El Primer Cuarteto para piano de Fauré tardó tres años en prepararse (entre 1876 y 1879) y se estrenó en febrero de 1880 en un concierto de la Société Nationale de Musique en París. A pesar de su tonalidad, el Cuarteto en do menor está lleno de calidez y optimismo. Las cuerdas se lanzan al primer tema y luego se extienden hacia un segundo tema lírico, mientras que el desarrollo canónico, los pasajes de tonos enteros y el material fragmentado e imitado hacen una transición fluida hacia un delicado y fluido tema central, para luego volver al tema inicial con puntillo, todo sin fanfarrias. Las cuerdas en pizzicato introducen la extraña melodía de piano del segundo movimiento, una pieza divertida en la que el conjunto juega con contrastes (mi bemol mayor versus do menor, ternario versus binario, exuberante versus apenas perceptible) a medida que el tema se rompe con saltos repentinos y enormes.

Las innovaciones armónicas de Fauré se pueden escuchar claramente en el movimiento Adagio. Las armonías cerradas y la calidad silenciosa, casi gutural de la apertura dan paso a una melodía que suena como un amanecer después de una larga tormenta. Los unísonos se desvanecen en un solo de piano, luego vienen fragmentos del tema y finalmente un regreso al unísono. La línea se vuelve más grave a pesar de una luminiscencia persistente en el piano y termina con un tirón armónico de suspensiones premonitorias. El Allegro molto (la versión actual es una reescritura de 1883 del original) tiene el violín y la viola encadenando líneas en movimiento sobre tresillos en el piano, mientras el violonchelo apoya las cuerdas superiores y extiende el rango de este final dramático.

Fuente: laphil.com

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Este reconocimiento se realizó en el marco del 90 Aniversario del Palacio de Bellas Artes, las noches del 6 y 8 de septiembre en la Sala Principal del recinto, a cargo de la Orquesta Sinfónica Nacional, contando con tres renombrados invitados especiales: la soprano Cristina Ortega, la mezzosoprano Encarnación Vázquez y el pianista Rodolfo Ritter, todos bajo la dirección del maestro Ludwig Carrasco.

Al inicio del programa, en el escenario del Palacio de Bellas Artes se proyectó una video-semblanza del compositor nacido en Guadalajara (1904-1958) con fragmentos de testimonios de su hijo, Gonzalo Curiel, del director artístico Ludwig Carrasco y del musicólogo Luis Jaime Cortez Méndez.

El programa lo formaron, en la primera parte, el Concierto para piano y orquesta núm. 1 con el cual se develó al público esta composición que tocó en vivo en 1948 en la XEW; y posteriormente Gonzalo Curiel estrenó el Concierto número 2 el 21 de noviembre de 1951 dirigiendo a la OSN en el Palacio de Bellas Artes al lado del pianista Edmundo Méndez.

En la segunda parte, las voces de Encarnación Vázquez y de Cristina Ortega recibieron la ovación del público tras su interpretación de las canciones Dime; Calla, Tristeza, Incertidumbre, Un gran amor, Me acuerdo de ti y la más popular de todas: Vereda tropical, piezas que estrenaron sus respectivos arreglos sinfónicos realizados por jóvenes compositores mexicanos, en una iniciativa del Inbal y la OSN para poner a disposición de los interesados las partituras y puedan ser interpretadas en cualquier parte del mundo.

El primer concierto para piano de Gonzalo Curiel data de 1948 y fue estrenado por la pianista Otilia Figueroa en una transmisión radiofónica de la XEW. Poco después del estreno, por iniciativa del gobierno del estado de Jalisco, la obra se tocó en el Teatro Degollado de Guadalajara. 

Fuente: INBAL

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El 26 de abril se cumplirán tres décadas del fallecimiento de quien también incursionó en la música electroacústica. Con este motivo, diferentes instancias del Centro Nacional de las Artes (Cenart) han organizado lo que se perfila como el más grande tributo en torno a su obra y figura.

El homenaje InTerminado sueño: 30 aniversario luctuoso de Manuel Enríquez, que comienza hoy, incluirá conciertos, conversatorios y exposiciones en espacios como la Biblioteca de las Artes, que resguarda en comodato su archivo, así como el Centro Multimedia.

En 2016, con motivo de los 90 años del fundador del Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez, el Cenart organizó una exposición; sin embargo, no se tocó su música. En esta ocasión, además de que el enfoque estará en su faceta como intérprete, se han programado cinco conciertos dedicados enteramente a su arte. En uno, Alberto Cruzprieto tocará su obra integral compuesta para piano, mientras en otro, el Cuarteto de Cuerdas de Bellas Artes interpretará las cinco obras de Los cuartetos de cuerdas.

Enríquez no solía programar sus propias obras; incluso, a raíz de su muerte, hubo resistencia a tocar su música. “No lo querían recordar ni programar, decían que era muy pronto, que tuvo sus enemigos, que no lo querían. Eso me afectaba porque siempre pretendí que se tocara su música. Una vez un director de orquesta me dijo: ‘Susana, es muy pronto. Manuel tuvo muchos enemigos, no lo podemos programar’.

Eso me lastimaba porque Manuel trabajó no sólo para sí mismo, sino para los demás, para la música mexicana y la educación. Quería promover a Manuel, tocaba puertas, pero era difícil, dice Susana Enríquez a La Jornada. De hecho, unos años después de la muerte de su esposo se fue becada a Australia para estudiar un doctorado en artes. Antes, entregó en comodato el acervo del compositor a la Biblioteca de las Artes como parte de sus fondos especiales, con acceso para investigadores, estudiantes y personas interesadas en su legado.

El acervo de Manuel Enríquez consta no sólo de partituras, sino de su correspondencia personal, cintas de carrete, libros, fotografías, su colección de música de otras latitudes y documentos oficiales.

