsado por “crecer hasta morir”, dijo, el pianista se dedicó nuevamente a seleccionar sonatas de Beethoven en su período intermedio y luego varias obras de Mozart a medida que envejecía. Horowitz también elaboró ​​sus propias transcripciones y arreglos, incluyendo obras sensacionales como sus variaciones sobre Carmen y Stars and Stripes Forever (esta última la estrenó en el Carnegie Hall en 1945 para celebrar el final de la Segunda Guerra Mundial, con una repetición en Central Park). En su libro Los grandes pianistas, el crítico Harold Schonberg escribió: “Como técnico, Horowitz fue uno de los más honestos en la historia del pianismo moderno. Logró sus deslumbrantes efectos sólo con los dedos, utilizando el pedal con moderación. Las notas de las escalas no podrían haber sido más uniformes; los acordes no podrían haber sido atacados con mayor precisión; las octavas no podrían haber sido más agudas o más emocionantes; los saltos no podrían haber sido alcanzados con mayor precisión… Había elaborado su propia técnica, una que iba en contra de las tradiciones establecidas de mano y brazo. Tenía las manos giradas hacia afuera; usaba una muñeca baja y dedos planos; el dedo meñique de su mano derecha siempre estaba curvado hasta que tenía que tocar una nota. Cuando lo hacía, era como el ataque de una cobra… Por encima de todo, estaban sus estupendos fortissimos, ese cuerpo de sonido orquestal”.

Famoso por su gran nerviosismo y por su arte siempre en la cuerda floja, Horowitz se tomó cuatro descansos de las actuaciones en público para tratar diversos asuntos, y sus regresos fueron acontecimientos muy publicitados. El primer descanso duró dos años en 1936; el más largo fue de 1953 a 1965, seguido de un tremendo regreso a casa, al Carnegie Hall. Pero incluso durante sus últimos descansos, grabó regularmente en su casa de Manhattan, documentando su arte a medida que evolucionaba sutilmente incluso más allá de los grandes escenarios y el estudio de grabación. Una película de 1985, The Last Romantic, capturó al pianista en sus últimos años, tocando en casa y recordando a Scriabin y Rajmáninov. Al año siguiente, Horowitz regresó a Rusia, 61 años después de su partida, un evento enormemente emotivo tanto para el artista como para el público, documentado en el álbum de conciertos y la película Horowitz in Moscow. En 1987, dio su último recital en Hamburgo; murió dos años después. Aunque no fue un profesor prolífico, Horowitz fue mentor de pianistas tan notables como Byrsobre Janis, Gary Graffman y Ronald Turini, además de entrenar a Murray Perahia al principio de su carrera. “Tocar el piano implica intelecto, corazón y técnica”, dijo Horowitz. “Todos deben desarrollarse por igual. Sin intelecto, serás un fiasco; sin técnica, un aficionado; sin corazón, una máquina. La profesión tiene sus peligros”.

Fuente: Bradley Bambarger para steinway.com

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Pollini fue durante seis décadas el paradigma del músico brillante y apasionado al tiempo que elegante y fiel. Deja una marca imborrable en el panorama musical, ganándose el respeto y admiración de colegas y aficionados por igual.

Alberto González Lapuente, crítico musical de ABC Cultural escribe una útil y experta reseña sobre algunas grabaciones de Pollini bajo el sello Deutsche Grammophon, con el cual mantuvo una relación de por vida:

Su primera grabación (1971) fue Tres movimientos de Petrouschka de Stravinski y la séptima Sonata de Prokofiev, la cual se considera aun un hito en la discografía pianística.

Todavía se lee que el registro de los Estudios Op. 10 y 25 de Chopin es la mejor de Pollini, quizá porque arrodilló el mundo ante semejante alarde técnico y apabullante interpretación. Con Pollini se asienta la actual visión de la música del compositor polaco, definitivamente ajena a cualquier afectación romántica, recta, colosal. Luego vinieron otras grabaciones con música de Chopin, definitivamente arrebatadoras, rectas y musculares. 

