El conocimiento científico —objetivo, inteligible, dialéctico— y el arte son dos caras de una misma moneda, a pesar de que con frecuencia se les considere completamente independientes y sin convergencias. Como prueba de ello, basta revisar la vida de artistas y científicos para darnos cuenta que muchos han encontrado en disciplinas ajenas a la suya oportunidades de mejorar su intuición y comprensión del mundo. En esta charla nos adentraremos en la vida y obra de algunos compositores que han sido científicos (o científicos que han sido compositores), y veremos cómo este talante interdisciplinario es crucial para la evolución del conocimiento, porque, en palabras de Jorge Wagensberg, “nada hay más interdisciplinario que la misma realidad”.

Sergio Villicaña Muñoz es ingeniero en biotecnología por el Tec de Monterrey, con una especialidad en estadística por la UNAM. Actualmente realiza un doctorado en King’s College London sobre modelos computacionales de predicción genómica. Asimismo, estudió piano y guitarra clásica en la Escuela Superior de Música. Sergio ha participado en Música en México con charlas y artículos que exponen la relación entre la música y distintas disciplinas científicas.

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Sergio Villicaña Muñoz es ingeniero en biotecnología por el Tec de Monterrey, con una especialidad en estadística por la UNAM. Actualmente realiza un doctorado en King’s College London sobre modelos computacionales de predicción genómica. Asimismo, estudió piano y guitarra clásica en la Escuela Superior de Música. Sergio ha participado en Música en México con artículos que exponen la relación entre la música y distintas disciplinas científicas.

Placer y desagrado musical: Argumentos científicos sobre la consonancia y disonancia

Desde las primeras nociones musicales en la Grecia antigua hasta las vanguardias más revolucionarias de los siglos XX y XXI, en la historia de la música ha existido un interés especial por explicar el porqué de nuestro gusto (o desagrado) a ciertos sonidos. Por una parte, las ideas sobre consonancia y disonancia son el reflejo de cada tiempo y cultura, pero también han moldeado la forma de componer en los distintos periodos artísticos. En esta charla, Sergio Villicaña describirá algunas de las hipótesis científicas de áreas como las matemáticas, la física y la biología sobre la consonancia y la disonancia, sus alcances y limitaciones.

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En la historia de la ciencia y la filosofía la intrigante pregunta de “¿nace o se hace?” ha conllevado incontables debates y estudios. La facilidad artística de una persona, la sensibilidad de un pintor, la agilidad de un bailarín, la creatividad de un escritor o la virtuosidad de un músico, ¿son acaso inherentes?, ¿o la genialidad se puede adquirir dadas las circunstancias correctas y la disciplina? En esta charla, abordaremos estas y otras cuestiones, y trataremos de encontrar respuestas —parciales, al menos— hablando de las bases genéticas de la música.

Sergio Villicaña Muñoz es ingeniero en biotecnología por el Tec de Monterrey, con una especialidad en estadística por la UNAM. Actualmente realiza un doctorado en King’s College London sobre modelos computacionales de predicción genómica. Asimismo, estudió piano y guitarra clásica en la Escuela Superior de Música. Sergio ha participado en Música en México con artículos y charlas en los que aborda la relación entre la música y distintas disciplinas científicas.

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Con la llegada de las fiestas decembrinas llegan también inevitablemente numeroso villancicos y canciones navideñas que se dejan oír por doquier. Más allá de la música tradicional, la Navidad ha inspirado de una u otra forma la música académica. Algunas composiciones han persistido en la memoria popular —como la suite de El Cascanueces de P. I. Chaikovski— pero por su copiosidad, merecen revisión otras que son igualmente evocativas y menos conocidas. Sin pretender ser exhaustiva, a continuación proponemos a los lectores una lista de piezas y obras acompañada de breves anotaciones.

Durante el Renacimiento y gracias en buena parte a las innovaciones en la polifonía, la música coral se enriqueció más que en ningún otro período. Giovanni Gabrieli fue un celebrado músico en sus días, quien se destacó en Venecia y fue organista de San Marcos a principios del siglo XVII. Compuso múltiples obras para metales y para coros, entre ellos el motete Salvator noster para quince voces, una exhortación al júbilo por el nacimiento de Cristo.