Susana Enríquez indica que después de 2000, muchas cintas de carrete se pasaron a la Fonoteca Nacional para que se estabilizaran, restauraran y digitalizaran. La Fonoteca tiene también en comodato el acervo sonoro. Se hizo una copia digital para que la tuviera la Biblioteca de las Artes para consulta, detalla la pintora. 

Texturas y colores

Son tres las exposiciones que comprende el homenaje. La primera, InTerminado sueño, con documentos del acervo personal de Enríquez, se abrirá hoy en el vestíbulo de la Biblioteca de las Artes. El 18 de abril, en el Foro Negro de la Galería Manuel Felguérez, se exhibirá la instalación sonora In-móvil: Experiencia de escucha alrededor de la obra electroacústica de Manuel Enríquez. Ese mismo día se inaugurará la tercera muestra, Ella y él: Los colores en la música de Manuel Enríquez, curada por su esposa y con un performance de la flautista Evangelina Reyes.

De acuerdo con Susana Enríquez, Manuel era un hombre interesado no sólo en la música, sino también en el arte. Hablaba de texturas y colores. Esta exposición, que es un homenaje a él, no es un ejercicio de sinestesia, sino una recreación y un juego lúdico de sonidos y colores.

También habrá tres conversatorios, en los que participarán figuras como Eugenia Revueltas, Sergio Cárdenas, Pilar Urreta y Margarita Pruneda. El programa de actividades también se llevará a cabo en conjunto con el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, la Universidad Nacional Autónoma de México y la Sociedad de Autores y Compositores de México.

El homenaje InTerminado sueño: 30 aniversario luctuoso de Manuel Enríquez concluirá el 1º de junio en el Centro Nacional de las Artes (Río Churubusco 79, colonia Country Club).
Fuente: Merry MacMasters para La Jornada. Nota publicada el 11 de abril de 2024.

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Por Miguel Salmon Del Real
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Dentro de la gran tradición diplomática que México ha construido por casi un siglo, miles de exiliados han sido recibidos, entre ellos, personalidades que han dejado una importante marca en la historia, como es el caso del violinista Henryk Szeryng, nacido en un suburbio de Varsovia en 1918, justamente en la misma población donde, 108 años antes, había nacido Federico Chopin. 

Szeryng visitó México en calidad de intérprete traductor, acompañando al General Sikorski, Primer Ministro de Polonia, quien se encontraba en el exilio en Gran Bretaña. Pisó suelo mexicano por primera vez en diciembre de 1942, ya en dominio del idioma español. El objetivo de la comitiva de la cual formaba parte, fue entrevistarse con el presidente Manuel Ávila Camacho, con el fin de encontrar refugio para millares de judíos, a los cuales la Segunda Guerra Mundial forzó a dejar su país. Szeryng calificó este episodio, que consistió en cinco días de pláticas, como “la traducción, la interpretación más difícil de mi vida, porque se trataba de cuatro mil vidas humanas”.  Al año siguiente, 1453 refugiados fueron recibidos en la Hacienda de Santa Rosa, en León, Guanajuato. Se cuenta que se refería a esta nueva comunidad como “la Pequeña Polonia”, o tiempo después, como “los niños de Santa Rosa”. Habían llegado en dos barcos, uno, el primero de julio, otro el dos de noviembre. Valentina Grycuk, una de las niñas inmigrantes que llegó entonces a México, recordó a los 83 años de edad, en entrevista para BBC Mundo: “Fue maravilloso. En la estación había muchísima gente con flores, dulces para los niños, música y mariachis. Fue muy cálido, como son los mexicanos, muy cálidos”.

Ante el hospitalario gesto de México hacia sus compatriotas, Szeryng hizo patente su agradecimiento por el resto de su vida. Desde entonces visitó intermitentemente el país, se estableció al norte de la capital y comenzó una entusiasmada labor concertística, de enseñanza, y de colaboración con los más grandes compositores mexicanos.

A su llegada, inició con el estudio del Concierto para violín de Manuel M. Ponce, el cual estrenó dentro de la XVI temporada de la Orquesta Sinfónica de México, la noche del viernes 27 de agosto de 1943, bajo la dirección de Carlos Chávez en el Palacio de Bellas Artes. Una segunda interpretación tuvo lugar el domingo siguiente, en los conciertos de las once de la mañana. El programa se completó con dos estrenos en México, el Concerto Grosso de Geminiani, y la cuarta sinfonía de Glazunov, además el poema sinfónico “Los preludios”, de Liszt.  Por cierto, en la sección de percusiones se encontraba José Pablo Moncayo, quien además se encargaba de interpretar las partes de piano y celesta en la Orquesta. Ya entonces, Szeryng impartía clases maestras en la entonces Escuela Nacional de Música de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), al menos un par de veces al año. Había sido nombrado director del departamento de cuerdas. En 1946, acabada la Segunda Guerra Mundial, obtuvo la nacionalidad mexicana y en 1956, el Gobierno de México lo nombró “Embajador Cultural Itinerante de buena voluntad”, convirtiéndose en el primer artista nacional con pasaporte diplomático.

