The post ¿Qué es un Ländler? appeared first on Música en México.

Para 1901 comenzó una incipiente carrera como solista que lo llevó a tocar en Berlín en 1903. Y dos años después ya había compuesto un Concierto para contrabajo (aunque siempre se ha pensado que pudo haber sido compuesto por Reinhold Gliere quien, al menos, colaboró con él en su creación). Casado por segunda ocasión, Serguei vivió con su esposa en Berlín, ciudad en la que estudió dirección de orquesta con el legendario Arthur Nikisch, primer gran director histórico de la ya famosa Filarmónica de Berlín.

En 1908 hizo su debut en público como director, nada menos que con la misma orquesta, pero, en honor a la verdad, es posible que gracias al dinero familiar de su esposa -hija de comerciantes- Serguei contratara a la gran Filarmónica de Berlín. Su segundo proyecto le rindió más frutos: crear una empresa editora, Ediciones Rusas de Música, para lo cual, la pareja regresó a Moscú y publicaron obras de compositores como Rajmaninov, Medtner -especie de sucesor del anterior-, Scriabin, Stravinski y Prokofiev.

En las siguientes décadas, Kusevitski continuó presentándose como solista del contrabajo y con “su propia orquesta a cuestas” realizaba conciertos en Moscú o en barcos que navegaban por el Volga. Después de la Revolución Rusa de 1917, trabajó en Rusia con varias orquestas, antes de exiliarse en Berlín y París. Desde entonces, su orgullo musical era estrenar las obras de sus contemporáneos, especialmente rusos o franceses, hasta que en 1924 se le invitó a sustituir a Pierre Monteux al frente de la Sinfónica de Boston.

Su carrera estadunidense haría historia en los próximos 25 años, con la fama que adquirió como director y por la “era de oro” que comenzó para la Sinfónica de Boston, a la que convirtió en una de las mejores orquestas de Estados Unidos. (Además de sus temporadas regulares, Kusevitski creo el famoso Festival de verano de Tanglewood) además de su leyenda como descubridor de grandes intérpretes, incluyendo a sus alumnos de dirección más distinguidos: Leonard Bernstein, Samuel Adler, Sarah Caldwell y Eleazar de Carvalho, a quienes, por cierto, tuvimos oportunidad de escuchar en México en diversas ocasiones. Bernstein contaba con orgullo que las “mancuernillas” que usaba en cada concierto de su vida, habían sido un obsequio de Kusevitski. Otro de sus legados es el Premio Koussevitzky para directores jóvenes o músicos de diversas especialidades, que fue recibido, entre otros, por Seiji Ozawa, Michael Tilson Thomas y la ya entonces famosa soprano Judith Raskin.

Considerando el escaso repertorio de conciertos para contrabajo y orquesta, la mayoría de ellos escritos en el periodo clásico, la existencia de uno más como el que creó Serguei Kusevitski es de suma importancia y es uno de los más tocados por los contrabajistas. Cuando el futuro gran director aun se dedicaba más a su temprana carrera como solista, en 1903 compuso el Concierto para contrabajo en fa sostenido menor, para ser interpretado por él mismo cuando se le invitara como solista con alguna orquesta. La obra fue estrenada en 1905 con la Filarmónica de Moscú.

La obra está estructurada en un único movimiento, aunque dividido en las tres secciones características de un concierto formal; musicalmente es muy accesible y melódico, como si se tratara de arias de bel canto operístico; de hecho, a la obra la anima algo de la intención de imitar las voces de los grandes cantantes rusos de su tiempo, además de la fuerte influencia del estilo de sus ídolos de la composición musical, Chaikovski, Glinka, Scriabin, Rajmaninov y el propio Gliere.

Fuente: Roberto Ruiz Moctezuma, para OFUNAM.

The post El otro Koussevitzky appeared first on Música en México.

Mozart  proporcionó el verdadero equilibrio que debe existir entre el instrumento del piano y la orquesta, es decir, no es un solista “acompañado” por un conjunto de músicos. Para Mozart no debía existir un duelo, sino un diálogo entre el ejecutante y la estructura orquestal.