En 2002, Pollini supervisó una edición conmemorativa de 13 discos con motivo de su sexagésimo aniversario. Otra colección recordó su 75 aniversario, e incluyó 58 álbumes. Por destacar algunas de estas grabaciones: el inalcanzable concierto de Schumann, referencia de origen en el Festival de Salzburgo de 1974, en un primer encuentro con Herbert von Karajan con apoyo de la Filarmónica de Viena.

En 2014 concluyó la integral de las Sonatas de Beethoven…que ensanchó la admiración de sus seguidores, a quienes les descubrió la innegociable intensidad interna de esta música. En algún momento, Pollini señaló: “Para qué abordar a Beethoven con espíritu contemporáneo, si es moderno por sí mismo”.

La música del siglo XX deja un reguero de registros que se inicia con Schoenberg (1975) y continúa desmigando en Bartók, Webern (impecables   las Variaciones, Op.27,(1976), Boulez (una cúspide con su inabordable ‘Segunda sonata’, 1978, Stockhausen y Luigi Nono, a quien ofrece ’sofferte onde serene…’ para piano y cinta magnética, dedicada a Pollini por el compositor veneciano”.Fuente: Alberto González Lapuente, en ABC, Madrid.

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Londres, 8 de abril 1982. Arturo Benedetti Michelangeli. 

La Orquesta Filarmónica de Londres espera sentada la entrada del director de orquesta. Las partituras de Debussy y Ravel descansan en los atriles, esperando renacer de nuevo. Todo parece seguir el ritual habitual de cualquier concierto. La Royal Festival Hall de Londres se inunda de un silencio místico. Algunos tosen con discreción, esperando prevenir ruidos molestos durante el concierto. Otros dan la última ojeada al programa de sala. La tensión es evidente. Se mezcla a la emoción en un clima de pura energía: ese no es un concierto cualquiera. Saben muy bien que cualquier ruido, incluso el más mínimo y natural, no será el bienvenido esa noche. Podría incluso causar la interrupción de la ejecución, la ruptura de una magia que muchos han esperado años para ver. Y la verdad, nadie quiere terminar en los periódicos del día siguiente como el responsable de una semejante tragedia. Todo tiene que ser perfecto para que esa noche entre en la historia. Otro minuto más de silencio y aparecen los protagonistas: se ve la cabeza del director, Sergiu Celibidache, acompañado por un hombre de pelo negro, con una mirada seria y obscura, como si buscara evitar los aplausos del público para no interrumpir su concentración religiosa antes del concierto. Es el pianista Arturo Benedetti Michelangeli. 

Con sus setenta y dos años, Benedetti Michelangeli es, en ese momento, uno de los pianistas más admirados del momento. Su devoción total ante el piano, su rigurosa búsqueda del sonido perfecto junto a su carácter severo y reservado lo han transformado en un mito. Célebres son sus caprichos como célebres son los pocos conciertos y, aún, más los escasos discos que ha regalado a su público. Sus aficionados admiran la coherencia de un hombre que, cinco minutos antes de un concierto, cancela todo porque el piano, su piano, ese día tiene un sonido diferente; y luchan para conseguir grabaciones piratas de los pocos conciertos que da, casi siempre en Alemania y en Suiza. Esa noche de junio Michelangeli es una criatura de otro mundo: su cuerpo es inmóvil, su expresión imperscrutable. Son sus manos, ellas solas, casi desconectadas de su cuerpo, las que hacen la magia. Benedetti Michelangeli es una estatua y como tal el público la venera. Las cámaras en la sala no se dejan asustar por su rigidez. Al contrario: su sed de imágenes encuentra en Benedetti Michelangeli la fractura, el contraste que el mundo, tan frenético y obsesionado con la acción, necesita. 

