Teatro Nacional de Brno

“Somos de Bohemia y ¿me preguntas si podemos cantar?” Una pareja desconocida llega desde el extranjero a un pequeño pueblo checo y la mayoría de los lugareños los miran con recelo. Sólo el viejo profesor Benda, amante de la música, les abre la puerta, sólo para descubrir que los desconocidos están más cerca de ellos de lo que uno podría pensar.

Es la música la que tiene el protagonismo; ésta es una manera de resumir la ópera El jacobino de Dvořák, ya que es la música la que cambia el destino de todos los personajes de la ópera. Al mismo tiempo, Dvořák ha creado una encantadora imagen de una ciudad checa de la Ilustración, poblada por las peculiares figuras del maestro amante de la música Benda, su obstinada hija Terinka, enamorada del joven maestro Jiřík o el engreído mayordomo del conde. Filipo. Quizás fue el recuerdo de su propia juventud aprendiendo música lo que aportó tantas melodías ricas y encantadoras, a la vez exuberantes y melancólicas, a la música de Dvořák, ya sea la famosa escena de la cantata escolar o el dúo “Hemos vagado por tierras extranjeras”. o La canción de cuna de Julieta. El Teatro Nacional de Brno ofrecerá la noche inaugural de El jacobino en directo en OperaVision al inicio del Año de la Música Checa; El merecido homenaje de Dvořák a la música checa y a la gente que la ama por encima de todo.

Fuente: Opera Vision

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Orquesta y Coro del Komische Oper Berlin

Cuando los aficionados y conocedores comentan La bohème, una de las mejores y más populares óperas de Giacomo Puccini, suelen olvidar el hecho de que esta obra nació en medio de algunas notables complicaciones. Para empezar, Puccini tuvo un pleito con un colega suyo, el compositor Ruggero Leoncavallo (1858-1919), a quien se le había ocurrido la idea de escribir, antes que Puccini, una ópera sobre el mismo tema. Lo que sucedió finalmente fue que Puccini logró estrenar su propia versión de La bohème, mientras que el estreno de la versión de Leoncavallo ocurrió un año más tarde. A pesar de lo que suelen decir algunos defensores de Puccini, la ópera de Leoncavallo fue bien recibida por el público y la crítica, lo que sin duda se debió un poco al interés de compararla con la de Puccini. En una ocasión, incluso, se llegaron a poner en escena ambas en Milán, simultáneamente, las dos Bohemias, en una especie de concurso de popularidad. Actualmente, la historia es muy clara respecto al ganador de este concurso: mientras la versión de Leoncavallo fue olvidada poco a poco, La bohème de Puccini fue creciendo en fama y prestigio, y hoy en día es una de las óperas más populares del repertorio. ¿Qué tan popular? Tanto como para encabezar la lista de las óperas más representadas en el Met de Nueva York, desde su fundación y hasta la fecha, con más de 1,300 puestas en escena.

El propio Puccini tenía una opinión muy definida sobre esta ópera suya, aún antes de haberla terminado. En septiembre de 1894, Puccini escribió una carta a su editor, Giulio Ricordi, en la que se expresaba sobre La bohème en estos términos:

“No hay duda de que esta es una obra muy original. El último acto es el más bello. También el que se desarrolla en el Barrio Latino, pero es más difícil. Me gustaría que usted revisara la partitura y se deshiciera de algunas extravagancias que no son necesarias. Se trata de algunas líneas que Illica ama como si fueran sus hijas (si es que las tuviera). Lo que hay que acortar es el segundo acto. Este es, en mi opinión, el acto más débil de la ópera. Pero el que creo más exitoso es el último. La muerte de Mimì, y todo lo que conduce a ella, es de lo más conmovedor.”

De hecho, Puccini halló el final de La bohème tan conmovedor, que más tarde diría esto:

La bohème de Giacomo Puccini fue estrenada el primero de febrero de 1896 en el Teatro Regio de Turín, bajo la dirección del legendario Arturo Toscanini.