Reflexionando sobre este aspecto musical, se puede destacar su concierto Nº 20, que fue terminado el 10 de febrero de 1785, ejecutado por el propio autor en Viena al día siguiente de haber puesto la última nota en el pentagrama. Para el conjunto orquestal fue casi como una lectura a primera vista.

El Concierto Nº 20 Köchel 466, está compuesto en Re menor, y con esta característica se evidencia como una composición “triste”. Hasta podemos considerar a esta creación como la más dramática que Mozart compuso en esta forma musical. Inclusive, llama la atención que está escrito en la misma tonalidad que su futuro “Réquiem” y la ópera “Don Giovanni”.

¿Qué fue lo que ocurrió cuando Mozart ejecutó este concierto? El Emperador de Austria expresó a viva voz “¡bravo Mozart!”. Pero el público en realidad salió de la sala con una manifiesta división. La misma se debió a que algunos de los asistentes tuvieron la idea de que una expresión musical con estas características  ― orquesta y solista ― debería de hacer “lucir” a este último, que debía de exhibirse en alguna medida lo que se entendía como “virtuosismo”, aunque sin desmerecer a la orquesta.

Como todos los conciertos de Mozart, el número de instrumentos no es grande, pero suficientes para expresar verdaderas maravillas: 1 flauta, 2 oboes, 2 fagotes, 2 trompas, 2 trompetas (todas en re), timbales (en re – la), violines,  violonchelo y contrabajo.

El concierto consta de tres movimientos, los cuales se ajustan en buena medida al enfoque clásico: Allegro, Romanza y Rondó assai.

Fuente: Jorge de Hegedüs para Hágase la música.

Mitsuko Uchida – piano y dirección
Camerata Salzburgo

The post Concierto Nº 20 para Piano y Orquesta de Wolfgang A. Mozart appeared first on Música en México.

Orquesta Sinfónica Abruzzese, dirige Fabrizio Meloni

Marzo de 1881 fue un mes particularmente importante para Strauss, quien entonces era un estudiante de 16 años de edad: en el corto lapso de quince días, tuvo la fortuna de asistir a la primera ejecución de tres de sus obras, tempranas, el Cuarteto de cuerdas Op. 2, la Marcha festiva Op. 1 y la Sinfonía en re menor. Animado por el éxito de esas ejecuciones, el joven Strauss compuso ese mismo año una de sus más notables obras tempranas, la Serenata Op. 7. Durante toda su vida, Strauss manifestó abiertamente su admiración por Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) y su amor por la música del compositor salzburgués. Así, al abordar la creación de la Serenata Op. 7, Strauss estaba rindiendo un homenaje explícito a Mozart, haciendo un paralelo con la formidable Serenata K. 361 que Mozart había compuesto en 1784 para 13 alientos. La dotación de la Serenata Op. 7 de Strauss es análoga a la de la obra de Mozart: pares de flautas, oboes, clarinetes y fagotes, cuatro cornos y un contrabajo que puede ser sustituido opcionalmente por una tuba. (En la Serenata K. 361 de Mozart, hay un par de bassett horns en lugar de las flautas). El musicólogo Michael Kennedy hace esta breve descripción de la obra:

Sin duda las mejores obras escritas por Strauss en el período 1881-1883 son la Serenata en un movimiento para trece alientos y el Concierto para corno No. 1. Aunque Strauss descartó más tarde la Serenata como “nada más que la respetable obra de un estudiante de música”, es fácil entender por qué Bülow se sintió atraído hacia su meliflua gracia. Aunque la obra está en forma sonata, Strauss evitó su punto débil, el desarrollo, sustituyéndolo por un episodio central independiente en si menor que liga la exposición con la recapitulación. La unidad se mantiene en esta sección a través del uso repetido de una figura de seis notas derivada del segundo tema de la obra. Pero la cualidad destacada de la obra es la mano segura con la que Strauss combina y contrasta las sonoridades instrumentales.

