Kaleidoscope Chamber Orchestra
La opinión generalizada sobre la innovadora Sinfonía de cámara no. 1 de Schönberg es que se trata de un acercamiento a la concisión y la brevedad, un acto de compresión despiadada y purificadora en reacción al giganticismo tardorromántico representado por las sinfonías de Mahler y los Gurre-Lieder del propio Schönberg. Pelleas y Melisande, entre muchos otros. Schönberg redujo las grandiosas fuerzas orquestales a 15 instrumentos solistas y encapsuló la sinfonía estándar de múltiples movimientos en un solo movimiento compuesto.
Esa fue la forma en que la Sinfonía de Cámara, completada durante unas vacaciones en Baviera en julio de 1906, se estrenó en febrero de 1907, y es en esa forma que se convirtió en un icono modernista, inspirando muchas obras similares. Con su uso temático de cuartas superpuestas y escalas de tonos completos que funcionaban tanto verticalmente (armónicamente) como horizontalmente (melódicamente), la obra se convirtió en un famoso indicador del futuro, un presagio de lo que vendría para Schönberg y gran parte del siglo XX. música.
Sin embargo, la obra mira tanto hacia atrás como hacia adelante, algo que quedó más claro cuando Schönberg la arregló para orquesta completa en 1935. Este fue un período durante sus primeros años en Los Ángeles en el que el compositor reflexionó sobre la relación de su propio estilo con la música. del pasado, arreglando y adaptando obras de Monn y Handel y escribiendo la Suite “in Old Style”.
Y la brevedad de la Sinfonía de Cámara es relativa a otras obras contemporáneas, incluidas Pelleas y Melisande de Schönberg y su Cuarteto de cuerda en re menor, ambas también en un solo movimiento. (La Sinfonía de Cámara es más larga que muchas sinfonías completas de múltiples movimientos de Haydn y Mozart). Schoenberg cita a Liszt como inspiración para la idea de una forma encapsulada (y Liszt estaba siguiendo el modelo de la Fantasía “Wanderer” de Schubert). En la Sinfonía de Cámara, este movimiento único se subdivide en cinco partes muy distintas, aunque se tocan sin interrupción.
Una forma de ver el plan general de la pieza es como un gran movimiento en forma de sonata con interludios que representan un scherzo y un movimiento lento. La primera sección se corresponde con la exposición. Una introducción lenta y madura nos lleva a fa mayor, luego una marcha rápida por una pila de cuartas finalmente conduce a mi mayor, la clave principal de la obra, en la que la tonalidad es un factor atenuado pero aún muy real. Hay varios temas bien caracterizados en esta sección y uno (otro enérgico impulso ascendente, de una escala de tonos completos en tresillos apresurados) regresa como una transición a la segunda sección, que es un scherzo muy rápido, completo con un toque de un trío. La tercera sección elabora los temas de la exposición en un entorno más reflexivo, pero aún bastante dinámico, como la sección de desarrollo de una forma de sonata. Una sección lenta, etérea, suave y triste, de patetismo casi mahleriano, se basa nuevamente en cuartas ascendentes. La deslumbrante quinta sección sirve como recapitulación libre de la forma de sonata y como exuberante final de la sinfonía.
Aunque compleja, esta estructura se desarrolla orgánicamente y es bastante audible, especialmente si captas la señal para el cierre de la primera sección. Esta es en gran medida una pieza basada en melodías, con los aspectos de scherzo y “movimiento” lento que también funcionan como una especie de desarrollo de temas por contexto y carácter. La gramática de las líneas de Schönberg era fresca y traspasaba los límites, pero los enérgicos gestos retóricos emergen del mundo sonoro de Mahler y Richard Strauss, al igual que la sinceridad emocional, que la relativa concisión sólo intensifica.
Fuente: John Henken para laphil.com
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