Mi casa, ayer en la noche. Glenn Gould

Después de un largo día de trabajo, decido echarme en el sillón y poner un poco de música para piano. Tengo ganas de Bach. Me acerco a mi computadora para abrir mi Spotify (mi librería de discos me mira con nostalgia) buscando en mi mente el disco que quiero escuchar. Ahí están: los discos blancos y rojos de la Sony, la obra integral para piano con Glenn Gould. Son tantos que me tardo unos cuantos minutos en encontrar el que quiero: vol. 5, partitas, Concierto Italiano. Si: es ese. Comienza a tocar el preludio de la partita n. 1, sigue la alemanda. No regreso a mi sillón y decido ponerme a hacer cosas, ordenar libros, hacer un par de llamadas, preparar la cena…la música que quería escuchar se transforma en un sonido de fondo que, de vez en cuando, vuelve a tomar el escenario cuando callan otros ruidos. Hasta que llega el Adagio del concierto en re menor para oboe de Marcello que Bach transcribió para piano. Ahí sí, no puedo seguir. Interrumpo todo y contemplo ese momento de absoluta perfección. Siento las notas y, con ellas, la voz de Gould que geme en el fondo, como si sus manos no lograran liberarse completamente del viento de emociones que esa música despierta en él. Es un momento mágico, a su manera místico y religioso. Mi silencio admira la música, imposible no hacerlo, pero termina contemplando al pianista y su pathos. Me doy cuenta de que él, y no la música, es el verdadero centro de mi atención. 

Cuarenta y dos años después de su muerte, Glenn Gould sigue siendo de los pianistas más conocidos a nivel mundial. Pocos son los que tuvieron el privilegio de verlo en vivo en los pocos, escasos conciertos que ofreció a lo largo de su trayectoria musical. Nada comparable con los millones que desde los años 80’ fueron comprando sus discos y, hoy, llevan su nombre en la lista de los artistas más escuchados en Spotify en la categoría ‘música clásica’. Sin mencionar YouTube, plataforma en donde Gould domina indiscutiblemente la clasificación de los pianistas más vistos. Y es suficiente abrir uno de sus videos más famosos – la grabación en video de las Variaciones Goldberg de 1981, unos años antes de su muerte – para entender la razón de este éxito. La música comienza antes de que podamos ver a Gould: las cámaras nos reciben con un plano lento sobre las consolas y pantallas de una sala de grabación. Gould aparece desde lejos, detrás del vidrio que lo separa de la sala de control, encorvado sobre el piano, sentado en su silla, visiblemente más baja de lo que sería un tradicional banquito para piano. Su cuerpo se mueve con la música, acompaña sus gestos. La boca tartamudea sonidos primordiales: la voz se ahoga, llora, aplaude las maravillas de Bach. Todo es una danza total y absoluta en donde no sabemos si el cuerpo de Gould es la víctima o el motor de la música que estamos escuchando. 

Hacer una comparación entre Arturo Bendetti Michelangeli (1920-1995) y Glenn Gould (1932-1982), dos de los más grandes pianistas del siglo pasado, es una tarea monumental, demasiado grande para poderla resumir en lo que queda de este texto: nos obligaría a tocar con mano todos esos temas filosóficos que rodean palabras como ‘interpretación’ ‘verdad’, ‘cuerpo’ y ‘religión’. Sin embargo, hay otro tema, aparentemente menos filosófico, que estos dos ejemplos nos invitan a analizar, aunque superficialmente: la mediatización de la música. Benedetti Michelangeli y Gould viven y trabajan en los años que marcan el triunfo del video y de la música grabada. Son los años, 1960-1990, en que la radio y, luego, la tele substituyen a la chimenea como lugar de reunión en las casas del mundo occidental, mientras el cine va quitando público al teatro y a la ópera. La cámara remplaza nuestros ojos y decide qué es lo que podemos ver en una escena mientras que el disco da acceso constante a la música sin tener que ir a un teatro o a una sala de concierto, transformando la música en otro adorno más de nuestra cotidianidad. La tecnología no cambia solo nuestras costumbres sino también nuestra forma de escuchar: el video elige los momentos en los que vale la pena concentrar nuestros oídos en la música o nuestros ojos en el intérprete; el disco, al contrario, nos da la libertad de interrumpir una sinfonía o saltar al movimiento siguiente: nos da el poder de ejercer nuestra libertad ante algo cómo la música clásica que el mundo sigue adornando de espiritualidad. En este cambio radical de nuestra cultura, Benedetti Michelangeli y Gould representan dos casos opuestos en la forma de vivir la música, pero idénticos en la forma en la que los medios, sea la televisión o un disco, contribuyen de forma determinante a construir, contar y representar su mito más allá de la música que tocan desde su piano. 