El 27 de noviembre de 1882, la Orquesta de la Corte de Dresde, bajo la batuta de Franz Wüllner, estrenó la Serenata Op. 7 de Strauss, ocasión que habría de marcar de manera importante su futuro como compositor. Poco después, Eugen Spitzweg, el primer editor de la música de Strauss, envió la partitura de la Serenata Op. 7 al afamado director Hans von Bülow. Sorprendido y admirado, Bülow programó de inmediato la obra, dirigiéndola en Berlín con la Orquesta de la Corte de Meiningen en 1883. Strauss asistió a la ejecución y recibió las felicitaciones del director, quien de inmediato le encargó la creación de una obra similar para Meiningen. Así, Strauss emprendió la composición de la Suite Op. 4, concebida para una dotación análoga a la de la Serenata Op. 7. Además del encargo, Bülow tuvo con Strauss el gesto generoso de invitarlo a dirigir el estreno de la Suite Op. 4 en su ciudad natal, Munich, al frente de la Orquesta de Meiningen. Todas estas atenciones de Bülow hacia Strauss hablan bien de la capacidad del legendario director para reconocer sus errores y enmendarlos; se dice que al conocer las Cinco piezas Op. 3 de Strauss, Bülow se había referido a él como un compositor mediocre. Ahora, ante la evidencia del talento de Strauss (teniendo como prueba principal la partitura de la Serenata Op. 7), Bülow se refirió al joven compositor en estos términos:

Strauss es un joven con un raro talento. Por mucho, la personalidad más impactante desde Brahms: versátil, ávido de aprender, firme pero discreto, en suma, una fuerza de primer orden.

Por cierto, su conducción de la Serenata Op. 7 con la Orquesta de la Corte de Meiningen por cortesía de Bülow, representó la primera aparición de Strauss en público como director. ¿Resultado? En octubre de 1885 fue invitado por Bülow como su asistente en la orquesta de Meiningen, y un mes después ascendió a director titular del conjunto, iniciando así su brillante carrera como director. Strauss tenía en ese momento 21 años de edad.

Fuente: Juan Arturo Brennan para la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México.

Disfrute de esta obra de Richard Strauss con la interpretación de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, bajo la batuta de Scott Yoo. La cita es el sábado 24 y domingo 25 en la Sala Silvestre Revueltas del CCOI y el miércoles 28 en el Teatro de la Ciudad “Esperanza Iris”. Para mayor información, consulte cartelera.

The post Serenata para 13 alientos op. 7 de Richard Strauss appeared first on Música en México.

Creado por la ESMA, escuela de animación de Montpellier y dirigido por los talentosos Félix Ferrand, Florian Magnin, Jordan Mercredi, Corentin Provost y Marjolaine Robin.

The post “Rubato” Corto animado appeared first on Música en México.

Petals para cello solo y electrónica en vivo

Sus música se ha ganado el reconocimiento internacional, sobre todo con obras como Verblendungen (1982-84) para orquesta; Lichtbogen (1985-86) para flauta, percusión, arpa, piano, dos violines, viola, violoncello, contrabajo y electrónica en vivo y Nymphéa (1987) para cuarteto de cuerdas y electrónica en vivo. Kaija Saariaho busca en sus obras de los años 80 la utilización de nuevos timbres en los instrumentos tradicionales, así como la incorporación de nuevas técnicas y recursos al incluir música electrónica, ya sea en vivo o pregrababa. En cuanto a su trabajo de los años 90, habiendo ya madurado en su carrera, destaca el lirismo y la expresividad de su música, así como la creciente importancia del elemento rítmico.     

Laterna Magica para orquesta

Kaija Saariaho ha disfrutado de numerosos reconocimientos tales como:  el Premio Kranichsteiner (Darmstadt) en 1986, el Premio Ars Electronica por Stilleben and Io en 1989, el Premio del Ballet Nacional de Finlandia en 1991 y  el Premio Grawemeyer de Composición en 2003 por su ópera L’amour de loin.