Durante este periodo se mantuvo cerca de Julián Carrillo, a quien visitaba en su casa de San Ángel, al sur de la ciudad, en el Callejón del Santísimo. Años más tarde de la muerte del inventor del Sonido 13, vivió justo enfrente de aquella casa,en el número 18, una casa que se prolongaba hasta la calle Reforma, al otro lado de la cuadra. Su hija Dolores, “Lolita” Carrillo, apoyó al maestro Szeryng hasta el final de su vida; coordinaba muchas de sus actividades en el país, como por ejemplo, los “cursos superiores de violín” llevados a cabo en el Conservatorio Nacional de Música durante los veranos de la década de los sesenta y principios de los setenta. Algunos de los asistentes fueron los maestros Carlos Esteva, Miguel Bernal, Payambé Reyes, Manuel Suárez, Rafael Cuervo, Víctor Manuel Cortés, Carlos Marrufo, Enrique Espin Yepes, Luz Vernova, Bárbara Klessa, Luis Sosa Huerta, Benjamín Valdez, María Teresa Nuño, Velia Hernández, Consuelo Bolívar, Tomás Marín, Fortino Velázquez, Ernesto Tarragó, Enrique y Pablo Diemecke, e incluso los pianistas Alfonso de Elías, Erika Kubacek, José Suarez, Nadia Stankovich y Luz María Puente de Osorio. 

Lolita Carrillo recibía también la correspondencia de Szeryng en México. El maestro Rafael Tovar y de Teresa le envió varios recortes de prensa de 1980 y 1981 desde su oficina en la Secretaría de Relaciones Exteriores, los cuales reportaban el éxito de Szeryng en el extranjero. Lo mismo sucedía con otros remitentes, quienes enviaban desde diversos países, como Alemania, Japón, la Unión Soviética entre otros, informes y noticias de logros similares del Embajador cultural de México.

En 1954, conoció en la Ciudad de México a su connacional, el gran pianista Arthur Rubinstein, quien se encontraba en el país para presentarse en el Palacio de Bellas Artes. Al término del concierto, el joven Szeryng se acercó a felicitar a Rubinstein y le habló en polaco. Rubinstein, extrañado, preguntó qué hacía tan lejos de casa. Como el mismo Szeryng lo narró en entrevista varios años después, su respuesta a Rubinstein fue: “Soy mexicano pero nací en Polonia… tengo el privilegio de enseñar en la Escuela Nacional de Música”. A la mañana siguiente, ambos maestros se reunieron en donde se hospedaba el pianista, un hotel frente a la Alameda del Centro Histórico. Szeryng comenzó por hacerse escuchar al violín con la Chacona de Bach, después de lo cual, Rubinstein se sentó al piano, y lo invitó a interpretar juntos, de inicio a fin, la tercera sonata de Brahms, opus 108, en Re menor. En aquel encuentro, Rubinstein, conmovido,  instó al joven Szeryng a reducir su actividad docente y a presentarse con más frecuencia en el extranjero, así como a realizar grabaciones internacionales, lo que cumplió a cabalidad, convirtiéndose en uno de los violinistas con mayor número de registros fonográficos. Grabó cerca de 170 obras, y realizó unas 250 grabaciones a lo largo de cuatro décadas,  lo cual le valió un par de premios Grammy, seis veces el Grand Prix du disc, un par de veces el premio Edison, y el premio de la Sociedad Mozart de Viena, el Wiener Flötenhur, por su grabación de 1971, de la obra integral de conciertos del genio de Salzburgo.

Otra de las importantes aportaciones que hizo a la música mexicana consistió en la primera interpretación del Concierto para violín de Carlos Chávez en Nueva York, bajo la dirección de Leonard Bernstein, en 1965. —Como indica David Brodbeck, al narrar la historia de esta obra (“La música y el mercado”, Carlos Chávez y su mundo, El Colegio Nacional, 2018): el concierto había sido estrenado trece años antes, un 27 de marzo de 1952, por Viviane Bertolami al violín, a quien fue dedicado, y bajo la batuta del mismo Chávez, con la orquesta Filarmónica de Los Angeles, en dicha ciudad—. Szeryng grabó el concierto de Chávez en agosto de 1966 con la Orquesta Sinfónica de México y Carlos Chávez a la batuta bajo el sello CBS Records, dentro del marco del “Szeryng Festival”, el cual conmemoraba el décimo aniversario del virtuoso como Embajador Cultural de México, y su vigésimo aniversario como ciudadano mexicano.

En su niñez, Szeryng dejó su natal Polonia, y se trasladó a Berlín con sólo siete años de edad, para estudiar con Maurice Frenkel (1925-1927), con Willi Hess (1928-1930) y con Carl Flesh (1930-1933). En 1933, sus padres lo llevaron a París para estudiar composición con Nadia Boulanger, al tiempo que seguía estudios extramusicales en humanidades, a las cuales llegó a considerar como profesión. Ya en la capital francesa, prosiguió sus estudios de violín con Jacques Thibaud (1935-1936), y finalmente con Gabriel Bouillon (1936- 1937), en el legendario Conservatorio de la Ciudad Luz, del cual se graduó a los diecinueve años de edad. Es entonces cuando recibió como obsequio de sus padres su primer gran violín, de nombre “Santa Teresa”, construido por Andrea Guarnerius en 1683, mismo que, años después, en 1974, donaría a México. Lo entregó en mano al presidente Luis Echeverría, y al otrora concertino de la Orquesta Sinfónica Nacional, el maestro Héctor Olvera Curiel. El violín, se dice, había pertenecido al compositor Giuseppe Tartini (1692-1770), y posteriormente a Camille Sivori (1915-1894), alumno de Paganini. 

Para el momento en que Szeryng donó este instrumento al Estado Mexicano, había trabajado por más de treinta años en favor de la música de México. En enero de 1974, se llevó a cabo la ceremonia de entrega, en la que pronunció las siguiente palabras:

“que esta entrega sirva de estímulo e inspiración a todos [los jóvenes violinistas] a superarse cada vez más, ya que una de las metas de mi vida, es mi labor ininterrumpida por elevar el violinismo en México… “

Al maestro Olvera, entonces concertino de la Sinfónica Nacional, y encargado de resguardar el violín, le sucedieron los maestros Manuel Suárez, Luis Samuel Saloma y, actualmente, Shari Mason. De modo similar, Szeryng había donado un par de años antes su violín Stradivarius 1734 “Hercule” a la Ciudad de Jerusalén, y once años después, su violín Jean-Baptiste Vuillaume 1861 al Príncipe Rainier II de Mónaco. 

