Para mostrar el poder y el uso de la música, Sánchez creó la pieza Concerto Grosso. Sobre la pena y la vergüenza, con música de Vivaldi, donde de manera metafórica, los cuerpos se transforman en violines, pianos y violonchelos, y los sonidos habitan a los bailarines recorriendo desde sus huesos hasta la piel.

La obra, a cargo de la compañía Ictus Danza, se presentó en el Teatro Raúl Flores Canelo del Centro Nacional de las Artes.

En entrevista, el coreógrafo comentó que en la obra se muestra “la manipulación que nosotros podemos ejercer hacia nuestro propio cuerpo y hacia el cuerpo del otro”, y destaca que los bailarines en su ejecución “pasan por muchos círculos emotivos”.

La idea del director de orquesta en la pieza se devela como la máxima autoridad que tiene la facultad de transgredir en todos los aspectos de las personas que se encuentran por debajo de su jurisdicción.

Fuente: La Jornada

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En el corazón de esta puesta en escena está una reelaboración del universo del compositor veneciano Antonio Vivaldi (Venecia, 1678–Viena, 1741) que integra algunas características de su personalidad rebelde. A partir de esta sugerencia, la coreografía de Mauro Astolfi traduce algunas de las creaciones de Vivaldi asociándolas con su talento y capacidad de reinventar la música barroca. 

En el marco de las celebraciones por los 30 años del Cenart, se presenta este espectáculo donde nueve bailarines en escena abordan la vida de este músico y compositor que, inmerso en un contexto dominado por la racionalidad, se caracterizó por la intención de trascender de los límites de su tiempo, siempre remando contracorriente.  

Spellbound Contemporary Ballet se fundó en 1994 de la mano del coreógrafo Mauro Astolfi, quien regresaba a Italia después de trabajar en América. Desde 1996, Astolfi ha liderado el proyecto junto con Valentina Marini y juntos han establecido colaboraciones con artistas y compañías por todo el mundo, convirtiéndose en una de las más reconocidas internacionalmente.  

Aplaudida por la excelencia de sus intérpretes y la versatilidad de sus coreografías, Spellbound cuenta con una gran presencia en los principales teatros y festivales de Serbia, Alemania, Francia, Croacia, Chipre, Tailandia, Suiza, Austria, Bielorrusia, Estados Unidos, Israel, Panamá, Canadá, Rusia y Corea del Norte. 

En 2011 esta agrupación añadió a su nombre el epíteto Contemporary Ballet (Ballet Contemporáneo), lo que cristaliza su espíritu: expresión artística y un modelo de negocio creativo, dinámico y en constante evolución. Su estilo único y la calidad de sus bailarines han hecho de esta compañía una de las propuestas más competitivas en el planeta. 

Fuente: Cenart

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Academia de Música Antigua de la UNAM (Argentina – México)

Fammi combattere – Arias de Vivaldi y Händel

Jorge Cózatl, director
Martín Oro, contratenor
Roberto Rivadeneyra y Raquel Masmano, violines

30 de Junio de 2018
Auditorio Blas Galindo, Cenart

El Encuentro Internacional de Música Antigua inició en 1996 con el propósito de ofrecer al público un recorrido por la historia musical europea y latinoamericana, escrita antes del siglo XVIII. A lo largo de su historia han participado ensambles y músicos solistas, nacionales e internacionales, que se dedican al rescate, difusión e interpretación de piezas del Medioevo, el Barroco, el Renacimiento y obras del periodo colonial, en el caso de la música latinoamericana.

La Academia de Música Antigua de la UNAM —la primera en su tipo creada por una institución de educación superior en México— se fundó en 2017 con el objetivo de impulsar la formación académica y artística a nivel profesional de jóvenes especialistas en música de los siglos XVII y XVIII. Este proyecto de la Dirección General de Música se suma al esfuerzo de la comunidad en México de músicos, académicos y fabricantes de instrumentos, interesados en la investigación y divulgación de la música antigua, con la intención de difundirla.