Fuente: Juan Arturo Brennan en el programa de mano del Auditorio Nacional para las proyecciones En vivo desde el MET de Nueva York, temporada 2017-2018

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Orquesta Filarmónica Arturo Toscanini / Orquesta Giovanile della Via Emilia Coro del Teatro Regio di Parma

Nos encontramos en el siglo VI antes de Cristo. Las huestes de Nabucodonosor II se encuentran a las puertas de Jerusalén y el pueblo hebreo, desesperado, clama a Dios pidiendo que los ayude a enfrentar esta amenaza. En el templo de Salomón, el sumo sacerdote de los hebreos, Zacarías, cree haber hallado la solución para preservar la paz con los babilonios manteniendo como rehén a Fenena, la hija menor de Nabucodonosor. Poco tiempo atrás, la chica había ayudado a escapar de las manos de su padre a Ismael, sobrino del rey de Judá y embajador de los hebreos ante Nabucodonosor, y —enamorada de él— lo había seguido hasta Jerusalén. Ahora Ismael, a cuyo cuidado puso Zacarías a su prisionera, trata de retribuirle el favor ayudándola a huir. Sin embargo, los planes de la pareja se ven interrumpidos por la inesperada llegada de Abigail, la violenta hija mayor de Nabucodonosor, quien se las ha arreglado para irrumpir por la fuerza en el templo dispuesta a llevarse a Ismael, de quien está enamorada. Pero Ismael se niega a marcharse con ella porque su corazón pertenece a Fenena. Despechada, la guerrera jura venganza. Para colmo de males, Nabucodonosor y su ejército están ya a las puertas del templo, por lo que Zacarías se precipita sobre Fenena, amenazando con matarla si los babilonios no se marchan… 

Giuseppe Verdi (1813-1901) tenía solamente 25 años cuando los hados más funestos se ensañaron con él: entre 1838 y 1840, uno por año, fallecieron consecutivamente su hija Virginia, su hijo Icilio y su esposa Margherita Barezzi. Como si de una cruel broma del destino se tratase, en esos tiempos amargos se encontraba componiendo por encargo de La Scala de Milán Un giorno di regno, una ópera cómica que —por obvias razones— resultó un estrepitoso fracaso. Terriblemente deprimido, el todavía desconocido compositor decidió abandonar la música para siempre. 

Fue entonces que el empresario Bartolomeo Merelli, entonces director de La Scala, puso en manos del novel músico el libreto de Nabucco, escrito por Temistocle Solera (1815-1878), quien ya había colaborado con Verdi en Oberto, conte di San Bonifacio (1839), su primera ópera. Más como terapia ocupacional que por auténtico deseo de consolidarse como compositor, Verdi empezó a musicalizar el libreto de Solera. Poco a poco, la poderosa belleza del texto lo fue cautivando, y Verdi terminó volcando todo su esfuerzo en la creación de una de las más espléndidas partituras dentro de la historia de la música. Finalmente, en 1842 se estrenó en La Scala Nabucco, tercera ópera de Giuseppe Verdi y primero de una larga serie de éxitos que lo llevarían a ser reconocido como el compositor italiano de ópera más importante del siglo XIX.

Por esos años, el Imperio austriaco dominaba gran parte de Italia, y grupos de patriotas intentaban expulsar a los invasores y hacer de Italia una patria unificada y soberana. Fue por eso que Va, pensiero, el famosísimo coro del tercer acto de Nabucco donde los hebreos esclavizados se lamentan por la patria perdida, se convirtió en un verdadero himno del movimiento de unificación italiano, y Verdi se vio convertido —sin siquiera proponérselo— en todo un héroe nacional. Pero esa es ya otra historia…

José Antonio Palafox para Música en México

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Festival de Salzburgo 2010
Elektra – Iréne Theorin 
Clitemnestra – Waltraud Meier
Crisótemis – Eva-Maria Westbroek 
Orestes – René Pape 
Egisto – Robert Gambill 
Tutor – Oliver Zwarg 