En agosto de 1984, en entrevista radiofónica para el programa “Retrato Hablado” de radioUNAM, Szeryng expresó de viva voz: 

“obsequié a varios de mis discípulos, entre ellos, a Héctor Olvera… un violín francés de gran belleza… también obsequié un magnífico Guadanini al joven violinista Shlomo Mintz, pero el violín más hermoso lo di a México…”

También comentó: 

“Yo creo que si soy tan buen mexicano, es precisamente porque no olvido la patria chica. Siete años de vida son muchos años, los años de formación. Y yo creo que por el hecho de no haber olvidado la cultura y la civilización de Polonia, soy capaz de defender mejor, con más fuerza, con más convicción la cultura de México”.

Otros compositores mexicanos, cuya música fue impulsada por Henryk Szeryng, fueron Blas Galindo, José Pablo Moncayo, Silvestre Revueltas, José Sabre Marroquín, José Rolón, Raul Lavista, Carlos Jimenez Mabarak, Manuel Enríquez, e incluso Agustín Lara. 

En 1987, Szeryng grabó otro concierto mexicano de violín. Se trató del concierto de Rodolfo Halffter, bajo la dirección de Enrique Batiz y la Orquesta Real de Londres.

Tras la muerte de Szeryng, y por iniciativa de la Orquesta Sinfónica del Estado de México y de su titular Enrique Batiz, se creó en septiembre de 1992 el Concurso Internacional de violín Henryk Szeryng en honor y en memoria de este gran virtuoso. El primer premio fue compartido entre el violinista mexicano Adrián Justus (1970), y la violinista polaco-mexicana Erika Dobosiewicz (1967), quien, al igual que el mismo Szeryng, nació en Varsovia y decidió permanecer en el país. A la fecha, se desempeña como concertino de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México.

Entre los datos curiosos que se le atribuyen a Szeryng, se dice que nació bajo el apellido “Serek”, el cual, traducido del polaco, equivale al diminutivo para “queso”. Su padre debió cambiar el apellido ante la necesidad de acuñar un nombre artístico para el prometedor Henryk. 

Su vida está marcada alrededor de su obra predilecta, el Concierto para violín de Johannes Brahms. Fue el primer Concierto que tocó al debutar en Varsovia a los catorce años de edad, en 1933, y también el último, el cual interpretó 55 años más tarde en Kessel, Alemania, tras lo cual falleció a causa de un derrame cerebral un par de días después. 

Una década antes, en una entrevista que concedió al diario mexicano Excélsior, se le había preguntado «¿qué haría si le quedara un hora de vida?», a lo cual respondió: «Tocaría el Concierto de Brahms.» 

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La mortal –la otra Maria, como solía decir- ya no cuenta, aunque sea pasto para el mito en todas sus formas. Esa mujer insegura, pesimista, pudorosa, temperamental, difícil, vulnerable, se extinguió a los 53 años quizás añorando marido e hijos. Por uno había abandonado el arte que revolucionó en apenas una década y como tantos de sus personajes, Medea o Butterfly, acabó abandonada.

A cien años de su nacimiento sigue vigente la antigua premisa: Callas es un “gusto adquirido”. Voz extraña, lacerante, que primero  rechaza, luego confronta e hipnotiza hasta volverse irremplazable e imprescindible. Puede no amársela pero jamás permanecer indiferente. Hubo voces más poderosas, más espectaculares y tanto más bellas. Sin embargo, ese sonido complejo, inconfundible – después imitado hasta el hartazgo – ejemplifica un talento que supo transformar defectos en virtudes y que en su búsqueda de perfección simboliza no sólo “La Cantante”, sino la complejidad y esencia del espíritu humano. Lo cierto es que Maria Anna Cecilia Sofia Kalogeropoulos marcó un antes y un después  y a partir de ella, las cantantes de ópera se dividirán en «Callas y las demás».

Genio musical y actriz intuitiva a partir de la música, nunca al revés; con la prodigiosa habilidad para transmitir la esencia, con la inteligencia para integrar un recitativo al aria e iluminar cada instante. Con ella nada sobra, incluso sus excesos ejemplifican buen gusto musical; no hay nota aburrida o indiferente, todas aprovechadas al máximo pero siempre trabajadas y por ende, espontáneas.

Fue un glorioso experimento porque el material estaba, era un diamante en bruto. Su artífice, el ruiseñor español Elvira de Hidalgo, había transformado esa voz oscura, pesada y dramática en pájaro de coloratura. La alquimia resultó, su voz retrotraía al pasado, acabó resucitándolo. El visionario maestro Serafin impulsó su salto al vacío, de Wagner a Bellini y allí sucedió el milagro. El quiebre histórico. Devolvió a las heroínas belcantistas su dimensión trágica, tarea que extendió al maltratado verismo cuando equiparó las rústicas Santuzza y Nedda a  las sacerdotisas Norma, Giulia, Ifigenia y la hechicera Medea auxiliada por la gestualidad legada por sus paisanos Alexis Minotis y su mujer, la inmensa Katina Paxinou.

Siguió la brutal metamorfosis, de patito feo a cisne, el publicitado adelgazamiento(«Porque para Medea necesitaba el mentón como arma expresiva”) y las eléctricas veladas scalígeras cuando sus fans coreaban ”CallaScala!”mientras sus detractores le arrojaban hortalizas que ella – en su miopía- agradecía creyéndolas flores. Después, demasiado pronto, llegó su “descenso” a la fama.  