L’amour de loin (extracto)

Su música emplea técnicas revolucionarias de interpretación en instrumentos tradicionales en combinación con nuevos instrumentos digitales (música con computadoras y electrónica). En Lichtbogen, compuesta en 1985-86, se aprecian estas dos características, crea un ambiente difuso y ambiguo al jugar con timbres, sonoridades y registros.

Orión para orquesta

The post Kaija Saariho (1952) appeared first on Música en México.

Parte1


Parte 2


Parte 3

El ensamble belga Il Gardellino toma su nombre del famoso concierto de cámara homónimo de Vivaldi. El oboista Marcel Ponseele y el flauista Jan De Winne iniciaron una serie de conciertos de música de cámara en 1988 junto con el fagotista Marc Minkowski. Luego de varios años, cinco cuerdistas integraron de manera regular el ensamble, lo que resultó en el acceso a un repertorio más amplio y variado.

El repertorio y filosofía del ensamble es continuamente recreado y renovado. Il Gardellino está involucrado en investigación sobre el marco histórico de las obras que ejecuta, de manera que cada pieza sea presentada a la audiencia de acuerdo con el estilo de la época en que fue creada. Después de muchos años de este tipo de trabajo, Il Gardelino ha creado un mundo sonoro propio.

La admiración del ensamble por la obra de Johann Sebastian Bach has asegurado que esta figura del barroco se encuentre al centro de su repertorio. Sin embargo, Il Gardellino se ha impuesto el reto de tocar piezas de compositores que son menos conocidos, como se hace patente en sus grabaciones y conciertos con obras de Eichner, Graun, Fasch, Janitsch, Stölzel y Heinichen. El ensamble prefiere tocar en espacio históricos, donde la relación armónica entre la música y la arquitectura crea su propio diálogo con la audiencia.

Los ocho miembros permanentes del ensamble son complementados con cantantes, alientos y cuerdas extras de acuerdo con los requerimientos de las obras ejecutadas. Estos músicos son eminentes especialistas en la práctica de la ejecución histórica y renombrados ejecutantes de música barroca: Marcel Ponseele (oboe), Jan De Winne (traverso), Ryo Terakado, Mayumi Hirasaki, Joanna Huszcza, François Fernandez (violín), Kaat De Cock and Ingrid Bourgeois (viola), Emmanuel Balssa, Ira Givol and Ronan Kernoa (cello), Vittorio Ghielmi (gamba), Alain Derijckere (fagot), Frank Coppieters and Korneel Lecompte (contrabajo), Shalev Ad-El, Lorenzo Ghielmi and Bart Naessens (clavecín). El ensamble también colabora con solistas de clase mundial, así como otros ensambles de primer orden como la Capella Amsterdam.

Il Gardelino es considerado como unos de los mejores ensambles de ejecución historica de Bélgica y el mundo. Es invitado frecuente de los más importantes festivales de Europa como son el Festival MA en Brujas, el Festival van Vlaanderen, el Festival Oude Muziek en Utrecht, el Festival de Sablé y el Festival de Sainte así como otros festivales en Praga, Innsbruck, Berlín, Regensburg, Leipzig y Barcelona. Ha realizado giras por Australia, Asía, Estados Unidos, América Central y Sudamérica, Israel y Rusia.

La discografía de Il Gardelino es muy amplia, ha grabado para Accent, Klara, Eufoda y Passacaille. Sus grabaciones has sido acreedoras de renombrados premios como el Diapason d’Or y el premio Classica, otorgados por la prensa internacional.

Fuente: ilgardellino.com

El ensamble Il Gardellino se encuentra actualmente en México realizando una gira de conciertos por Morelia, Guadalajara y la Ciudad del México. El próximo 29 de noviembre a las 20:00hr se presentará en el Palacio de Bellas Artes de la capital.

The post Il Gardellino en el Festival NOMUS 2006 appeared first on Música en México.

Juan Trigos (1965) es un compositor y director de orquesta nacido en la Ciudad de México. Su formación académica incluye títulos en dirección coral y de orquesta, composición, canto gregoriano y piano de importantes instituciones de México e Italia.