Contemporáneo de Gabrieli, el compositor más destacado de la escuela romana fue el español Tomás Luis de Victoria. Uno de sus motetes más celebrados es O magnum mysterium, cuyo texto habla con solemnidad del misticismo de la Navidad. A excepción del inicio en contrapunto, la mayoría de la pieza se desarrolla en homofonía y con un ritmo binario y sosegado, hasta el Aleluya final, en donde cambia a un ritmo ternario y más festivo.

Toda lista estaría incompleta si no incluyera al portentoso Johann Sebastian Bach. Debido a su puesto de Kantor en la iglesia de Santo Tomás de Leipzig desde 1723 —en donde estaba encargado de “supervisar” la música que se interpretaba en los servicios religiosos, y de componer una cantata para los domingos y días festivos—, dejó como legado más de doscientas cantatas excepcionales para la historia de la humanidad, y entre todas, treinta y tres cantatas dedicadas a Adviento, Navidad, Año Nuevo y Epifanía (más nueve obras compuestas antes de 1723, o que están extraviadas o inacabadas). En el segundo día de Navidad de 1723 (la iglesia luterana celebra la Navidad con tres días de fiesta consecutivos), Bach estrenó la cantata Dazu ist erschienen der Sohn Gottes, BWV 40, cuyo título corresponde al texto del coro inicial y dice “Para esto apareció el Hijo de Dios, para destruir las obras del diablo”; el toque marcial del primer número hace referencia a la lucha entre el bien y el mal del que se habla en la cantata, haciendo recordar a los feligreses el fin último del nacimiento de Jesucristo: vencer al pecado y salvar a la humanidad.

Sin embargo, la obra navideña más emblemática de J. S. Bach es el Oratorio de Navidad, BWV 248, una monumental obra que se interpretó en 1734 a lo largo de los tres días de Navidad, Año Nuevo, el domingo después de Año Nuevo y la Epifanía. La obra está compuesta por seis cantatas independientes, una para cada día de celebración, pero la ilación y coherencia de las partes entre sí permiten entenderla como un oratorio completo.

La obra instrumental de Bach también está sumamente nutrida de referencias religiosas, sobre todo sus numerosas obras para órgano. De éstas últimas una pequeña muestra son los preludios In dulci jubilo, BWV 608 y 729, basados en un himno anterior a la Reforma que describe la felicidad de los corazones por el nacimiento de Jesús.

Por otro lado, los días de Navidad no sólo son de regocijo, sino que también aflora el sentimiento de melancolía y tristeza en mucha gente por la soledad y las carencias. “Esta Noche es Nochepena” dice el poeta Rafael Montesinos. Los mejores ejemplos de lo anterior —como no podía ser de otra forma— los encontramos en el Romanticismo, con Franz Schubert y Frédéric Chopin. El primero compuso el ciclo de canciones Winterreise (Viaje de invierno), Op. 89, que si bien no tienen temática navideña, sí se desarrolla en un paisaje invernal y gélido, proyección exterior de los sentimientos del caminante que protagoniza los poemas de Wilhelm Müller de dichas canciones. Schubert al tiempo de composición de la obra, ya se encontraba con una salud muy deteriorada por la sífilis y moriría al año siguiente, por lo que no es difícil encontrar correspondencias entre el personaje de las piezas y el compositor.

En diciembre de 1830, el joven de veinte años Frédéric Chopin se encontraba completamente solo en Viena; había llegado un par de semanas antes de la Nochebuena con su amigo Titus Wojciechowski, pero éste regresó a Varsovia al enterarse del levantamiento de sus compatriotas contra el dominio ruso. De estas fechas y en estas circunstancias data la composición del Scherzo No. 1 en si menor, Op. 20. La pieza está llena de dramatismo y movimientos vertiginosos y desgarradores. En la sección central, no obstante, una cantabile melodía serena la tormenta musical anterior: Chopin cita un antiguo villancico polaco, Lulajże Jezuniu (Duerme pequeño Jesús), como reminiscencia de la vida en su patria que hasta ese momento había tenido. El scherzo está dedicado a su amigo Thomas Albrech, quien lo convenció de permanecer en Viena lejos de su familia por el peligro de volver, y así poder construir su carrera musical. Chopin nunca regresaría a Polonia posteriormente a pesar de todos sus intentos.