Fuente: Francesco Milella para Música en México

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Silvia Navarrete, piano

En 1874 la orquesta del Conservatorio ejecuta una “instrumentación” de la obertura de Bellini I Capuleti ed i Monteschi, en el programa se menciona que Guadalupe es “…discípula particular del Maestro Melesio Morales”. En el mismo concierto de debut de Amparo Díaz Triujeque, en junio de 1875, se ejecuta una transcripción sobre motivos de La africana de Meyerbeer elaborada para 4 pianos y dieciséis

manos por Guadalupe Olmedo, los intérpretes son: Tomás León y Francisco Ortega; Julio Ituarte y Francisco Sanroman; Tiburcio Chávez y Felipe Larios; José Careaga y Pedro Mellet. Esta transcripción volvió a ejecutarse en agosto de ese mismo año cambiando algunos de los intérpretes: Tomás León y Francisco Ortega; Julio Ituarte y Francisco Sanroman; Fernando Domec y Tiburcio Chávez; Pedro Mellet y Juan Salvatierra.iv

Teóricamente en 1875 realiza su examen en el Conservatorio, sin embargo no conocemos la fecha, ni más pormenores que los que ofrece Francisco Sosa en su breve biografía sobre la compositora. Lo que si se encuentra en un periodico es la noticia de que se le entregó una medalla por su brillante examen:

“La junta directiva del conservatorio de música y declamación ha resuelto premiar con una medalla de plata a la Srita. Guadalupe Olmedo por sus adelantos como discípula del Sr. Morales en la clase de armonía. Nuestros lectores recordarán que la Srita. Olmedo en su exámen presentó quince composiciones suyas, de distintos géneros. Nada tan justo como la recompensa que va a recibir.”

En 1877 se anuncia la edición de su pieza Reminiscencias sobre Aida; en agosto de 1878 dentro de un concierto de la Sociedad Filarmónica Alard, a la que pertenece, estrena su transcripción sobre Los hugonotes y dedicada a la sociedad, participan: ella misma y su hermana Pomposa; Eulalia Lucio, Enriqueta Ortega, Tomás León, Francisco Ortega, Rafael Camargo y Luciano Lucio; también forma parte del contingente pianístico en una obra de Ituarte.

En 1883 se le anuncia como una de las colaboradoras de una publicación de Nagel y Sucesores llamada Álbum Musicalix. En 1885 se anuncia una pieza de su autoría para violín y piano, que sería interesante encontrar en algún sitio. En 1886, La crónica de la mujer señala: “Guadalupe Olmedo, cuya inteligencia iluminó Euterpe, es compositora, y obra de su inspiración fue la música que acompañó la bella leyenda del general Riva Palacio que ofrecemos para el próximo número…”. En el siguiente número se publica un texto firmado por Riva Palacio sobre la leyenda de Lorencillo. Episodio histórico. Año de 1683”. ¿Será este texto el que musicalizó Guadalupe? No lo sé.

Se anuncia el matrimonio de Guadalupe Olmedo con Melesio Morales, a la sazón viudo. En La patria señala más detalladamente:

“Antier recibieron la bendición nupcial el reputado maestro Melesio Morales y la virtuosa Señorita Guadalupe Olmedo. Esta unión es la de genios. Todos sabemos lo que en el arte musical vale y significa el Sr. Morales. En cuanto a su digna consorte sabemos también que es una notable pianista y distinguida compositora, en una palabra, una artista de mérito real y positivo.”