Orquesta Filarmónica de Viena, dirige Daniele Gatti
Coro de la Ópera de Viena
Dir. de coro: Thomas Lang
Escena: Nikolaus Lehnhoff
Escenografía :Raimund Bauer
Vestuario: Andrea Schmidt-Futterer
Iluminación: Duane Schuler
Coreografía: Denni Sayers

Elektra de R. Strauss

Ópera en un acto con nueve escenas, con música de Richard Strauss (1864-1949) y libreto de Hugo von Hofmannsthal (1874 – 1929) basado en el mito de Electra, según la tragedia homónima griega de Sófocles. Fue la primera ópera resultante de la colaboración del compositor y el libretista, quienes, a partir de entonces, trabajaron juntos en diversas ocasiones.

Fue compuesta entre 1906 y 1908, y estrenada el 25 de enero de 1909 en la Ópera Estatal de Dresde. En Iberoamérica, en 1923 se estrenó en el Teatro Colón de Buenos Aires (Argentina) bajo la dirección del propio Richard Strauss, y el 15 de febrero de 1949 fue estrenada en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona (España).

Muchos han sido los autores que han tomado el tema de Electra, desde los trágicos griegos hasta autores de la actualidad. Sin embargo, no tantos autores la han adaptado para ópera; y de las pocas “Electras operísticas”, sólo han sobrevivido dos: la Elektra presente en Idomeneo (1781) de Mozart, y la Elektra por excelencia, la de Richard Strauss.

Considerada una de las obras clásicas del repertorio operístico mundial, Elektra presenta los temas clásicos de la mitología griega: asesinato, venganza, sacrificio, desesperación,… siendo el tema principal de esta ópera la venganza, algo que Strauss reflejó perfectamente a través de su música.

En términos musicales, Elektra sigue la desintegración tonal iniciada por Wagner. Pero es además una ópera de contrastes, donde la disonancia convive con escenas de intenso lirismo. Así, por ejemplo, Strauss utiliza la politonalidad (superposición de dos acordes distintos), creando un efecto disonante, para remarcar el carácter del personaje, mientras crea una música lírica y emocional para caracteres menos trágico, como Crisótemis, hermana de Elektra, y una música atonal (anticipándose a compositores como Arnold Schoenberg y Alban Berg) con efectos metálicos para el personaje de Clitemnestra, madre de Elektra.

Al volver de la guerra de Troya, el rey Agamenón es asesinado por su esposa Clitemnestra y su primo Egisto, amante de ésta. Elektra, hija de Agamenón y Clitemestra, para evitar que la estirpe de los Átridas sea exterminada, envía a su hermano Orestes con su tía paterna y queda sola en palacio con Crisótemis, su hermana menor. Conviviendo con la servidumbre y sin permitir que nadie se le acerque, Elektra prepara la venganza que su hermano, Orestes, a quien todos piensan muerto, llevará a cabo, para vengar y honrar a su padre como un rey se merece.

Fuente: guiadeviena.com

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Abrir un ciclo conmemorativo sobre Gioachino Rossini (1792 – 1868) en ocasión de los 150 años de su muerte con una ópera como La Pietra del Paragone es un reto que conlleva una cierta dosis de riesgo. ¿Por qué empezar con un título tan poco conocido y, por lo tanto, tan poco representativo del gran genio italiano? Los hechos hablan claramente: La Pietra del Paragone es una de las óperas menos representadas y estudiadas del maestro de Pesaro. Desde su estreno en el Teatro alla Scala en 1812, este título desapareció repentinamente sin lograr competir con la fuerza revolucionaria del Barbero y de la Cenerentola. Después de la Segunda Guerra mundial La Pietra volvió a cobrar vida en esporádicas representaciones cuyo éxito no ayudó a dar vuelo y fama a dicha ópera. Hoy en día, la situación no ha cambiado: ni la difusión de la biografía rossiniana de Stendhal -quien definía La Pietra del Paragone “la mejor ópera de Rossini en el repertorio buffo”-, ni los admirables esfuerzos del Rossini Ópera Festival han logrado cambiar los prejuicios y el desinterés hacia esta ópera juvenil del gran italiano.