Entre sus obras más destacadas se encuentran la cantata concertante Magnificat Guadalupano, la Missa Cunctipotens Genitor Deus, seis Ricercare de cámara, una nutrida producción para guitarra que incluye dos conciertos para guitarra y orquesta y un concierto para cuatro guitarras y orquesta, conciertos para piccolo, para contrabajo, un triple concierto y cuatro sinfonías. Dirigió su ópera De cachetito raspado en México y en Croacia, y la grabación en Rusia con el Coro Académico de San Petersburgo y la Orquesta Sinfónica del Estado de San Petersburgo.

Juan Trigos: Concertino para clarinete “In Memoriam Eugenio Toussaint” / Asko Heiskanen (clariente) y la Orquesta de Cámara Avanti!

Juan Trigos: Quartetto da Do / Bent Frequency Ensemble

Juan Trigos: Ricercare VI para guitarra y orquesta de cámara / Dieter Hennings (guitarra) y el Accidental Music Festival Ensemble, dirige Juan Trigos

Biografía y Obra de Georgina Derbez

Georgina Derbez (1968) nació en la Ciudad de México […]. Inició sus estudios de piano con Lea Levine y Marta García Renart. Ingresó a la Escuela Superior de Música, donde estudió piano con Ana María Tradatti y composición con Arturo Márquez y posteriormente con Ana Lara. Participó en talleres con Franco Donatoni, Roberto Sierra, Javier Álvarez, Hebert Vázquez, Mario Lavista y Cristóbal Halffter.

Sus obras se han tocado en diversos festivales, tales como el Foro de Música Nueva Manuel Enríquez. El Cuarteto Arditti grabó su Cuarteto No. 1.

Georgina Derbez es actualmente maestra en la Facultad de Composición de la Escuela Superior de Música en el Centro Nacional de las Artes.

Georgina Derbez: Intangible self / Ensamble del CEPROMUSIC, dirige José Luis Castillo

Georgina Derbez: Symphonia para acordeón solo / Eva Zöllner (acordeón)

Georgina Derbez: Doble concierto para flauta y piano / Clara Andrada (flauta), Alberto Rosado (piano) y la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, dirige José Areán

The post Juan Trigos y Georgina Derbez appeared first on Música en México.

Fuente: Paul Griffiths, Breve historia de la música occidental, Akal, Madrid, 2009

The post Pizzicato appeared first on Música en México.

Mercado nos transportará con su obra hacia un universo de composiciones majestuosas y paisajes sonoros en una combinación audaz que va de la música contemporánea al jazz. El joven pianista interpretará los nueve temas originales que integran esta nueva producción, más dos improvisaciones libres. Además, a lo largo del concierto explicará a los asistentes cómo se originaron las composiciones.

Refraction ha sido inspirado en el concepto de la refracción, la cual se define como el cambio de dirección de un rayo de luz u otra radiación electromagnética al pasar oblicuamente de un medio a otro con diferente velocidad de propagación.

Comenta Mercado: “El disco habla de la refracción aplicada al arte. Considero que cuando se refiere a la música el artista funge como un prisma que absorbe la luz de la realidad y la convierte en colores, sonidos y formas que dan como resultado la composición o la obra musical. Tiene un ingrediente de improvisación muy importante, pero también una estructura clásica, formal”.

“Refraction, prosigue el pianista mexicano, surge de la necesidad de continuar con una evolución en torno a la manera de componer que se percibe en el primer disco, The Watchers, en el que me acompaño de un trío, y que fue lanzado en 2012. Mi segunda producción, Simbiosis, con Antonio Sánchez en la batería y Scott Collins en el contrabajo, nació para diversificar mi proyecto en otros formatos y contribuir al vasto repertorio del piano solo en el ámbito del jazz, el cual cuenta con grandes artistas como Keith Jarret, Bill Evans y Chick Corea, que han marcado la pauta en este formato”.

The post Refraction de Alex Mercado appeared first on Música en México.