En el siglo XIX muchos compositores dedicaron obras a la Navidad. Weihnachtsbaum (Árbol de Navidad), S. 186/R. 71, de Franz Liszt, es una suite de doce piezas para piano, que el compositor dedicó a su nieta Daniela (hija de Cosima y el director Hans von Bülow); la tercera pieza, In dulci jubilo, es la más conocida por su delicadez y dulzura, compuesta a modo de pastoral para representar a los pastores adorando a Jesús en el pesebre. El compositor noruego Edvard Grieg incluyó en su ciclo de Siete canciones infantiles, Op. 61, una pieza titulada Sang til Juletraeet (el Árbol de Navidad) con texto del poeta Johan Krohn, sobre cómo el árbol adornado con luces y la estrella que lo corona, recuerda el nacimiento del Niño Dios; la melodía es suave y el acompañamiento arpegiado, y transmiten eficazmente la calidez de la celebración. La canción Geistliches Wiegenlied (Nana espiritual), de Johannes Brahms, pertenece a las Dos canciones para voz, viola y piano, Op. 91; el texto es una traducción del poema de Lope de Vega Pues que andáis en las palmas. Félix Mendelssohn sentía una profunda admiración a J. S. Bach, y a imitación suya compuso una cantata basada en el himno lutarano Vom Himmel Hoch (Desde lo alto del cielo vengo), que escribió en el invierno de 1830 mientras se encontraba en Roma; el primer movimiento comienza con una figura descendiente de los violines, simbolizando la venida de los ángeles con el mensaje del nacimiento de Cristo. Asimismo, Fanny Mendelssohn utilizó el mismo coral luterano que su hermano para la última pieza de su serie El año, la correspondiente a Diciembre.

Otro compositor admirador de las formas tradicionales fue el francés Camille Saint-Säens, quien compuso el Oratorio de Nöel (Oratorio de Navidad), Op. 12, terminado en tan solo doce días en diciembre de 1858 y estrenado en la iglesia de la Madeleine en París en donde Saint-Säens era organista. Tiene diez movimientos, destacando el coral Gloria in altissimis Deo (Gloria a Dios en las alturas), el aire para mezzosoprano, Expectans, expectavi Dominum (Espero en ti Señor) y el trio para soprano, tenor y barítono Tecum principium (En el día de tu poder), bellamente acompañado de órgano y arpa.

En la ópera, la representación más ambiciosa y mejor lograda del sentimiento festivo que impera en los días de Navidad se encuentra en La Bohéme (La bohemia) de Giacomo Puccini. Después del idílico e íntimo encuentro entre Rodolfo y Mimí en el primer acto, el segundo inicia con el bullicio parisino en Nochebuena; vendedores de frutas y castañas, niños corriendo y emocionados por ver los juguetes, toda la escena se compone de superposición de distintas voces del coro, dando la impresión de una multitud.

En el catálogo de Jean Sibelius se encuentran como Op. 1 las Cinco canciones de Navidad, aunque realmente las compuso entre 1897 —comenzando por la tercera canción, Det mörknar ute (Está oscureciendo)— y 1913. Las canciones gozan de una permanente popularidad en Finlandia, interpretándose comúnmente en eventos públicos, iglesias y escuelas, en especial la cuarta canción, Giv mig ej glans, ej guld, ej prakt (No me des esplendor, oro o gloria). A pesar de la sencillez de las piezas, el compositor les tuvo afecto durante toda su vida por ser interpretadas en su ambiente familiar durante las celebraciones; prueba de lo anterior es el hecho de que las últimas musicalizaciones que hizo de la obra las escribió hasta 1954, tres años antes de fallecer.