Fuente: Carrasco Vázquez, Fernando (2021). 48 Mujeres en la Música Mexicana del Siglo XIX. Antología de Partituras, Retratos, Esbozos Biográficos y otros documentos en https://musicologiacasera.wordpress.com/

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Schetinina era la hija del director de la fábrica estatal de porcelana decorativa en las afueras de San Petersburgo. Se graduó del Conservatorio de esa ciudad en 1867 con la “Gran Medalla de Oro” y el diploma de “Artista Libre”. Según un biógrafo, ella “conocía a Anton Rubinstein como ‘papá pequeño’ y él respondió con la misma intimidad ‘hija pequeña'”. Había estudiado piano con el eminente Theodor Leschetizki, y él la calificó como “entre las damas, la más grande”. Aparentemente, se escuchó a Chaikovski decir, “esa chica Schetinina es una verdadera virtuosa, pero lamentablemente, su resistencia física impide cualquier carrera extensa”. Nikolai y Lyubov se casaron en el otoño de 1870. Mientras que Nikolai comenzó a trabajar como abogado, su esposa continuó con su carrera como concertista. Embarazada de siete meses, tocó un recital completo con obras de Scarlatti, Chopin, Leschetizki, Schumann, Liszt y su propio ‘Scherzo’. También tocó en un concierto en solitario cinco días antes de que naciera el niño y enfermó gravemente.

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María Teresa Rodríguez, piano

En 2023 celebramos los 100 años del nacimiento de la excepcional pianista mexicana María Teresa Rodríguez. Fue considerada una niña prodigio, ya que a sus cuatro años tras la influencia de su mamá; pianista y maestra de piano, y su papá; cantante, inició su formación en el lenguaje musical y la ejecución de piano. A partir de ahí, comenzó a fincar un ciclo profesional extraordinario.

Debutó como concertista a los 8 años de edad, tocando obras de Bach, Mozart, Chopin, Debussy y el Concierto No. 1 de Beethoven. Claudio Arrau escribió después de oírla (el 4 de octubre de 1942): “Ha sido para mí un verdadero placer constatar que se trata de un talento excepcional que tiene todas las cualidades pianísticas para hacer una gran carrera como concertista”.

Este pronóstico fue hecho realidad, pues María Teresa dio recitales ininterrumpidamente en todo México, Cuba, Estados Unidos, Uruguay, Argentina, Perú, Inglaterra, España, Holanda, Dinamarca y Alemania.

María Teresa estudió en Estados Unidos varias de las obras fundamentales del repertorio pianístico, con el eminente pianista y maestro ruso Alexander Borowski, Ha sido solista de las principales orquestas de México y de las sinfónicas de Boston, Cuba y Dallas, así como de la Filarmónica de Moscú, la Nueva Filarmonía de Londres, la Orquesta Nacional de Lima, la Orquesta del Festival de Aptos, California, y la Orquesta de la Universidad de Boulder, Colorado, entre otras.

Su maestro Alexander Borovsky le expresó que ella había sido la mejor alumna de toda su vida. Y Carlos Chávez, después de oírla tocar el Concierto “Emperador”, de Beethoven, comentó: como tocó María Teresa este concierto, nadie lo puede mejorar.

Además de sus éxitos continuos como concertista, difundió la música de compositores mexicanos, principalmente la de Carlos Chávez, de quien fue colaboradora en su taller de composición en el Conservatorio Nacional de Música (1960-1964) y bajo cuya supervisión trabajó toda su obra para piano, misma que grabó para la RCA en 1981, así como su concierto para piano y orquesta con Eduardo Mata y la New Philharmonia Orchestra de Londres.

En 1952 Carlos Chávez le otorgó una beca del INBA para estudiar y dar conciertos en Europa, con la condición de que no se quedara por allá, pues el país la necesitaba como maestra y pianista. De 1988 a 1991 dirigió el Conservatorio Nacional de Música, siendo la primera mujer en ocupar ese cargo.

Su labor musical fue reconocida al ser miembro del jurado del Concurso Internacional Federico Chopin en Varsovia, Polonia, en 1970; Internacional Ciudad de Montevideo, en 1972, y el Interestatal en San Antonio, Texas, en 1980. Recibió reconocimientos en su estado natal, Hidalgo, en 1988 y 1989, y en 1986 se le nombró huésped distinguida de la ciudad de Denver, Colorado. Asimismo, obtuvo la Orden al Mérito Cultural, otorgada por el gobierno polaco por difundir la obra de Chopin.