Programa

Concierto para violín op. 9 no. 3 A. Vivaldi

Cantata Cessate, omai cessate

Aria Quando in seno alla tua bella, de Armida en el campo de Egipto  

Concerto grosso op. 6 no. 4 G. F. Händel

Aria Empio dirò tu sei de Julio César

Aria Cor ingrato de Rinaldo  

Aria Fammi combattere de Orlando  

Fuente: Cenart

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Este gran concierto se conforma por 3 grandes obras maestras del repertorio clásico, que son:

Las Cuatro Estaciones de Antonio Vivaldi las cuales serán ejecutadas en una versión única, innovadora y que sienta un precedente en la forma en la que hemos visto a la guitarra eléctrica en su papel como instrumento, ahora la podremos escuchar en su versión de guitarra eléctrica de concierto, esta propuesta es un estreno mundial y se destaca por la dificultad de la obra tanto en su ejecución como en la transcripción y adaptación a cargo de Robbin Blanco quien también explora las posibilidades sonoras de la guitarra eléctrica aplicada al virtuosismo barroco dando como resultado una experiencia sonora que resalta la vigencia de la música de Vivaldi y tiende puentes con la modernidad interpretativa.

Robbin Blanco, guitarrista yucateco con una notable carrera internacional como solista, compositor y productor musical, dentro de su carrera polifacética se ha presentado con orquestas como la OFUNAM, Sinfónica de Yucatán, Carlos Chávez, OJUEM, etc. También ha participado en diversos festivales de música clásica, Jazz, Rock, World, Rock y Pop. Su repertorio abarca programas para guitarra clásica y eléctrica como solista, dúos, música de cámara, orquesta, tango, rock, y composiciones originales.

Junto a esta esperada interpretación, llega a acompañar la velada el Concierto del Sur de Manuel M. Ponce, a cargo de Omán Kaminsky, guitarrista mexicano de gran proyección internacional que cuenta con más de 200 presentaciones en más de veinte países, como intérprete, destacan su virtuosísmo guitarrístico y expresividad musical, por lo que ha sido galardonado con primeros premios en más de 30 concursos internacionales de guitarra; en México, Estados Unidos de América, España, Bélgica, Países Bajos, Alemania, Austria, Bosnia y Herzegovina y Serbia.

Para cerrar esta mágica noche, El Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo será ejecutado por Alejandro Córdova, Reconocido por la crítica especializada, ha sido merecedor del Primer Premio en más de una veintena de Concursos y Festivales en Europa, Estados Unidos y México. Con un estilo propio fundamentado en el dominio técnico, frescura, virtuosismo, musicalidad, curiosidad nata por el conocimiento y gran sensibilidad, es un gran exponente de la Guitarra Clásica a Nivel Nacional e Internacional.

La Orquesta Filarmónica Metropolitana, agrupación conformada por músicos mexicanos y extranjeros reconocidos; bajo la dirección de Fernando Saint Martin, buscan exponer obras fundamentales del repertorio musical universal con aproximaciones innovadoras y con una propuesta estética vanguardista que teje puentes entre la sonoridad académica y los recursos musicales actuales, destacándose por su excelencia en la interpretación de música clásica y contemporánea. La inclusión de los solistas de primer nivel que participan en este auténtico festín de guitarras es una muestra del compromiso de la Orquesta Filarmónica Metropolitana con la promoción de músicos mexicanos. 

El evento se llevará a cabo el 01 de diciembre en el Centro Cultural Teopanzolco y el 02 de diciembre en El Cantoral. Los boletos para “Fiesta de la Guitarra” están a la venta en Ticketmaster y Boletia. 

Aprovecha la oportunidad de disfrutar de una noche única de música clásica con un toque moderno.

¡Te esperamos!