El siglo XX significó una renovación completa del lenguaje musical y de las formas tradicionales. Sin embargo, el tiempo de Navidad siempre sirvió de inspiración hasta para los compositores más vanguardistas y radicales. El compositor francés Claude Debussy incluyó en su suite Children’s Corner (El rincón de los niños), L. 113, la pieza The Snow is Dancing (La nieve danza), cuya melodía y ritmo en contratiempo simulan la caída de los copos de nieve. Arnold Schönberg, pocos años antes de proponer las técnicas atonales, compuso una breve pieza coral, Weihnachtsmusik (Música de Navidad), basado en el villancico tradicional alemán Es ist ein Ros entsprungen (Ha nacido una rosa).

Posiblemente la obra más interesante de ese periodo es Une cantate de Noël (Una cantata de Navidad) de Arthur Honneger. La obra inicia en un tono oscuro, simbolizando el pecado que oculta la luz al mundo; en la sección central se exponen múltiples villancicos en una forma de quodlibet; la obra termina con un fragmento del salmo 117 brillante y exhultante.

Para no pasar por alto a los compositores americanos, cabe destacar al guitarrista Agustín Barrios Mangoré, quien compuso una bella pieza con ritmo de pastoral, Villancico de Navidad.
Finaliza esta brevísima lista con la delicadeza de A Ceremony of Carols (Ceremonia de villancicos), Op. 28, de Benjamin Britten, once piezas para voces y arpa.

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El conocimiento científico —objetivo, inteligible, dialéctico— y el arte son dos caras de una misma moneda, a pesar de que con frecuencia se les considere completamente independientes y sin convergencias. Como prueba de ello, basta revisar la vida de artistas y científicos para darnos cuenta que muchos han encontrado en disciplinas ajenas a la suya oportunidades de mejorar su intuición y comprensión del mundo. En esta charla nos adentraremos en la vida y obra de algunos compositores que han sido científicos (o científicos que han sido compositores), y veremos cómo este talante interdisciplinario es crucial para la evolución del conocimiento, porque, en palabras de Jorge Wagensberg, “nada hay más interdisciplinario que la misma realidad”.

Sergio Villicaña Muñoz es ingeniero en biotecnología por el Tec de Monterrey, con una especialidad en estadística por la UNAM. Actualmente realiza un doctorado en King’s College London sobre modelos computacionales de predicción genómica. Asimismo, estudió piano y guitarra clásica en la Escuela Superior de Música. Sergio ha participado en Música en México con charlas y artículos que exponen la relación entre la música y distintas disciplinas científicas.

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Sergio Villicaña Muñoz es ingeniero en biotecnología por el Tec de Monterrey, con una especialidad en estadística por la UNAM. Actualmente realiza un doctorado en King’s College London sobre modelos computacionales de predicción genómica. Asimismo, estudió piano y guitarra clásica en la Escuela Superior de Música. Sergio ha participado en Música en México con artículos que exponen la relación entre la música y distintas disciplinas científicas.

Ludwig van Beethoven es considerado uno de los compositores más influyentes de la música occidental, y es bien sabido que durante la mayor parte de su vida se enfrentó a uno de los problemas médicos más temidos por cualquier músico: la sordera. A pesar de ello siguió componiendo, y en estas condiciones legó algunas de sus mejores y más famosas obras. En esta charla, Sergio Villicaña hablará sobre la sordera de Beethoven, sus posibles orígenes y repercusiones en su música, y describirá una de las habilidades más sorprendentes que permitieron al genio de Bonn crear música aún al perder el oído: la imaginería musical.

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En la historia de la ciencia y la filosofía la intrigante pregunta de “¿nace o se hace?” ha conllevado incontables debates, estudios, análisis, disquisiciones, cartas y hasta pleitos callejeros. Están los dos bandos, en apariencia irreconciliables, el de los detractores de cualquier influencia del entorno, y por otro lado, el de los que afirman que toda persona se puede moldear en un ambiente determinado. Tal vez la sentencia categórica más acertada y ecuánime sobre el tema es aquella que hiciera Ortega y Gasset en las Meditaciones del Quijote al decir “Yo soy yo y mi circunstancia”, que concluye diciendo “y si no la salvo a ella no me salvo yo”.