También fue galardonada con el Premio a la Excelencia Académica del Instituto Nacional de Bellas Artes en 1996. En el 2005 recibió un merecido homenaje durante las actividades artísticas del festival Instrumenta Verano que se realiza en el Estado de Oaxaca, al siguiente año, el INBA le entrega la Medalla de Oro de Bellas Artes, y en el 2008 el Gobernador del estado de Hidalgo Miguel ángel Osorio Chong le entrega la Medalla Pedro María Anaya, reconocimiento que otorga la LIX Legislatura del Congreso del Estado de Hidalgo.

En la Ciudad de México ofreció recitales frente a destacados compositores como Manuel M. Ponce, Julián Carrillo y Claudio Arrau. En 1989 participó en el homenaje a Carlos Chávez con motivo de los 90 años de su nacimiento, ofrecido por la Universidad de Florida en Miami.

En 1991 tocó en el festival México en el Arte, en Nueva York, y en 1993 representó a México en el Festival Europalia, en Bélgica, así como en el Festival Mexican Performing Arts.

El reto más grande que enfrenta cualquier instrumentista es recrear la obra de un compositor, dice Perogrullo. Escuchar a María Teresa Rodríguez equivale a oír adecuadamente los conceptos estéticos vertidos por cada uno de los compositores en el repertorio tradicional. En su haber concurren tres cualidades básicas. Una extraordinaria memoria (más de 400 obras), una peculiar sensibilidad y una solidez técnica inusual.

En el video:

Danzón Cubano de Aaron Copland
María Teresa Rodríguez y Tonatiuh de la Sierra, piano

Cuatro danzas mexicanas de Manuel M. Ponce

Concierto para piano y orquesta Op. 54 de Robert Schumann 
María Teresa Rodríguez con la Orquesta Filarmónica de la UNAM dirigida por Roberto Manfredini.

HP, El trópico de Carlos Chávez
María Teresa Rodríguez y Tonatiuh de la Sierra.

Concierto para piano y orquesta No. 1 Op. 23 de Piotr Illich Chaikovski
María Teresa Rodríguez con la Orquesta del Festival de Cabrillo

Fuente: Fonoteca Nacional de México

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Con Arcana, Alicia Urreta inició una contundente ampliación de su discurso musical. Sin apartarse del esquema tradicional del diálogo o conflicto entre la orquesta y el solista, arcana despliega el poder atmosférico y la pluralidad tímbrica de un poema atonal; un experto conocimiento de la escritura pianística le permitió a la autora desarrollar un brillante diálogo con la orquesta que, en un primer movimiento, se resuelven con constantes oposiciones de carácter. Por el contrario, un segundo movimiento adornado con una cadencia libre tiende a unificar el discurso con la orquesta; para redondear el desarrollo del concierto, el tercer movimiento, que utiliza la acción directa de las cuerdas del piano, logra sugerentes momentos que boca la imaginativa música del Norte americano George Crumb.

La Cantata de la pluma al ángel contiene momentos de extraordinarios aciertos sonoros, por ejemplo, las imágenes violentas del primer movimiento, el uso dramático de las invocaciones y exclamaciones en la “Elegía del Duino”, el impresionante avance de la soprano y la percusión en el “Nocturno a los ángeles” o el clima onírico del agitato y nervioso del “Apocalipsis”.
Fuente: Moreno Rivas, Yolanda. La composición en Mexico en el Siglo XX. México D.F.: Lecturas mexicanas, 1996.

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El segundo lugar, medalla de plata y $50mil dlls lo ganó la pianista rusa Anna Geniushene, de 31 años y el tercer lugar, medalla de bronce y $25.000dlls fue para el ucraniano Dmytro Choni, quien no titubeó en declarar que Kim “es un joven increíble”.

El concurso Cliburn es una de las competencias musicales de mayor relieve, por el nivel de sus participantes y la visibilidad que tiene internacionalmente, a través de streaming en vivo y grabaciones que un amplio público puede disfrutar en YouTube y formar su propia opinión de los jóvenes talentos.

