Purcell: 10 Sonatas a 4, Z.802-811
Además de las obras sacras y sendas óperas que permanecen en el canon, como Dido y Eneas y The Fairy Queen. Henry Purcell nos legó sus sonatas a trío, quizá menos conocidas. Compuestas alrededor de 1680, estas incluyen las Doce Sonatas a 3 (Z 790-801) y las Diez Sonatas a 4 (Z 802-811). Estas últimas colección se publicó póstumamente en 1697 en un momento en que la esposa del compositor, Frances, necesitaba dinero.
La colección incluye la Sonata en fa mayor, Z 810, que se ganó el apodo de Sonata “dorada”. El primer movimiento, que no incluye marcas de tempo, se desarrolla con brillantes conversaciones contrapuntísticas entre los dos violines, la viola y el continuo. El segundo movimiento helado y melancólico está lleno de lamentos musicales “suspiros”. La Canzona que sigue sugiere una fuga, con soleadas líneas imitativas. El cuarto movimiento vuelve a una atmósfera de misterio y lamento. La sonata concluye con una danza vigorosa y alegre que parece desvanecerse en sus compases finales.
Fuente: Timothy Judd para thelistenersclub.com
Massenet: 10 Pièces de genre, Op.10
Las 10 piezas de género op. 10, es un ciclo para piano de diez “mélodies” y la no. 5 –Elégie– se ha convertido en una obra famosa en sí misma, ya que también se utilizó como base de la “invocación”, que acompaña al vertido de libaciones de Electra sobre la tumba de Agamenón, en el acto 2 de la ópera de 1876 Les Érinnyes, para la que Jules Massenet escribió una obertura, un intermezzo y música incidental. La obra se publicó por separado como Élégie para violonchelo y orquesta (Op.10, n. ° 5), así como la canción O doux printemps d’autrefois y todavía se interpreta y graba a menudo.
Sibelius: 10 Pieces for Piano, Op.58
Las 10 piezas para piano (1909) de Jean Sibelius representan un período de modernidad, introversión y experimentación en su catálogo. Los elementos tradicionales todavía aparecen ocasionalmente, ya que Sibelius nunca abandonó por completo el vocabulario del romanticismo. Al mismo tiempo, a raíz de la Tercera sinfonía (1907), el enfoque clásico se vuelve cada vez más dominante. Los factores más esenciales del opus 58 son una nueva escritura polifónica-lineal, con texturas económicas y gráficas, una expresión concisa y concentrada y una armonía experimental empleando disonancias excitantes. La música es audaz e innovadora, y definitivamente no debe etiquetarse como música doméstica o de salón. Para el pianista, la música plantea desafíos tanto en términos de comprensión intelectual como de técnica. Sibelius era consciente de los progresos que había realizado, ya que escribió en su diario, el 28 de septiembre de 1909, que sentía que la técnica “sería mejor que en otras obras similares”.
Ilmari Hannikainen entendió la singularidad de la obra antes que muchos otros. En 1935 escribió: “10 piezas para piano op. 58 es mi último gran descubrimiento y enamoramiento. Toda la suite es como un collar de perlas en el que cada perla brilla intensamente. ¡Y el estilo de estas piezas! Sibelius es siempre Sibelius de principio a fin, pero en el op. 58 es como si se embarcara en un estilo de piano completamente nuevo, que, no se puede decir que se parezca, sino que está espiritualmente relacionado con el último estilo de Beethoven. La primera pieza, Rêverie, es una de las gemas más brillantes de esta preciosa secuencia”.
Fuente: Comentario sobre la obra pianística de Jean Sibelius en www.sibelius.info
Prokofiev: 10 Piezas para piano, Op.12
Estas miniaturas, que datan de los años de estudiante del compositor, encuentran a Prokofiev en un estado de ánimo juguetón. La Marcha de apertura, con su ritmo agudo y melodía burlona, anticipa la famosa Marcha de El amor de las tres naranjas (especialmente armónicamente, con su extraña oscilación entre Fa menor y Fa sostenido menor), pero esta es una pieza mucho más ligera. Gavotte ofrece evidencia temprana de las tendencias neoclásicas de Prokofiev. Esta no es la misma gavota que usaría en su Sinfonía clásica; es más tradicional (pero bastante cómica), un vestigio de una tarea para la clase de composición de Liadov. Rigaudon, otro guiño al siglo XVIII, abarca más que el movimiento anterior, pero carece de la fluidez y el afecto del más famoso rigaudon en Le Tombeau de Couperin de Ravel. De manera similar, la Mazurka es aún más vacilante de lo que requiere su patrón rítmico. No es en absoluto chopinesco; Prokofiev adopta un procedimiento organum medieval con dos partes armónicas, cada una moviéndose en cuartos paralelos. El Capriccio tiene una línea melódica neoclásica aguda, figuras de bajo oscilantes de Alberti y una forma de dos partes con una recapitulación y una larga coda derivada de la línea de bajo; la pieza casi podría confundirse con Poulenc.
Legend no lleva ningún programa específico. Comienza con un pasaje silencioso y tentativo, una breve interrupción de adagio, luego una respuesta al material de apertura, todo lo cual se repite; luego viene una sección Andante religioso con sus propias variaciones rudimentarias, luego esencialmente un reverso de la primera sección. El Preludio, que a veces se encuentra en una transcripción de arpa (“Arpa” es, de hecho, su subtítulo), es un estudio rápido, brillante y muy figurado. La Allemande con patrón ABA vuelve al enfoque neoclásico de la gavota, ahora con un ritmo cómicamente pisando fuerte (esos alemanes torpes…) y una atmósfera levemente grotesca. Scherzo humorístico, con la notación “para cuatro fagotes”, está centrado hacia el extremo inferior del teclado, con un acompañamiento rápido pero gruñón de la mano izquierda. La breve sección del trío es comparativamente plácida y directa. El conjunto concluye con otro Scherzo, éste sin adjetivo. Es un móvil vivacissimo perpetuum en una impresionante ráfaga de semicorcheas, comenzando en pianissimo y aumentando de manera constante hasta el final sforzando.
Fuente: James Reel para allmusic.com
Chávez: 10 preludios para piano
El musicólogo Robert Parker dijo sobre los 10 preludios para piano de Carlos Chávez: “el propósito original de Chávez fue escribir una pieza en cada uno de los siete modos diatónicos pero, después de completar el séptimo preludio procedió a componer el octavo y noveno bimodalmente –introduciendo alteraciones cuando se necesitaba–, y el número diez es estrictamente una pieza tonal.
La idea de “choque” reaparece en forma constante lo largo de los dos principales ciclos de piezas para piano de Chávez, por un lado las Siete piezas (1936) y los 10 preludios (1937), de ahí su dinamismo e impulso motor; en ambos: a una situación idónea le sigue otra de idéntica naturaleza, sin perder su diversidad específica. Así, el acierto se eslabona a las cierto.
Notorio asimismo el estímulo didáctico: Chávez arranca del piano mexicano las capas polvosas, sepias, del sentimentalismo, para hacerle evolucionar hacia otros terrenos expresivos, o de ejecución y alcances técnicos.
Fuente: Gloria Carmona, para la Obra Completa para Piano de Carlos Chávez, por María Teresa Rodríguez.
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