En efecto, son las características humanas más complejas las que representan el mayor desafío para ser explicadas. La facilidad artística de una persona, la sensibilidad de un pintor, la agilidad de un bailarín, la creatividad de un escritor o la virtuosidad de un músico, ¿son acaso inherentes?, ¿o la genialidad puede ser aprendida completamente? Para encontrar respuestas —parciales, al menos— a estas preguntas, podemos servirnos de la genética.

Nuestra sinfonía genética

La genética es un área de la biología que estudia los genes. ¿Y qué son los genes? Vayamos de adelante hacia atrás para explicarlo brevemente. Los seres humanos —extensivo a otros seres vivos— estamos compuestos de órganos, y los órganos, de células, las cuales son las unidades vivas más pequeñas. Cada célula tiene pequeños organelos, y entre ellos se encuentra el núcleo. El núcleo es una caja fuerte que guarda información importante: nuestra información genética.

El ADN es una molécula que contiene la información genética, y es parecida a un largo hilo de dos hebras o hélices, y que a su vez está compuesto de millones de moléculas en secuencia lineal, llamados nucleótidos (complementarios en cada hélice). Hay cuatro tipo de nucleótidos en el ADN, y los científicos los identifican con cuatro letras (A para adenina, T para timina, C para citosina y G para guanina). Pero no sólo tenemos una molécula de ADN, sino 23 pares, condensados en cromosomas. En total, nuestro ADN tiene 3,100 millones de pares de nucleótidos (el doble, considerando los 46 cromosomas), y si extendiéramos todos los cromosomas mediría 2 metros. ¡Y eso contenido en cada uno de los núcleos de las millones de células del cuerpo humano!
Los genes son secciones del ADN (de unos pocos pares de nucleótidos hasta incluso millares) que contienen las “instrucciones” para fabricar otro tipo de moléculas, las proteínas. Las proteínas llevan a cabo distintos procesos en el organismo, como transportar oxígeno por el cuerpo (hemoglobina), detectar y neutralizar agentes que pueden ser dañinos (anticuerpos), o regular nuestro crecimiento (hormona del crecimiento). Estas instrucciones no son idénticas entre los humanos, y son las pequeñas variaciones que existen entre nuestros genes lo que nos hace diferentes.

Podemos entender nuestros genes en conjunto como la partitura de una sinfonía; nuestra escala consta de pocas notas (sólo cuatro nucleótidos), pero su combinación, así como los timbres que utilicemos es lo que resulta en sonidos variados y complejos. Si cambiamos una nota de nuestra partitura, produciremos un acorde o melodía diferente y por lo tanto alteraremos la sensación que genera el pasaje; o si una sección la toca un fagot en lugar de una viola, cambiamos completamente el discurso musical. Nuestra sinfonía genética consta de entre 20,000 y 25,000 movimientos —nuestros genes—, y cada uno de nosotros somos una obra única e irrepetible en el concierto de la naturaleza.

¿Existe el “gen de la música”?

Hay rasgos en los seres humanos que están determinados por completo por los genes y no pueden ser alterados. Los ejemplos más fáciles de entender son el color de ojos o del cabello. No importa qué haga, si mis padres tienen ojos oscuros, yo no tendré ojos claros. Pero la mayoría de los rasgos humanos no funcionan así, y las instrucciones del genoma sólo nos predisponen a desarrollar con mayor facilidad una característica. Por ejemplo, si nuestros padres tienen diabetes, nosotros no estamos condenados a tener diabetes, pero sí tenemos mayor riesgo; si nos alimentamos sanamente y nos ejercitamos, lo más seguro es que no ocurra.

Dicho lo anterior, ¿existen genes que nos hagan ser prodigios musicales, o que nos conviertan en unos completos zafios? Definitivamente no, pero sí se han realizado estudios en los que se ha visto que la habilidad música tiene una carga genética relevante. Pero el término “habilidad musical” es demasiado amplio y sin fronteras evidentes. Para poner límites un poco menos ambiguos y poder estudiarlos, los científicos utilizan rasgos cuantificables que pueden considerarse como habilidades musicales, como percepción de tono (el más utilizado hasta ahora).