Además de los premios sustanciosos, los ganadores tienen la oportunidad de realizar giras de conciertos durante tres años y ser objeto de contratos con representantes artísticos. 

Cabe agregar que cada participante, desde las rondas preliminares, a los cuartos de final y semi-final reciben un premio en efectivo; existen también  premios que otorga el jurado a discreción y otros que aportan patrocinadores.Fuente: Dallas Morning News

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la entrega al piano y al estudio profesional.

Algunos ejemplos nacionales:

• Aranza Ortega Jaimes, de 15 años. Originaria de Iguala, Guerrero; resultó ganadora del concurso Gran Prize Virtuoso Vienna 2022, dentro de su categoría. Estudiante del Conservatorio Nacional de Música.

• Raúl Salazar, 12 años. Originario de Guadalajara pero radicado en Torreón, Coah., ha destacado en diversos concursos internacionales. En 2021 debutó en Torreón con el Concierto no. 23, K488, de Mozart y la Camerata de Coahuila que dirige el maestro Ramón Shade. De nuevo estará con este conjunto en un programa de música para niños – Saint Saëns, Prokofiev.

• Sergio Vargas, 16 años, oriundo de Torreón, se ha presentado como solista con la Orquesta Sinfónica Nacional, en Bellas Artes. A los 13 años ganó el Premio Nacional de la Juventud.

• Rodrigo Landa-Romero, 16 años. Seleccionado dentro de los 100 niños prodigio más destacados del mundo 2022, según el Global Child Prodigy Awards, de Dubai. Toca el piano desde los 6 años.

• María Hanneman. Ha sido acreedora a 19 galardones (7 nacionales y 12 internacionales) y múltiples recitales y conciertos en festivales por todo el mundo. Destaca el International Music Competition ‘Salzburg’ Grand Prize Virtuoso. En el mes de abril del presente debutará en el prestigioso Royal Albert Hall de Londres. Además tiene dos fechas de recitales en la Casa México de Madrid.

• Daniela Liebman, 19 años. Tapatía. Se estrenó como solista a los 8 años con la Sinfónica de Aguascalientes; desde entonces se ha presentado con más de 20 ensembles, en cuatro continentes, incluyendo el Royal Albert Hall, de Londres, donde recibió un premio de la International Music Competition 2021; le siguieron recitales en la Casa de México en Madrid y, de vuelta en México varias participaciones en la Ciudad de México y el 30 de abril en León, en el Teatro Bicentenario. Estudia en la escuela Juilliard de NY.

Fuente: Yanireth Israde, en Reforma.

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de la técnica, erudición y musicalidad para llegar a las sensibilidades de los escuchas”, señala el NYTimes.

Llamado “conjurador de sonidos”, intérprete a veces excéntrico, paciente e hipnótico, se distinguía por su control  sobre el vaivén de las notas y su meticuloso toque inicial. 

Nacido en Rumanía, empezó a estudiar piano a los 6 años. A los doce años tocaba sus propias composiciones ante público. Ganó los concursos pianísticos más importantes – Van Cliburn, Leeds, Geza Anda, Georges Enescu, entre otros.

De los célebres pianistas rumanos – como Dinu Lipatti, Clara Haskil – Lupu es el más enigmático: si bien su aspecto  Impresiona e intimida, era considerado encantador, sencillo, bon vivant y no presentaba ningún estigma del “gran artista”. 

A la vez, su carrera nunca pareció importarle mucho: tocaba en los lugares más diversos, en las escenas y ciudades  menos importantes, en las salas de concierto donde muchos de sus colegas no se presentarían jamás. Y tocó poco en público  porque no tenía miedo de “perder su lugar”. Lupu tocaba donde sentía la necesidad de tocar. Sus grabaciones también son

escasas lo cual es una pena porque quedan pocos testimonios de una buena parte de su repertorio. Asimismo, son pocos los  testimonios en video. Decca lanzó hace años un estuche con 10 cds que incluyen solos de piano de 1971-1995; All Music los califica como “interpretaciones superlativas”. 
Fuentes: Alain Lompech, Les grands pianistes du XXe siécle, Paris, Buchet Chastel, 2012; The Guardian, NYT.

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