Detalles del evento:

Fecha: 

01 de diciembre en el Centro Cultural Teopanzolco (Morelos) 

19:30 horas. (CC Teopanzolco)

02 de diciembre en El Cantoral (CDMX)

20:30 horas (el Cantoral)

Boletos: Boletia (CC Teopanzolco) y Ticketmaster (El Cantoral)

Contacto de prensa: tusconciertosmx@gmail.com /cel. 55 3473 4691

Redes sociales: 

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Hanna Herfurtner, Soprano
Joowon Chung, Soprano
Andreas Scholl, Contratenor
Bach Consort Viena, dirigido por Rubén Dubrovsky

Alrededor de la década de 1720, Vivaldi compuso en un solo movimiento Lauda, Jerusalem para dos coros de cuatro partes, cada uno con una soprano solista, y cuerdas. El salmo es apropiado para los domingos, incluido el Domingo de Resurrección. En una etapa posterior, quizás en 1739, cuando se le encargó que suministrara nuevas obras a la Pietà, Vivaldi escribió en el manuscrito los nombres de sus cuatro niñas del coro, dos a la vez, pero no está claro si llevó a cabo el plan para presentarlo. La Lauda revela la enorme influencia que los conciertos de Vivaldi tuvieron en su música sacra, ya que se observan los principios de la forma ritornello de manera bastante estricta, alternando secciones con partitura completa y partitura ligera, e insertando episodios libremente concebidos entre pasajes basados ​​en material recurrente. Vivaldi es más convincente cuando llega a la Doxología, cuyo tema se basa en el de otra Lauda de un compositor desconocido, en su colección.

Fuente: Michael Talbot para Hyperion 

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El término ripienista se refiere a los músicos de orquesta que no son los principales de la sección o los solistas. Han surgido varias corruptelas del término, como ripiano o repiano en la música para vientos de metal o bandas militares, que se refiere por igual a los músicos que no son los principales de las secciones.

También hay un registro de órgano señalado con el mismo nombre.

Fuente: Latham, Alison. Diccionario enciclopédico de la música. Fondo de Cultura Económica, 2008.

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Il Giardino Armonico
Giovanni Antonini, director

Vivaldi, además de compositor, era un violinista virtuoso. Escribió cientos de conciertos para violín, pero relativamente pocos para cuatro solistas de este instrumento. El concierto para cuatro violines en si bemol RV 580 fue publicado al principio de su carrera y contribuyó a su reputación internacional. Al igual que la mayoría de los 500 conciertos de Vivaldi, la obra está en tres movimientos (rápido-lento-rápido), con los movimientos externos en forma de ritornello, es decir, desplegándose como series de episodios alternos orquestales y solitarios. Pero esta es también una obra original e incluso experimental, sobre todo porque su novedosa instrumentación (cuatro violines solistas, solo violonchelo, cuerdas y continuo). Bach quedó tan impresionado con este trabajo que lo arregló como un concierto para cuatro clavicémbalos solistas.

El primer movimiento se abre con un coup de théâtre, con diálogo entre los solistas en lugar de la orquesta completa, y, como el final, presenta episodios en solitario maravillosamente impredecibles. Los oyentes del siglo XVIII estarían asombrados, incluso intoxicados, por el impulso rítmico y la extraordinaria intensidad expresiva de los conciertos de Vivaldi, y el final de la pieza está ciertamente lleno de mordacidad y bravuconería, aunque el grave y misterioso movimiento lento no es menos apasionado y poderoso, a su manera.

Otro gigante de la época, Johann Sebastian Bach, hizo una serie de transcripciones de los conciertos de Antonio Vivaldi, especialmente del op.3, titulado L’estro Armonico; los adaptó para clavicémbalo solo y órgano solista, y para el concierto para 4 violines RV 580 decidió la solución única de usar cuatro clavecines y orquesta. Este es, por lo tanto, el único concierto de clavecín de Bach que no fue del todo original. El movimiento central tiene los cuatro clavicordios tocando arpegios articulados de manera diferente en una mezcla tonal muy inusual, mientras que Bach proporcionó también algo de virtuosismo y tensión adicionales en los otros movimientos.