Por ejemplo, en un estudio con muestras de 767 individuos pertenecientes a 76 familias distintas, se midió la capacidad de los participantes para percibir el tono, el tiempo y patrones sonoros. Los resultados mostraron genes claramente asociados, sobre todo aquellos relacionados con el desarrollo del oído interno y procesos neurocognitivos. El gen más sobresaliente fue GATA2, en el cromosoma 3, que está implicada en el desarrollo de células de la cóclea en el oído interno. GATA2 también se expresa abundantemente en un tipo de neuronas, las neuronas dopaminérgicas.

Otro gen que se ha visto implicado en las aptitudes musicales en distintos estudios es SNCA, que se encontró como sobreexpresado después de escuchar y practicar música. Lo interesante de SNCA es que éste se encuentra regulado por GATA2 en las células dopaminérgicas. Las conclusiones sugieren que la región del gen SNCA en el cromosoma 4 es la más significativa hasta ahora para las aptitudes musicales.

Otros genes han despertado el interés de los investigadores por haber sido previamente relacionados con otras competencias artísticas, como AVPR1A y SLC6A4 con el baile creativo. El primero es importante en funciones cognitivas como la memoria y el aprendizaje; el segundo (el transportador de serotonina, un neurotransmisor como la dopamina) está implicado en el comportamiento.

Conclusiones y nuevas preguntas

Los genes mencionados son únicamente algunos de los múltiples que se han encontrado, muchos de los cuales no se han replicado en otros análisis satisfactoriamente. Además, aún se requieren estudios con muestras más grandes de las que se han utilizado hasta ahora; puede parecer que estudiar a 767 personas es suficiente, pero cuando estamos analizando miles de locaciones en el genoma requerimos muchas más.

Allende las conclusiones variadas y que falta mucho por estudiar, los investigadores están convencidos de que no existe un gen musical sino que son varios, y que es la interacción entre ellos la que puede tener mayores o menores repercusiones en las habilidades individuales.

Por otro lado, hasta ahora hemos hablado de características de estudio como “percepción de tono”, que no son facultades precisamente extraordinarias. ¿Qué pasa, pues, con aquellas capacidades excepcionales que se encuentran en una proporción más reducida de la población? El observarlas y entenderlas nos puede brindar algunas otras respuestas a la intrincada relación entre genética y música [link a la segunda parte del artículo]. (ESTO SE AÑADE EN CUANTO SUBAMOS LA 2ª PARTE)

Fuentes

• Gingras, B., Honing, H., Peretz, I., Trainor, L. J., & Fisher, S. E. (2015). Defining the biological bases of individual differences in musicality. Philosophical Transactions of the Royal Society B: Biological Sciences, 370(1664), 20140092.
• Järvelä, I. (2018). Genomics studies on musical aptitude, music perception, and practice. Annals of the New York Academy of Sciences, 1423(1), 82-91.
• Mariath, L. M., Silva, A. M. D., Kowalski, T. W., Gattino, G. S., Araujo, G. A. D., Figueiredo, F. G., … & Schuch, J. B. (2017). Music genetics research: Association with musicality of a polymorphism in the AVPR1A gene. Genetics and molecular biology, 40(2), 421-429.
• Oikkonen, J., Huang, Y., Onkamo, P., Ukkola-Vuoti, L., Raijas, P., Karma, K., … & Järvelä, I. (2015). A genome-wide linkage and association study of musical aptitude identifies loci containing genes related to inner ear development and neurocognitive functions. Molecular psychiatry, 20(2), 275-282.
• Piovesan, A., Pelleri, M. C., Antonaros, F., Strippoli, P., Caracausi, M., & Vitale, L. (2019). On the length, weight and GC content of the human genome. BMC research notes, 12(1), 106.
• Schellenberg, E. G. (2015). Music training and speech perception: a gene–environment interaction. Annals of the New York Academy of Sciences, 1337(1), 170-177.
• https://www.classicfm.com/composers/mozart/guides/first-composition-minuet-trio/

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