Orquesta Sinfónica de Zaragoza, dirige Laura Pérez Soria

La consagración de Gioachino Rossini como compositor operístico le llegó con

Guillermo Tell, tras cuya composición abandonó dicha faceta creativa. Durante esta “jubilación”, siguió vinculado a la vida musical como director del Théatre Italien así como del Liceo de Bolonia de París y siguió componiendo obras breves, sin dejar a un lado su otra gran pasión, la gastronomía, así como varias obras religiosas y profanas notabilísimas, entre las cuales se encuentra su Stabat Mater.

Es sabido que el Stabat Mater fue un encargo del archidiácono español, D. Manuel Fernández Varela, quien conoció a Rossini en un viaje que este realizó a España con su amigo y protector, el banquero Alejandro Aguado. Varela deseaba tener un manuscrito de Rossini y un Stabat Mater que rivalizase con el famosísimo de Pergolesi.

Rossini compuso la obra, excepto las secciones 2, 3 y 4, las cuales encomendó

terminar a su amigo, el compositor y director musical del Théâtre Italiane, Giovanni Tadolini, para completar la obra. El estreno del Stabat Mater tuvo lugar en la iglesia del Convento de San Felipe del Real de Madrid el Viernes Santo de 1833. A la muerte de Varela en 1837, y contrariamente a lo convenido inicialmente con él, sus herederos vendieron el manuscrito. Rossini recuperó el manuscrito y compuso las partes que había dejado en manos de Tadolini y añadiendo la última sección, una doble fuga. Finalmente, la obra fue estrenada en París, el 7 de enero de 1842 en la Sala Ventadour con enorme éxito. Las crónicas de la época decían, “se gritaba el nombre de Rossini por encima de los aplausos. La obra transportó al público, el triunfo fue absoluto”. En marzo de ese año, tuvo lugar el estreno italiano de la obra, en Boloña, dirigido por Gaetano Donizetti. El propio Donizetti hablaba de la reacción del público: “El entusiasmo es imposible de describir. Incluso al final del ensayo general, al que asistió Rossini al mediodía, fue acompañado a su casa por más de 500 personas aclamándole. La misma cosa tras el estreno, bajo su balcón, ya que ni siquiera apareció por el teatro.

A pesar de que la obra es claramente diferente a sus obras seculares, los críticos alemanes, como muy bien dijo Heinrich Heine en un ensayo sobre Rossini, criticaron la obra por ser “demasiado mundana, sensual y festiva respecto al tema religioso”. Como respuesta, el historiador de música francesa, Gustave Chouquet, ha concluído que “no se puede olvidar que la religión en el sur es muy diferente a lo que representa en el norte”. El Stabat Mater de Rossini se mantiene hoy en día como una obra fundamental, dentro del repertorio sinfónico-coral.

Fuente: Fundación Barceló

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Soprano Yolanda Auyanet
Mezzo Veronica Simeoni
Tenor Antonino Siragusa
Bajo Marko Mimica

Coro del Teatro Comunale di Bologna
Orquesta del Teatro Comunale di Bologna
Michele Mariotti, director

5 cosas que debe saber sobre el Stabat Mater de Rossini

1. ¿Qué es un Stabat mater?

En latín, stabat mater dolorosa significa “la madre triste estaba de pie” y se refiere a la escena bíblica de la Virgen María llorando al pie de la cruz donde murió Cristo. El texto data del siglo XIII y ha sido atribuido al franciscano italiano Jacopone da Todi. Es una secuencia que ha inspirado a muchos compositores a lo largo de la historia de la música antigua y contemporánea.

2. Un período particular en la vida del compositor

Después de que compuso su ópera Guillermo Tell, estrenada en 1829 en la Ópera de París, Rossini tuvo una suerte de bloqueo creativo: ¡no escribió ninguna ópera durante casi 40 años! Las razones no están claras. Escribir Guillermo Tell requirió más energía que cualquiera de sus obras previas y algunas de sus cartas escritas en ese momento revelan su deseo de abandonar el mundo de la ópera. Cansado, enfermo, disminuido por la muerte de su padre y su madre, Rossini tenía medios económicos independientes, por lo que no necesitaba componer para ganarse la vida. Fue al comienzo de este período que compuso su Stabat Mater, entre 1831 y 1841.

3. Dos versiones del Stabat Mater

Fue durante un viaje a España en 1831 con su amigo, el banquero Alexandre Aguado, que Rossini recibió el encargo de escribir un Stabat Mater por el Consejero de Estado Fernández Varela. Al principio, Rossini escribió sólo la mitad de la partitura y luego le pidió a su amigo Giovanni Tadolini, que la completara, especialmente porque estaba enfermo. No fue hasta diez años más tarde que Rossini, bajo la presión de su editor Eugène Troupenas, decidió rehacer por completo la partitura realizada por Tadolini, dando lugar a lo que podría llamarse una segunda versión de la obra.