Fuente: andantemoderato.com

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Francesco Milella es un musicólogo italo-mexicano, experto en historia de la ópera en los siglos XVII y XIX y sus transformaciones entre Europa y America Latina. Actualmente está cursando su segundo año de doctorado en musicología en la Universidad de Cambridge, Reino Unido.

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• De la vasta obra de Antonio Vivaldi (1678-1741), la más famosa, Las cuatro estaciones, incluye el Concierto para violín no. 1, en mi mayor, RV269, “Primavera”.
• El compositor ruso Alexandre Glazunov (1865-1936) escribió la música para ballet Las estaciones, op.34, estrenada en 1900, que, obviamente, incluye una sección dedicada a la primavera.
• La Sonata para violín, en fa mayor, op.24, de Ludwig van Beethoven (1770-1824), fue escrita en 1800-1 y denominada póstumamente como “Primavera”. 
• Edvard Grieg (1843-1907), compositor, director, pianista noruego, escribió un gran número de piezas para piano, de 1867 a 1901, agrupadas en 10 volúmenes de Piezas líricas. En el tercer libro, aparece el opus 43-6, “A la primavera”, una exquisita miniatura para piano.
• Primavera en los Apalaches es un ballet escrito en 1944 por el compositor estadounidense Aaron Copland (1900-1990); escribió también la famosa pieza sinfónica El Salón México (1933-36), estrenada en México en 1937.
• Una de las obras sinfónicas más populares del músico inglés Frederick Delius (1862-1934) es Al escuchar el primer cucú en primavera, obra breve y brillantemente orquestada.
• Johann Strauss II (1825-1899), compositor austriaco, violinista, director, llamado “el rey del vals”, escribió 180 valses, sinónimos de la alegría y sentimientos vieneses, entre ellos el conocidísimo “Voces de primavera” que originalmente incluía la participación de una soprano coloratura. Hoy se escucha la versión orquestal o para piano solo.
• La suite sinfónica Printemps (primavera), escrita en 1887, es una de las primeras obras de Claude A. Debussy (1862-1918) pero ya muestra  avances de lo que será su creatividad innovadora que revolucionará la composición musical.
• En su ópera Vísperas sicilianas, estrenada en 1855, Giuseppe Verdi ((1813-1901), escribió como interludio en el tercer acto, un ballet “Cuatro estaciones”, que prácticamente detiene la acción por su inusitada extensión (media hora). 

Richard Strauss (1864-1949) compuso más de 150 canciones con textos de los poetas líricos más connotados de su tiempo; del célebre ciclo de 1948, Cuatroúltimas canciones, con acompañamiento orquestal, la tercera canción se titula “Primavera” y lleva un texto de Herman Hesse.

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IG @miguel_delreal_conductor
FB: Miguel Salmon Del Real – Orchestra Conductor

Hoy se cumplen cien años del nacimiento de Astor Piazzola, padre del “Nuevo Tango”. Al igual que Vivaldi, invocó musicalmente los aromas de cada una de las estaciones del año. 

Antonio Vivaldi y Astor Piazzola nacieron un viernes de marzo. Uno, 243 años antes que el otro. El primero, un día cuatro del mes; el segundo, un día once, pero de 1921, es decir, hoy, hace cien años. 

Ambos compositores retrataron con música las cuatro estaciones del año, uno desde el alto barroco de la Venecia del siglo XVIII, el otro, desde el bullicio de las calles del Buenos Aires de la segunda mitad del siglo XX. Los dos tenían cuarenta y tantos años al componer sus respectivas obras dedicadas a los distintos rostros que la naturaleza muestra a lo largo del año. La entonces república de Venecia, y la moderna capital de Buenos Aires, tienen en común puertos históricos, diversidad de paisajes, y senderos que desembocan en el misterio de las aguas, fuentes de irrevocable inspiración.