Mientras tanto, absorbía como una esponja rodeándose de los mejores. Ellos la definieron: “BC y AC, before y after Callas”(Zeffirelli), “un fenómeno estético”(Giulini), “la más grande”(Bernstein), «Una voz perfecta en el personaje que cante«(Serafin). Ciertamente, cada personaje que abordaba sufría una inaudita transformación. Sin el timbre para Mimi…fue Mimi y fue Butterfly y Turandot y Gilda y Amina. Otras le eran más fácil, desde el vamos eran literalmente suyas: Norma, Medea, Anna Bolena, Gioconda, Violeta, Elvira, Lady Macbeth o Tosca, que encarnó como ninguna y por la que no sentía predilección. Su secreto fue prestarle su voz al personaje, pero en el fondo era ella: Maria Callas.

Hoy resulta tan incomprensible como inadmisible la ausencia de filmaciones de sus trabajos con Visconti y otros grandes. No bastan los escasos testimonios filmados pobremente, son sólo instantáneas para corroborar la leyenda. Luego, en la película Medea de Pasolini -que la quiso y entendió pero petrificado ante el ícono no supo aprovecharla- su rostro inmenso, atávico, navegará la pantalla subyugante y desolado pero casi mudo. Faltaba aquella voz única.

En cambio, Callas se agiganta «al verla» en discos, porque su voz permite visualizar aquello que interpreta. En vez de imaginar lo que se lee, permite imaginar lo que se oye. Como las cosechas de vino, la calidad de su instrumento (“mi órgano rebelde”) depende del año; 1952? pétreo; 1953?, colosal; 1955?, glorioso; 1956? turbulento; 1957? ligero; 1958? rotundo; 1964? ácido…pero de la mejor cepa. Aparte de las grabaciones que han dejado de ser atesoradas piratas -la del increíble agudo de la Aida mexicana que habría tentado a Verdi a reescribirlo, la incomparable Norma de la Scala con Giulieta Simionato, el Nabucco napolitano o la feroz Medea de Dallas, la misma noche en que la echaron del Metropolitan- EMI/WARNER atesora el archivo definitivo, habiendo “legalizado” todas aquellas «introuvables», su Kundry romana, la Lucia berlinesa con Karajan, las Traviata de Lisboa y Scala y más funciones scalígeras de Chenier, Ballo y Medea y Sonambula con Bernstein.

Verdadero soldado del arte, a su intuición e inteligencia teatral y musical aunaba férrea disciplina y brutal honestidad («Hay que saber leer entrelíneas y cantar lo que está escrito. Debemos servir a la música aunque para hacerlo haya que romper el instrumento en mil pedazos. Hay que dedicarle la vida y no se trata de voluntad..sino de amor. Devoción y amor para servir lo que se adora. Voluntad se necesita para adelgazar, no para hacer música.») 

Aún con la voz hecha jirones, Callas continuó con obsesiva insistencia en sus roles en pos de una perfección que la eludía más y más. Si se hubiera atrevido con Amneris, la Casandra y Didon berliozianas, o  Eboli y Dalila de las que sólo grabó las arias (como ninguna) incluso con la Klytämnestra straussiana hubiese podido abrir  la puerta a una segunda carrera. De hecho, su Carmen sólo grabada, condensa el personaje como nadie, ni mezzo ni soprano sino tigre feroz, herido, salvaje, de mil facetas. Pero ni Zeffirelli, ni siquiera Visconti que deseaba filmar con ella A la búsqueda del tiempo perdido lograron convencerla. No encontraba motivos, en el lugar de la magia se había instalado la soledad insondable que su voz-aquella “herida abierta entregando fuerzas vitales”– había reflejado desde siempre. 

Al cumplirse el centenario de su nacimiento, como a los diez, treinta y cincuenta, la previsible avalancha (merecida) de tributos y homenajes avanza imparable a cargo de los amos y dueños del puro marketing. Ya no es aquella deliciosa, solitaria metáfora felliniana de Y la nave va sino celebraciones y hasta algunas absurdas apropiaciones de acuerdo al modo ingobernable siglo XXI. Libros, obras, ensayos, bios y biopics (!), supuestos hallazgos y refritos hasta el infinito de todo lo que pueda digitalizarse; todo vale: photoshop, AI, hologramas nefastos, NFTs (!!), remasterizaciones de remasterizaciones con excusas válidas (que las nuevas generaciones se enteren de su existencia) y otras más prácticas ( WARNER resume en «LA DIVINA» una impresionante caja de 135 volúmenes con todo lo que grabó, incluidos ensayos y hasta lo que no autorizó) para sus fieles devotos que pasaron del bendito LP al cassette al CD y DVD y sucesivas cajas conmemorativas y que pacientes seguirán adaptándose a lo que venga con tal de seguir disfrutándola y  a quienes virgenes se asoman a la experiencia de su voz en “streaming”….

A TÍTULO PERSONAL

Conmemorar el centenario de “La Divina” seleccionando sus mejores registros es abrir una caja de Pandora para desatar combates entre devotos, fanáticos, indiferentes y detractores. Mi primer encuentro con esa voz enrarecida por tanto talento fue con su primera grabación comercial de Lucia. En un primer momento, la detesté pero algo me hizo regresar y caí en la trampa. El momento fatídico llegó con su grito Edgardo, Edgardo en esa escena de la locura tan estilisticamente rigurosa como efectiva, la voz ascendiendo como una monólitica columna velada por el llanto contenido ya plasmado en Al fin son tua, al fin sei mio…. Siguió el O don fatale de 1964, atípico que abrió las puertas a otra Callas, la declinante pero tanto o hasta mas fascinante con sus «varias voces» a disposición.