4. Un director excepcional …

El estreno en París del Stabat Mater de Rossini tuvo lugar en el teatro italiano de París en 1842. El estreno en Italia fue en Bolonia y el director no era otro que mismísimo ¡Donizetti! Ambos eventos fueron un gran éxito. Donizetti escribió: “El entusiasmo es difícil de describir. Incluso en el último ensayo, Rossini se fue a su casa en medio del aplauso de más de quinientas personas. Lo mismo la primera noche, debajo de su ventana”. Rossini estaba muy conmovido de que Donizetti dirigiera su música.

5. Un evento muy especial en el Teatro Comunale di Bologna

Con motivo del 150 aniversario de la muerte de Rossini, el director Michele Mariotti y las solistas Yolanda Auyanet, Antonino Siragusa, Veronica Simeoni y Marko Mimica presentan el Stabat Mater del compositor en la misma magnífica Sala de la Biblioteca Archiginnasio, donde la obra fue estrenada el 18 de marzo de 1842. Es conocida como el Stabat Mater Hall.

Fuente: Opera Vision

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por Francesco Milella

El profundo desprecio con el cual la cultura romántica tradicionalmente miraba la música barroca iba más allá del simpe juicio estético sobre las composiciones: la Europa del siglo XIX rechazaba sobre todo el sistema de producción musical de ese periodo, de carácter serial,  ajeno a cualquier idea de creatividad y genio. El compositor barroco obviamente era visto como un técnico, capaz de construir obras musicales siguiendo los paradigmas artísticos más de moda. Muy pocos compositores de esa época lograron salvarse de este juicio de la crítica romántica. Además de Johann Sebastian Bach, que – como vimos,  recordando la trayectoria de su música en el siglo XIX – sobrevivió por ser considerado modelo cultural perfecto para construir una nueva identidad alemana; solo un compositor más logró superar la edad romántica con éxito: Giovanni Battista Draghi, mejor conocido como Pergolesi.

Joven enfermizo, probablemente poliomelítico, con un carácter amable y sensible, compositor brillante, genio precoz: inmediatamente después de su muerte por tuberculosis, ocurrida en Pozzuoli, cerca de Nápoles, en 1736 a la edad de 26 años, la figura y la trayectoria artística de Pergolesi lograron encantar a toda Europa. Cortes desde Portugal hasta Rusia se enamoraron de sus obras y se enternecieron con su historia: comenzaron a mandar a Nápoles sus propios compositores para comprarlas y, si era necesario, copiarlas o incluso robarlas. Grandes compositores como Bach se acercaron a sus obras para estudiarlas y realizar transcripciones. Cuando, en 1752, se presentó en París su intermezzo La Serva Padrona, la moda de Pergolesi ya había alcanzado su máximo vértice.

Pero ¿cómo fue posible que un compositor tan joven, que había logrado publicar en vida solo veinte de sus casi cincuenta obras, haya podido alcanzar un éxito tan extremo, un éxito que sigue vivo hasta nuestros días? No era suficiente morir joven, enfermo y abandonado en un convento en Pozzuoli, para cautivar tantas atenciones y  alabanzas e imponerse con tal firmeza en el gusto y el repertorio de toda Europa a lo largo de tres siglos. Era necesaria también una música que fuera perfecta en todos sus aspectos para fascinar los oídos de un continente entero y de diferentes generaciones. Así fue la música de Pergolesi.

Una de las últimas obras definitivamente atribuidas al joven Pergolesi es Septem verba a Christo in Cruce Moriente Prolata, una composición religiosa estructurada en siete cantatas, cada una incluye arias y recitativos interpretados por Jesús y el alma que representa al fiel cristiano. El motor dramático se coloca obviamente sobre las siete palabras que Jesús pronunció desde la cruz.  A partir de en los años treinta del siglo pasado, cuando se descubrió esta partitura, fue inmediatamente comparada con el célebre Stabat Mater que representa el mismo episodio de la vida de Cristo pero desde la perspectiva de la Virgen. Se trata de una comparación interesante que nos puede ayudar a entender más a fondo la genialidad de Pergolesi.

Acostumbrados a la expresividad delicada y melancólica, maravillosamente femenina y humana, discreta y púdica del Stabat Mater, no podemos evitar quedar sorprendidos al escuchar la música con la cual Pergolesi acompaña maravillosamente las Septem Verba de Jesús. Con el mismo pudor y discreción de la Virgen del Stabat Mater, el Cristo de Pergolesi nos lleva de la mano a través de sus palabras y su dolor mostrándonos su lado humano, obscuro, angustioso y agobiante, y su lado divino más sabio y luminoso, consciente de su inminente llegada a la casa del Padre. La música de Pergolesi se aleja aquí de la delicada expresividad del Stabat Mater para acompañar esta trágica escena con densidad e inquietud; deja a un lado las extravagancias teatrales de su época y nos ofrece un momento de intensa fuerza espiritual, libre de inútiles y superficiales sentimentalismos. Las Septem Verba no son el resultado de un hábil y experto compositor: son el testigo de un genio capaz de superar los vínculos de su época y entregarnos una música universal.  

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