Vivaldi dio origen a sus Cuatro Estaciones como una tetralogía de Conciertos para violín. Piazzolla concibió cada estación entre 1964 y 1970. Compuso primero el Verano Porteño, y al año siguiente el Otoño Porteño; más tarde la Primavera e Invierno Porteños. Antes de convertirse en una colección, eran interpretadas de forma autónoma. La instrumentación original de la mayoría de ellas corresponde a la del quinteto: bandoneón, violín, piano, guitarra eléctrica y contrabajo. 

En 1998, el compositor Leonid Desyatnikov (Ucrania, 1955) llevó a cabo un arreglo en el que vinculó la música de Vivaldi con la de Piazzolla. Homologó la instrumentación de las Cuatro Estaciones Porteñas, transfiriéndola a orquesta de cuerdas con una parte solista para violín. Mientras Desyatnikov cambiaba la instrumentación del quinteto tanguístico por un grupo de cuerdas, insertó pequeños extractos de la música de Vivaldi. En el Verano Porteño, introdujo motivos del Invierno vivaldiano. De manera correspondiente, introdujo en el Invierno Porteño la música de los vientos impetuosos del Verano veneciano. La razón alude a la manera en que los hemisferios del planeta “alternan”; mientras en el hemisferio norte es verano, en el hemisferio sur es invierno, y viceversa.  

Más tarde, el maestro César Olguín (Argentina, 1954), elaboraría un arreglo diferente, donde la parte solista fue distribuida entre dos violines, una viola y un chelo, como resultado de una comisión hecha por la Modesto Symphony al Cuarteto Latinoamericano. En esta versión, el autor inserta música de Vivaldi en la de Piazzolla sólo entre estaciones del mismo nombre: el Verano de Vivaldi da comienzo al Verano porteño, y el Invierno veneciano introduce el Invierno porteño. El estreno tuvo lugar en California, en 2008. Nueve años más tarde, el mismo cuarteto grabó esta adaptación en Boston. Conocí el arreglo del maestro Olguín en 2014, al dirigirlo en Morelia, al frente de la Orquesta Sinfónica de Michoacán, y, justamente, con el Cuarteto Latinoamericano como solistas. 

Astor Piazzolla expresó el siguiente deseo: “que mi obra se escuche en el 2020, y en el 3000 también.” Esta noche, justo en el centenario de su natalicio, tendremos el honor de estrenar en Culiacán la propuesta de las Estaciones Porteñas del maestro Olguín, con la Orquesta Sinfónica Sinaloa de las Artes (OSSLA) y el Marketo String Quartet, conformado por Olga Khudoblyak (Ucrania), Xavi Tortosa (España), Carlos Guadarrama (México) y Octavio Hidalgo (Ecuador). Iniciaremos el concierto con las Estaciones de Vivaldi donde la parte solista será alternada entre tres virtuosas del violín: Olena Bugaychuk (Rusia), María José Oviedo (Venezuela) y Victoria Camacho (Colombia), con lo cual celebraremos, además, la lucha histórica y los méritos de la mujer en pos de  una cultura de equidad. Así, con un total de siete solistas, provenientes de siete países distintos, todos integrantes de la Sinfónica de Sinaloa de las Artes, se engalana esta doble conmemoración. Por primera vez en un año, el Teatro Pablo de Villavicencio de Culiacán, recibirá público con un aforo máximo de 400 personas. El día de hoy, a las 20 horas. 

Piazzolla en vivo en el Teatro Colón: Verano Porteño (1983)

Piazzolla y su obra constituyen un caso peculiar en la historia de la música. Se trata de un melodista prolífico, que sitúa con toda conciencia una obra que colinda entre un ecléctico folklore urbano y una tradición europeizante, materializada por el ímpetu implacable, propio del renovador. Nadia Boulanger, la reconocida pedagoga francesa, le había aconsejado al joven Astor, durante su formación en París, no alejarse del espíritu de la gran música popular que le era inherente, donde sus aportaciones alcanzarían, sin duda, una dimensión por demás trascendente.

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