Sus interpretaciones mejoran con el tiempo, lo desafían y le ganan. Si en su momento sólo se contaba con las grabaciones comerciales “autorizadas” y un sinfin de “piratas” como bocado prohibido para exquisitos, hoy la oferta es inabarcable y fragmentada; por eso, debe escogerse cuidadosamente. 

Algunos favoritos personales y recomendaciones:

OPERAS COMPLETAS, REGISTROS COMERCIALES

TOSCA, DE SABATA, 1953

LUCIA, SERAFIN, 1954. 

AIDA, SERAFIN, 1955

LA GIOCONDA, VOTTO, 1959 («Está todo ahí», Maria Callas)

CARMEN, PRETRE, 1964

OPERAS COMPLETAS EN VIVO

LUCIA, KARAJAN, BERLIN 1955.

NORMA, VOTTO, LA SCALA 1955

LA TRAVIATA, GIULINI, LA SCALA 1955

ANNA BOLENA, GAVAZZENI, LA SCALA 1957

MEDEA, RESCIGNO, COVENT GARDEN 1959

LA SONNAMBULA, VOTTO, KÖLN 1957

 RECITALES REGISTROS COMERCIALES

Puccini Arias – Serafin – 1954 

Opera Arias – Serafin – 1955 

Escenas de Locura – Rescigno – 1958 

Verdi Arias I/II – Rescigno – 1958/1964

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CRONOLOGIA

1923 – Diciembre 2. Maria Anna Cecilia Sofia Kalogeropoulos nace en New York.

1937 – Su madre vuelve a Grecia con sus hijas, Maria y Jackie.

1939 – Pupila de Elvira de Hidalgo y debut como Santuzza

1947 – Debuta en Verona y conoce a Meneghini con quien se casa

1953 – Graba Lucia y Tosca,“la mejor grabación de ópera de la historia”

1954/57- Adelgaza 65 libras; debut americano, trabaja con Visconti en la Scala.

1958 –Echada de la Scala y el MET, triunfa en Dallas y Paris. Onassis en la audiencia.

1959 – Onassis invita los Churchill y Meneghini a un crucero en el Cristina

1960/63 – Por Onassis, practicamente abandona la escena.

1964/65 – Retorna como Norma y Tosca(Última funcion teatral; Londres, Julio 5)

1966 – Renuncia a su ciudadania americana para casarse con Onassis. 

1968 – Onassis se casa con Jacqueline Kennedy.

1969 – Como actriz filma la Medea de Pasolini.

1971 – Masterclasses en Julliard School, New York.

1973 – Reaparicion en conciertos, la voz es una sombra del pasado.

1975 – Visita a Onassis moribundo. Se recluye en su apartamento parisino.

1977 – Septiembre 16. Muere en Paris, aparentemente de un ataque cardiaco

notas relacionadas: Santa Callas, pur ti riveggo Aida por Callas

Fuente: Sebastián Spreng para Miami Classical

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La Ópera de París estaba preparando el reestreno de Castor et Pollux de Rameau, y el ensayo general tuvo lugar el 21 de marzo de 1918, por la tarde, ya que se temían avisos de ataques aéreos durante la noche. Fue una de las últimas cosas que le apenó perderse, ya que no pudo ir. Cuando me vió partir, trató de sonreír y susurró: “¡Dígale bonjour a Monsieur Castor!”  Dos días más tarde comenzó el bombardeo sobre París. En sus últimos días escuchaba el lúgubre ruido de las explosiones y su sufrimiento concluyó el lunes 25 de marzo; tenía 55 años.

Louis Laloy, La musique retrouvée, París, 1928.

Debussy quería que lo enterraran en el cementerio de Passy porque consideraba que era menos lúgubre que otros cementerios parisinos. Descansaría, dijo, entre los árboles y los pájaros. Pero los Debussy no tenían una parcela allí. Así que el ataúd fue llevado primero a Pere-Lachaise. Un año más tarde, Mme. Debussy, André Caplet y yo lo llevamos de Pere-Lachaise al cementerio de Passy, donde descansa actualmente.

Pasteur Valléry-Radot, “Claude Debussy: souvenirs”, Revue des Deux Mondes, CVIII, 1938.

Fuente: Roger Nichols, El mundo de Debussy, Buenos Aires, Adriana Hidalgo editora, 2000.

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María Teresa Rodríguez, piano

En 2023 celebramos los 100 años del nacimiento de la excepcional pianista mexicana María Teresa Rodríguez. Fue considerada una niña prodigio, ya que a sus cuatro años tras la influencia de su mamá; pianista y maestra de piano, y su papá; cantante, inició su formación en el lenguaje musical y la ejecución de piano. A partir de ahí, comenzó a fincar un ciclo profesional extraordinario.

Debutó como concertista a los 8 años de edad, tocando obras de Bach, Mozart, Chopin, Debussy y el Concierto No. 1 de Beethoven. Claudio Arrau escribió después de oírla (el 4 de octubre de 1942): “Ha sido para mí un verdadero placer constatar que se trata de un talento excepcional que tiene todas las cualidades pianísticas para hacer una gran carrera como concertista”.

Este pronóstico fue hecho realidad, pues María Teresa dio recitales ininterrumpidamente en todo México, Cuba, Estados Unidos, Uruguay, Argentina, Perú, Inglaterra, España, Holanda, Dinamarca y Alemania.

María Teresa estudió en Estados Unidos varias de las obras fundamentales del repertorio pianístico, con el eminente pianista y maestro ruso Alexander Borowski, Ha sido solista de las principales orquestas de México y de las sinfónicas de Boston, Cuba y Dallas, así como de la Filarmónica de Moscú, la Nueva Filarmonía de Londres, la Orquesta Nacional de Lima, la Orquesta del Festival de Aptos, California, y la Orquesta de la Universidad de Boulder, Colorado, entre otras.