Entonces, volvamos a la pregunta ¿por cuál razón inaugurar este breve ciclo con La Pietra del Paragone? La primera respuesta que surge nos obliga a observar de cerca la trayectoria musical de Rossini y el papel que en ella tuvo esta ópera. En 1812 Rossini tenía “apenas” veinte años: su experiencia como compositor lo había llevado a presentar cuatro breves farsas en los teatros de Venecia y a componer dos óperas serias: el Demetrio e Polibio (compuesta en 1809) y Ciro in Babilonia, ambas presentadas en 1812 e inmediatamente olvidadas. Su trayectoria había llegado a un momento clave. Para poder finalmente formar parte del mundo de espectáculo era necesario pasar a un nivel más alto, presentar una ópera (ya no una farsa) en uno de los grandes teatros de Italia. La ocasión, afortunadamente, no tardó en llegar: en la primavera de 1812 el Teatro alla Scala de Milán, tras haber observado por meses la labor del joven Rossini, decidió invitarlo para componer una ópera en septiembre.

El libretista sería Luigi Romanelli, firma oficial de casi todos los libretos milaneses de esos años, sobre una historia curiosamente ambientada en la contemporaneidad: el Conde Asdrubale, soltero y en busca de una mujer, decide poner a la prueba sus amistades y sus cariños yendo en contra de la desconfianza con la que siempre había mirado el mundo. Decide por lo tanto disfrazarse de turco para simular el secuestro de todos sus bienes. Muchos huyen del Conde ahora que ya no cuenta con riqueza y bienes materiales, todos menos Giocondo y la Marquesa Clarice quien, en secreto, lo ama profundamente. En el segundo acto, entre juegos y engaños de los otros personajes, falsos y superficiales, la Marquesa a su vez decide poner a la prueba la relación con el Conde vistiéndose de general, gemelo de la Marquesa y, por lo tanto, obligado a llevársela con él. El Conde, frente la posible pérdida de su amor, se declara ante la Marquesa en un final de amor y amistad reiterada.

El éxito fue rotundo. Nos cuenta Stendhal “la gente llegaba de Parma, Piacenza, Bergamo y Brescia y de todas las ciudades cercanas de Milán. Rossini era la primera celebridad del país: la gente corría para verlo”. Era lo que Rossini necesitaba: un triunfo total en un gran teatro y con una compañía importante como la que había presentado la ópera. Marietta Marcolini (Marquesa), Filippo Galli (Conde) y Claudio Bonoldi (Giocondo) eran de hecho algunas de las mejores voces del momento, voces que Rossini supo celebrar con arias y escenas de extraordinario impacto.

La segunda respuesta que podemos dar a la pregunta inicial, nos invita necesariamente a escuchar y ver esta ópera, a vivirla en sus detalles tan moderna y exquisitamente burgueses. Aun perteneciendo a la categoría de ópera buffa, La Pietra del Paragone presenta un número realmente alto de escenas y arias que bien se adaptarían al repertorio serio por la majestuosidad y la complejidad de su música y su dramaturgia: Rossini, consciente del gran reto que estaba enfrentando, entregó todo su ingenio para dar vida a una ópera extraordinaria. La belleza musical de sus arias, la fantasía y el ingenio de las escenas (memorable es la escena del turco, la famosa escena del Sigillara, palabra sin sentido que Romanelli inventa cuando el turco finge secuestrar los bienes del Conde), entre crescendos, sabrosos albures y sarcasmos, nos envuelve en un juego teatral sensacional. Es el triunfo de la melodía perfecta y contagiosa, del teatro fluido y amable, donde la razón se acompaña a la belleza y el sentimiento a la ironía.

Acto I (1 parte)

Acto I (2 parte) – Acto II

Libretto en español

http://kareol.es/obras/lapiedradelparangon/acto1.htm

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