Mozart: Divertimento en si bemol mayor, K.186/159b
Los divertimentos en si bemol mayor, K 186/159b, y mi bemol mayor, K 166/159d, son dos composiciones complementarias para parejas de oboes, cornos inglesas, clarinetes, cornos francese y fagotes de Wolfgang Amadeus Mozart.
El autógrafo se conserva en la Biblioteca Estatal de Berlín – Patrimonio Cultural Prusiano y no tiene fecha de composición. La obra consta de cinco movimientos.
El Allegro assai de apertura bastante sencillo es un Ländler que funciona como una entrada para el resto de la obra. Originalmente, Mozart tenía en mente un trío diferente, uno escrito para dos oboes y fagot, pero este fue tachado y reemplazado por otro que presentaba un diálogo entre los oboes y los cornos ingleses, apoyado por el bajo. El tema del Allegro final es idéntico al del K 135a. Aunque en el autógrafo falta la indicación explícita, los cuernos en K 186/159b son corni alti en si [cuernos altos en si bemol].
Fuente: wikipedia
Hindemith: Der Dämon, op. 28
La danza-pantomima Der Dämon es una obra para orquesta de cámara –flauta, clarinete, corno, trompeta, piano y quinteto de cuerdas– que muestra una similitud con la conocida Kammermusik no. 1 op. 24 no. 1, que se representó por primera vez en Donaueschingen en el verano de 1922. Numerosos movimientos de Der Dämon se caracterizan por el dominio del ritmo que le da al ballet una vitalidad irresistible, pero la composición también incluye intensos momentos líricos que revelan el carácter específico de Hindemith en forma de expresionismo musical. Los movimientos no son descriptivos con imágenes tonales, sino que persiguen sus leyes musicales autónomas individuales. No obstante, la música muestra una clara coordinación con la trama simbólica del ballet.
Hindemith la compuso en el verano y otoño de 1922 para la bailarina Nini Willenz que actuó en Darmstadt. La obra está basada en un texto del autor vienés Max Krell; no se sabe nada sobre los antecedentes de la composición de la música. Tras la finalización de la composición, el estreno originalmente previsto de la obra se pospuso desde diciembre de 1922 por un año. Luego se representó en numerosos teatros de Alemania y del extranjero hasta 1934. La partitura impresa en 1924 contiene instrucciones de Hindemith: “Esta obra está compuesta exclusivamente para el escenario y no puede interpretarse en su totalidad como pieza de concierto en su versión actual. Sin embargo, hay algunas piezas que son adecuadas para su interpretación en una sala de conciertos. Permitiré que los directores hagan una selección adecuada para una interpretación en concierto”. Se ha conservado una nota que data de 1931 en la que Hindemith recomienda la selección de los movimientos 1, 2, 3, 7, 8, 9 y 11 para una interpretación sólo instrumental.
Fuente: Notas a la edición Der Dämon en schott-music.com
Enescu: Deceto para alientos, op. 14
El Deceto en re mayor, op. 14, fue escrito en 1906. Está escrito para pares de flautas, clarinetes, fagotes y cornos, con un oboe y un corno inglés. El primer movimiento es en general en forma de sonata, con el primer tema anunciado por la flauta, seguido de un tema de transición interpretado por cornos y fagotes y que conduce a un segundo tema lírico, introducido por el corno inglés. El movimiento lento introduce una melodía similar a una canción tocada en la octava por el oboe y el corno inglés, mientras que la sección central, que sirve como scherzo, está dominada por la flauta con una melodía alegre que debe ser emparejada, en el sección final, con el tema principal del movimiento. Esto conduce a un movimiento final en forma de sonata-rondó, en el que, como en otras partes de la obra, el tratamiento modal ocasional del material sugiere la influencia generalizada de Rumania en el lenguaje musical empleado. De carácter sinfónico, el Deceto evita la monotonía del efecto de los instrumentos para los que está compuesto.
Fuente: Keith Anderson para naxos.com
Ives: The Unanswered Question
En su libro America’s Music, Gilbert Chase escribe que Charles Ives sufría de “originalidad congénita en un clima de conformidad”. Apoyándose en el enfoque audaz y poco ortodoxo de su padre hacia la música, así como en sus héroes trascendentales, Emerson y Thoreau, este pensador independiente sintetizó las melodías e himnos folclóricos americanos de su infancia con su propia estética – utilizó dispositivos como la bitonalidad y los polirritmos décadas antes de que entraran en la caja de herramientas de composición estándar del siglo XX – en una voz personal.
La pregunta sin respuesta es una de las pocas obras de Ives, sin embargo, que no cita ni incorpora de alguna manera canciones populares tradicionales y melodías de himnos. El musicólogo Wayne Shirley ha sugerido que la obra se inspiró en el poema de Emerson “El Esfinge”, en el que aparece la frase del título. Ives veía a Emerson como elevándose “a una libertad casi perfecta de acción, de pensamiento y de alma, en cualquier dirección y a cualquier altura”.
La pregunta sin respuesta se describe más acertadamente como una pieza de filosofía expresada en la música. En el prefacio de la partitura, Ives esboza la idea de que la obra trata de la “eterna cuestión de la existencia” de la humanidad. Construye la obra en tres capas – una trompeta solista (en muchas actuaciones tocada fuera del escenario), cuatro flautas y cuerdas – que nunca se sincronizan del todo.
La trompeta plantea la pregunta como un motivo de cinco notas, hermoso y majestuoso si bien un poco fuera de lugar. Las flautas, jugando el papel de la humanidad, buscan una respuesta, primero suave y lentamente, recogiendo segmentos del motivo de la trompeta. Ives retrata la frustrante inadecuación de su frenética y finalmente vacía búsqueda de respuestas con una densidad rítmica creciente, una unidad decreciente y disonancias más intensas.
Las cuerdas, mientras tanto, proporcionan el telón de fondo, tocando serenamente a lo largo de la obra en sol mayor. Sin casi ningún ritmo o compás perceptible, las cuerdas continúan lo que Ives llamó su “melodía sin fin” – la respuesta al ruido del incesante preguntar y buscar, siempre allí en el fondo, en la quietud. Es la representación sonora del silencio de Ives, donde se encuentra la respuesta.
Fuente: Meg Ryan para la es.laphil.com
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