Su maestro Alexander Borovsky le expresó que ella había sido la mejor alumna de toda su vida. Y Carlos Chávez, después de oírla tocar el Concierto “Emperador”, de Beethoven, comentó: como tocó María Teresa este concierto, nadie lo puede mejorar.

Además de sus éxitos continuos como concertista, difundió la música de compositores mexicanos, principalmente la de Carlos Chávez, de quien fue colaboradora en su taller de composición en el Conservatorio Nacional de Música (1960-1964) y bajo cuya supervisión trabajó toda su obra para piano, misma que grabó para la RCA en 1981, así como su concierto para piano y orquesta con Eduardo Mata y la New Philharmonia Orchestra de Londres.

En 1952 Carlos Chávez le otorgó una beca del INBA para estudiar y dar conciertos en Europa, con la condición de que no se quedara por allá, pues el país la necesitaba como maestra y pianista. De 1988 a 1991 dirigió el Conservatorio Nacional de Música, siendo la primera mujer en ocupar ese cargo.

Su labor musical fue reconocida al ser miembro del jurado del Concurso Internacional Federico Chopin en Varsovia, Polonia, en 1970; Internacional Ciudad de Montevideo, en 1972, y el Interestatal en San Antonio, Texas, en 1980. Recibió reconocimientos en su estado natal, Hidalgo, en 1988 y 1989, y en 1986 se le nombró huésped distinguida de la ciudad de Denver, Colorado. Asimismo, obtuvo la Orden al Mérito Cultural, otorgada por el gobierno polaco por difundir la obra de Chopin.

También fue galardonada con el Premio a la Excelencia Académica del Instituto Nacional de Bellas Artes en 1996. En el 2005 recibió un merecido homenaje durante las actividades artísticas del festival Instrumenta Verano que se realiza en el Estado de Oaxaca, al siguiente año, el INBA le entrega la Medalla de Oro de Bellas Artes, y en el 2008 el Gobernador del estado de Hidalgo Miguel ángel Osorio Chong le entrega la Medalla Pedro María Anaya, reconocimiento que otorga la LIX Legislatura del Congreso del Estado de Hidalgo.

En la Ciudad de México ofreció recitales frente a destacados compositores como Manuel M. Ponce, Julián Carrillo y Claudio Arrau. En 1989 participó en el homenaje a Carlos Chávez con motivo de los 90 años de su nacimiento, ofrecido por la Universidad de Florida en Miami.

En 1991 tocó en el festival México en el Arte, en Nueva York, y en 1993 representó a México en el Festival Europalia, en Bélgica, así como en el Festival Mexican Performing Arts.

El reto más grande que enfrenta cualquier instrumentista es recrear la obra de un compositor, dice Perogrullo. Escuchar a María Teresa Rodríguez equivale a oír adecuadamente los conceptos estéticos vertidos por cada uno de los compositores en el repertorio tradicional. En su haber concurren tres cualidades básicas. Una extraordinaria memoria (más de 400 obras), una peculiar sensibilidad y una solidez técnica inusual.

En el video:

Danzón Cubano de Aaron Copland
María Teresa Rodríguez y Tonatiuh de la Sierra, piano

Cuatro danzas mexicanas de Manuel M. Ponce

Concierto para piano y orquesta Op. 54 de Robert Schumann 
María Teresa Rodríguez con la Orquesta Filarmónica de la UNAM dirigida por Roberto Manfredini.

HP, El trópico de Carlos Chávez
María Teresa Rodríguez y Tonatiuh de la Sierra.

Concierto para piano y orquesta No. 1 Op. 23 de Piotr Illich Chaikovski
María Teresa Rodríguez con la Orquesta del Festival de Cabrillo

Fuente: Fonoteca Nacional de México

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Jueves 26 de mayo, 18hr. Sala Nezahualcóyotl
Ensamble Cepromusic | José Luis Castillo, director artístico
Diego Morábito, flauta
Arielle López*, oboe
Diego Cajas, clarinete
Luis Mora, clarinete bajo
Ángel Flores, fagot y contrafagot

Alfredo Fenollosa, corno
Rafael Velásquez, trompeta

Xavier Frausto, trombón

Juan Gabriel Hernández, percusión 
Abraham Parra, percusión
Gonzalo Gutiérrez, piano

Carla Benítez, violín
Leonardo Chávez, violín
Juanmanuel Flores, violín
Carlos Lot, violín
Alena Stryuchkova, viola
Diego Gutiérrez, violonchelo
Ana Karen Rodríguez, violonchelo
Juan José García, contrabajo

Carlos Iturralde, Coordinador de nuevas tecnologías aplicadas a la creación musical

Programa 

Iannis Xenakis (1922-2001)

Anaktoria (1969)

Phlegra (1975)

Palimpsest (1979)

Thallein (1984)

Fuente: Música UNAM

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La agrupación interpretará Dos fantasías para ensamble de violas, de Henry Purcell; Cuarteto en Sol, de Domingo Lobato; Cuarteto en Re menor, D810, La muerte y la doncella; de Franz Schubert, así como el estreno mundial de Memorial, de Ana Lara, obra dedicada a la memoria del compositor Mario Lavista.

El 40 aniversario del máximo exponente de los ensambles de cuerda en nuestro país cuenta con más de 90 producciones discográficas para distintos sellos, como Naxos, Quindecim y Urtext, además de haber grabado la integral de los 17 cuartetos de cuerda del autor brasileño Heitor Villa-Lobos. Otros de sus mayores logros han sido las primeras grabaciones de piezas de Silvestre Revueltas, Manuel M. Ponce y Mario Lavista, entre otros.

Nominado en seis ocasiones al Grammy Latino y ganador en dos de ella con los discos Brasileiro, las obras para cuarteto de Francisco Mignone, en 2012, y El Hilo Invisible, en 2016, se ha dedicado a difundir la música de compositores latinoamericanos en salas de conciertos de Israel, Japón, Nueva Zelanda y, prácticamente, en toda Europa y América. Entre las más sobresalientes se pueden mencionar el Teatro allá Scala de Milán, el Carnegie Hall de Nueva York y el Concertgebouw de Ámsterdam.

El grupo creó la Academia Latinoamericana de Cuartetos de Cuerda, en el marco del Sistema de Orquestas Juveniles de Venezuela, y también forma parte de diversas instituciones de educación musical en el país, donde imparte clases. Ha sido beneficiario en distintas ocasiones del proyecto México en Escena del Fonca, lo que le ha permitido desarrollar cursos, proyectos de investigación y giras a nivel mundial.

Los boletos para el concierto del Cuarteto Latinoamericano ya están a la venta en la taquilla del recinto y en Ticketmaster.com.mx, con un costo de $30, $60 y $80.

Habrá un estricto apego a las medidas de protección para artistas, trabajadores y asistentes, las cuales consisten en la instalación de un filtro con tapete desinfectante, aplicación de gel antibacterial, revisión de la temperatura que no rebase los 37.5ºC, uso obligatorio de cubreboca al momento del acceso y durante las funciones, y respeto a la sana distancia, así como aforo limitado. El cambio de programación está sujeto a las condiciones sanitarias establecidas por las autoridades de las secretarías de Salud y de Cultura federales. Fuente: INBAL

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Ónix Ensamble es un premiado grupo de intérpretes mexicanos dedicados a difundir lo mejor de las nuevas tendencias de la música actual. Cada uno de sus miembros encarna la experiencia y trayectoria internacional de un virtuoso solista en beneficio de un colectivo sonoro que ha sido aclamado por la crítica especializada como “único en Latinoamérica, excepcional… hipnótico… de gran fuerza expresiva y musical” (Classical Music Review). 

El programa que interpretarán para celebrar el XXV aniversario está conformado por las obras Modelo para armar I y II, creaciones colectivas de Ónix Ensamble; Snow Fragments (estreno mundial), de Aaron Levin; Rock Hill (estreno mundial) de Keane Southard; Bocetos para una rama, de Mario Lavista (In Memoriam 1943-2021); Through Singing we Learn to Speak, de Christian Quiñones; y Welcome, de Oliver Dubon. 

Ónix Ensamble, cuenta con el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes a través de su programa “México en Escena”; está integrado por Alejandro Escuer (flauta), Fernando Domínguez (clarinete), Edith Ruiz (piano), Abel Romero (violín) y Edgardo Espinosa (violonchelo), bajo la batuta del director invitado Felipe Pérez Santiago. 

El ensamble fue fundado en 1995 por Alejandro Escuer, con el fin de fomentar una visión de la música incluyente y respetuosa de la diversidad cultural que vive el mundo contemporáneo, ofreciendo un panorama continental concentrado especialmente en la música de América, desde Argentina hasta Canadá. 

Sus conciertos suelen incluir obras que ningún otro grupo en el mundo difunde, dando a conocer descubrimientos y propuestas originales frecuentemente influenciadas por la literatura, el teatro, las artes plásticas y la tecnología. Además, Ónix favorece géneros que fusionan la música clásica con otras músicas y estéticas del mundo –tal y como lo hicieron Igor Stravinsky y Béla Bártok durante el siglo XX–, propiciando puentes de comunicación y nuevos caminos de expresión característicos de las tendencias eclécticas, multiculturales y posmodernas de la actualidad. 

Es también una asociación civil sin fines de lucro que ha recibido el apoyo de instituciones y particulares interesados en que la Música cumpla una función de trascendencia social y educativa. Además, ha sido generador directo e indirecto de una amplia gama de proyectos, tanto institucionales como independientes, incentivado la fundación de propuestas y grupos cuya hermandad de espíritu afianza un futuro certero para la música de México y su posicionamiento a nivel nacional e internacional. 

La estrategia fundamental ha consistido en establecer proyectos nacionales e internacionales de colaboración que han derivado en grabaciones, estrenos, comisiones, residencias, intercambios y más recientemente, en el lanzamiento de un reconocimiento internacional, el Premio Internacional ÓNIX de Composición Intercultural. 

Este ensamble ha estrenado decenas obras –muchas de ellas dedicadas a la agrupación–, trabajando por 12 años consecutivos en grabaciones, presentaciones y cursos académicos en México y el extranjero, incluyendo viajes y giras a Estados Unidos, Sudamérica y Asia. 

Ónix Ensamble ha recibido el apoyo y reconocimiento del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Programa México en Escena y Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales en varias ocasiones); nominación al Grammy Latino por su disco Planos; Rockefeller Foundation; Fundación Cultural Bancomer; Coordinación Nacional de Música y Ópera (Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura); Universidad Nacional Autónoma de México, Escuela Nacional de Música; Chamber Music International; Festival Internacional Cervantino; Centro Nacional de las Artes; Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez; Festival de México en el Centro Histórico; Americas Society y Gaudeamus Foundation, entre otras organizaciones nacionales e internacionales. 

Los boletos tienen un costo de $120 pesos, con descuentos para estudiantes, maestros y adultos mayores con identificación vigente. 

Las personas asistentes deberán seguir un riguroso protocolo para la protección de todos, el cual incluye el acceso a través de un filtro sanitario, uso obligatorio de cubrebocas y la sana distancia, de acuerdo con los lineamientos establecidos por las autoridades sanitarias. Para más información consulta la página www.cenart.gob.mx. 

Fuente: Cenart

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